Instrumental

Als Drummer war Christian Nowak für etliche nationale und internationale Musiker wie Gary Brooker (Procol Harum), Barry Ryan, Bobby Kimball (Toto) und Chuck Berry tätig. Jetzt legt er mit „Nachklang“ sein erstes Soloalbum als Komponist und Keyboarder vor. Um sich neue musikalische Ziele zu setzen, bedarf es ab und zu den Blick zurück auf die eigenen Wurzeln. »Da stand ein Fender Rhodes mit einem Roland JazzChorus, ein Oberheim, ein MiniMoog, ein Bandecho-Gerät und eine Vierspur-Bandmaschine von TEAK. Grandios!«
Vor diesem Hintergrund ist ein nachdenkliches Album entstanden, das mit einem Lebensgefühl vergangener Tage verbunden ist. Eindrücke, die noch immer nachklingen. »Ich bekomme heute noch Gänsehaut, wenn ich diese Sounds irgendwo zu hören bekomme. Oft saßen wir rauchend und kaffeetrinkend in unserer Studentenbutze und hörten die neuesten Scheiben von Steely Dan, Yes, Gentle Giant, Zappa und und und... Jetzt habe ich diese zeitlosen Klänge mit modernen Sounds kombiniert. So verstehe ich meine Songs auch als Hommage an meine alten "Heroes" wie George Duke, Herbie Hancock, Chick Corea und Jan Hammer.«
»Natürlich habe ich als Drummer auch noch andere Idole. Betrachte mich selbst aber als Musiker, bei dem das Gesamtpaket stets im Vordergrund steht.« Wahrscheinlich muss der Klang dann irgendwann wieder raus aus dem Körper, zurück ins Universum, wo er ursprünglich hergekommen ist.

01 Specht
02 Isn’t She?
03 791113
04 Choral
05 Schmatz
06 Hello-Song
07 Candlelight
08 Gedankenwolke
09 Five To Eight
10 Du
11 Nachklang

Das Buch als PDF-Datei und die Soundbeispiele als MP3-Dateien lassen sich am Ende des Bestellungvorgangs downloaden.

Digital English Edition (PDF + MP3)

Band 1 von Steve Bakers Blues Harmonica Playalongs enthält 11 seiner bekanntesten Instrumentalkompositionen in Noten und Tabulatur (Soli werden nicht notiert), plus ausgiebige Erläuterungen und Übungstipps für jedes Stück in englischer Sprache. Das dazugehörige Audio-Paket bietet jeden Titel als Vollversion mit Steves Mundharmonika, sowie als Playbackversion ohne Harp, zum mitspielen. Ein zusätzliches Kapitel im Band 1 behandelt die Harmonielehre und wie man sie auf der diatonischen Mundharmonika umsetzt. Aufgenommen mit topp professionellen Begleitmusikern, Blues Harmonica Playalongs Vol. 1 bietet den idealen Ausgangspunkt für den aufstrebenden diatonischen Harpspieler, um die eigene spielerische Fähigkeiten weiter zu entwickeln und dabei viel Spaß mit diesen tollen Songs zu haben.

• Session Shuffle Key: E Harp: A
• Poor Boy Boogie Key: C Harp: F
• Rainy Day Blues Key: G Harp: C
• Funky Mardi Gras Key: A Harp: D
• Straight Harp Shuffle Key: A Harp: A
• Off The Top Key: G Harp: C
• Doublecrossed & Blue Key: Bm Harp: A
• Worried Mind Key: C Harp: F
• Stomping Key: E Harp: A
• Ready To Go Key: D Harp: C
• Gimme A Break Key: A Harp: D

Das Buch als PDF-Datei und die Soundbeispiele als MP3-Dateien lassen sich am Ende des Bestellungvorgangs downloaden.

Digital English Edition (PDF + MP3)

Band 3 von Steve Bakers Blues Harmonica Playalongs bietet seine abwechslungsreichste Titelauswahl bis Dato, mit 11 neuen Instrumentals in Noten und Tabulatur (alle Soli werden notiert), plus ausgiebige Erläuterungen und Übungstipps für jedes Stück in englischer Sprache. Das dazugehörige Audio-Paket bietet jeden Titel als Vollversion mit Steves Mundharmonika, sowie als Playbackversion ohne Harp, zum mitspielen. Stilistisch decken die Stücke ein breites stilistisches Spektrum ab, das Swing, Reggae, Afrofunk, Soul und Punk wie auch eher konventionelle Bluesnummer einschließt. Mit topp professionellen Begleitmusikern aufgenommen, bietet Blues Harmonica Playalongs Vol. 3 eine fantastische Auswahl an hochwertigem Material für den aufstrebenden diatonischen Harpspieler, um die eigene spielerische Fähigkeiten weiter zu entwickeln und dabei viel Spaß mit diesen tollen Songs zu haben.

• Back At The Farm Key: G Harp: C
• Let's Get It Straight Key: A Harp: A
• The Third Kind Key: A Harp: G
• Rockin' Ragga Key: Am Harp: F
• Boogie Time Key: A Harp: D
• Rockabilly Shake Key: A Harp: D
• Feelgood Thrash Key: E Harp: A
• Have Mercy On Me Key: D Harp: G
• Afroinspiration Key: E Harp: A
• Black & Blue Key: G Harp: C
• Loose & Lazy Key: A Harp: G

Das Buch als PDF-Datei und die Soundbeispiele als MP3-Dateien lassen sich am Ende des Bestellungvorgangs downloaden.

Digital English Edition (PDF + MP3)

Das 2. Band von Steve Bakers Blues Harmonica Playalongs enthält 12 neue Instrumentaltitel in Noten und Tabulatur (Soli werden z.T. notiert), plus ausgiebige Erläuterungen und Übungstipps für jedes Stück in englischer Sprache. Das dazugehörige Audio-Paket bietet jeden Titel als Vollversion mit Steves Mundharmonika, sowie als Playbackversion ohne Harp, zum mitspielen. Die ersten sechs Stücke erkunden den akustischen Blues-, Country- und Bluegrass-Musik, während die restlichen Titel ein breites stilistisches Spektrum spannen, das vom traditionellen Chicago Blues bis hin zu Rock, Funk und Rockabilly reicht. Mit topp professionellen Begleitmusikern aufgenommen, bietet Blues Harmonica Playalongs Vol. 2 eine fantastische Auswahl an hochwertigem Material für den aufstrebenden diatonischen Harpspieler, um die eigene spielerische Fähigkeiten weiter zu entwickeln und dabei viel Spaß mit diesen tollen Songs zu haben.

• Headed For Home Key: C Harp: F
• Backwoods Blues Key: A Harp: D
• Bluegrass Moon Key: G Harp: C
• Lonesome Key: E Harp: A
• Back To The Country Key: C Harp: F
• National Blues Key: G Harp: C
• Steve's Shuffle Key: A Harp: D
• Been To Detroit Key: A Harp: A
• Boogaloo Train Key: E Harp: A
• 5th Dimension Key: Em Harp: C
• (Please Don't Get Too) Stoned Key: B Harp: A
• Take Me With You When You Go Key: E Harp: A

Peter Autschbach:
„Joscho Stephan ist ohne Zweifel ein Weltklasse-Gitarrist, den man vor allem wegen seiner unglaublich virtuosen Solotechnik im Django-Reinhardt-Genre kennt, das er auf ganz eigene und wiedererkennbare Weise interpretiert. 
Bei allen neuen und frischen Ideen wird er dabei trotzdem mühelos dem Erbe Reinhardts gerecht. Im Duo mit mir zeigt sich Joscho von einer etwas anderen Seite: auch virtuos, aber jazziger, teilweise mit Archtop-Gitarre und auch mal Flattop-Akustikgitarre. Es hat großen Spaß gemacht, die Stücke für unser gemeinsames Album ‚Sundowner‘ zusammen mit ihm in meinem Studio einzuspielen (und bei zwei Stücken dazu zu singen) und alles ging sehr schnell. Der Grund ist, dass wir uns immer (auch wenn wir mal eine zweite Version versucht haben) für den "first take" entschieden haben.
Die Musik besteht zur Hälfte aus neuen, eigenen Kompositionen und aus unseren spontanen Interpretationen bekannter Standards. Wir sind beide froh und stolz auf das neue Album und ich bin sehr glücklich, dass es auch als Vinyl-LP erscheinen wird.“

Zitat von Gitarrenmeister Siegfried Schwab:
„Lieber Peter, lieber Joscho, da ist euch aber etwas ganz Großes gelungen, von diesem Sundowner kann man ja gar nicht genug bekommen, denn es ist eine rundum gelungene Einspielung geworden!
Meine Number One natürlich: ‚Holobiont‘. Mit diesem Stück habt ihr die Tür zur gitarristischen Champions-League weit, weit aufgestoßen. Da kann man sich nur freuen, dass solche Meister hier in unserer Mitte (Europa) wirken.
Herzliche Gratulation, Euer Sigi Schwab“

01 Stompin’ At The Savoy
02 Autumn Leaves
03 Donna Lee
04 Holobiont
05 Centerpiece
06 Still A Long Way To Go
07 Good Times
08 Fill The Gap
09 Sundowner
10 Begin At The End

Diese Sammlung von 15 Songs bietet akustische Crossover-Gitarrenmusik vom Feinsten. Die klangliche Besonderheit liegt in der Verwendung vieler unterschiedlicher Saiteninstrumente und dem kunstvollen Aufschichten von beeindruckenden 3D-Sounds.
Stilistisch bewegt sich die Produktion zwischen Jazz, Folk, Americana und Weltmusik. Insbesondere der extrem aufgeräumte, klare und organische Klang macht das Hören von Poem For A Glacier zu einem Erlebnis. Der Hörer lässt sich gern mitnehmen von cineastischen Grooves, fließenden Atmos und kreativen Sounds. Als Einflüsse benennt Andreas Schulz Musiker wie Pat Metheny, Dominic Miller, Bill Frisell, Ulf Wakenius oder John Abercrombie. In Wirklichkeit hat er seinen eigenen Stil ausgeprägt und spielt klangmalerisch und auffallend fließend, dabei locker und unaufgeregt – und doch mit maximaler Dynamik und Ausdrucksstärke.

01 Dolomites
02 Cloudy
03 Country Waltz
04 Fandango 66
05 Latemar
06 Lanikai Ballad
07 Melting Sugar
08 Ballad In Red
09 Poem For A Glacier
10 Not Much To Say
11 Silueton
12 Orca
13 OM-Line
14 Poem For Bill
15 Spectrum

Die Songs lassen sich am Ende der Bestellung downloaden.

Sounds of the 80s | Harmonica Pop Instrumentals

Die 1980er Jahre markierten den Anfang der digitalen Ära und die meisten kommerziellen Musikproduktionen aus dieser Zeit sind unter Einsatz der neuesten technischen Innovationen entstanden. Polyphone Synthesizer, Sequencer, Drum-Computer und gesampelte Sounds waren damals ziemlich neu und haben die Art und Weise des Entstehens der Popularmusik radikal verändert. Hamburg war eine wichtige Drehscheibe der deutschen Musikindustrie, wo Steve Baker als Studiomusiker bei zahllosen Aufnahmen der 1980er und 90er Jahre die digitale Revolution der Musikproduktion miterlebte.

Im Sommer 1986 setzte er sich mit einer Gruppe Hamburger Session-Musiker zusammen, darunter die Drummer-Legende Peter Franken und der Produzent und Gitarrist Dieter Faber. Im Simple Sound Studio von Adrian Askew entstand dann dieses Album von Instrumental-Titeln für Mundharmonika, geprägt von den gängigen Sounds und Technologien der damaligen Zeit.

Die Produktionstechniken der 80er Jahre und die polierte Performance der Studio-Cracks bilden eine Kulisse für Bakers gefühlvolles Spiel, das die Hörer, die seine Arbeit im Blues, Rock und Folk kennen, vielleicht überraschen wird. Die Kombination ist gleichzeitig ungewöhnlich und effektiv. Neben seinem vorbildlichen diatonischen Harpspiel bieten die Free Fall Sessions außerdem seltene Aufnahmen von Steve auf chromatischer Mundharmonika.

Drei Titel erschienen 1987 als Maxi-Single, aber die restlichen Stücke wurden nie veröffentlicht. Zum ersten Mal ist nun die gesamte Produktion als Download von Timezone Records erhältlich. Diese überfällige Neuauflage zeigt eine weitere Seite von Steve Bakers breitgefächerten Musikalität und unterstreicht seinen Status als einer der heute einflussreichsten Mundharmonikaspieler.

Adrian Askew - recording, keyboards
Steve Baker - harmonica
Dieter Faber - guitars, bass, keyboards
Peter Franken - drums & percussion
Michael Pohnke - keyboards

1. Free Fall - soft mix (Steve Baker / Dieter Faber)
2. Reaching Out (Michael Pohnke)
3. Meet The Beat (Steve Baker / Dieter Faber)
4. Winter Sun (Steve Baker / Dieter Faber)
5. Iona (Steve Baker)
6. Grenadina (Dieter Faber)
7. Whistling In The Dark ((Steve Baker / Dieter Faber)
8. Chasing Rainbows (Steve Baker)
9. Free Fall - maxi mix (Steve Baker / Dieter Faber)

Vorbestellung – Auslieferung im April. Wir halten Euch auf dem Laufenden.

Peter Autschbach:
„Joscho Stephan ist ohne Zweifel ein Weltklasse-Gitarrist, den man vor allem wegen seiner unglaublich virtuosen Solotechnik im Django-Reinhardt-Genre kennt, das er auf ganz eigene und wiedererkennbare Weise interpretiert. 
Bei allen neuen und frischen Ideen wird er dabei trotzdem mühelos dem Erbe Reinhardts gerecht. Im Duo mit mir zeigt sich Joscho von einer etwas anderen Seite: auch virtuos, aber jazziger, teilweise mit Archtop-Gitarre und auch mal Flattop-Akustikgitarre. Es hat großen Spaß gemacht, die Stücke für unser gemeinsames Album ‚Sundowner‘ zusammen mit ihm in meinem Studio einzuspielen (und bei zwei Stücken dazu zu singen) und alles ging sehr schnell. Der Grund ist, dass wir uns immer (auch wenn wir mal eine zweite Version versucht haben) für den "first take" entschieden haben.
Die Musik besteht zur Hälfte aus neuen, eigenen Kompositionen und aus unseren spontanen Interpretationen bekannter Standards. Wir sind beide froh und stolz auf das neue Album und ich bin sehr glücklich, dass es auch als Vinyl-LP erscheinen wird.“

Zitat von Gitarrenmeister Siegfried Schwab:
„Lieber Peter, lieber Joscho, da ist euch aber etwas ganz Großes gelungen, von diesem Sundowner kann man ja gar nicht genug bekommen, denn es ist eine rundum gelungene Einspielung geworden!
Meine Number One natürlich: ‚Holobiont‘. Mit diesem Stück habt ihr die Tür zur gitarristischen Champions-League weit, weit aufgestoßen. Da kann man sich nur freuen, dass solche Meister hier in unserer Mitte (Europa) wirken.
Herzliche Gratulation, Euer Sigi Schwab“

SIDE A
01 Stompin’ At The Savoy
02 Autumn Leaves
03 Holobiont
04 Centerpiece

SIDE B
01 Still A Long Way To Go
02 Good Times
03 Fill The Gap
04 Sundowner
05 Begin At The End

Nach dem ersten Album mit elb HANG musik namens “hang´n´bass”, erscheint das Zweite mit dem Titel “into the arctic” nun beim Label Timezone. Dieses mal steht jedoch das besonders warm klingende SHELLOPAN aus Frankreich im Mittelpunkt – in diesem Fall ein Instrument, das sogar Tonmulden auf der Unterseite des metallischen Korpus´ aufweist – und damit einen Tonumfang von zwei Oktaven.
 elb HANG musik hat sich mit dem neuen Album etwas Besonderes vorgenommen: eine musikalische Hörreise in die kanadische Arktis. Denn die überwiegend songartigen, aber auch lautmalerischen Tracks entstanden überwiegend als Begleitmusik zu einer Lesung der freien Autorin Petra Krumme (u.a. Süddeutsche Zeitung), die neun Monate bei dem First Nation-Stamm der Gwich´in in der arktischen Wildnis nördlich des Polarkreises verbrachte. Sie verarbeitete ihren Aufenthalt dort in eindrücklichen Texten, die zu der Musik inspirierten. Für das Album wurden die einzelnen Stücke mit weiteren Instrumenten angereichert. So sind nicht nur das Shellopan sowie das integrale und dorische Hang zu hören, sondern auch das mystische Whalophone sowie diverses Schlagwerk, E-piano, flächige Sounds, elektronische Grooves, gelegentlich (mehrstimmiger) Gesang  – und eine außergewöhnlich klingende Mandoline.
Zwischen den Stücken von elb HANG musik oder auch innerhalb eines Tracks wechseln freundliche mit melancholischen und spannungsreichen Stimmungen. So entstand ein abwechslungsreiches Konzeptalbum, atmosphärisch dicht und groovy zugleich. Bei einigen Stücken wirkt der großartige Musiker Ramón Lazzaroni an Querflöten und Kontrabass mit. Für diese Reise braucht man nur die Augen schließen - und zuhören!

01 into the arctic
02 journey
03 house cleaning
04 schneewalzer
05 tolerance
06 snowflakes
07 meltwater
08 caribou
09 remembrance
10 northern lights
11 sunday moaning
12 where are the drums?
13 to the stars
14 cool place
15 schneewalzer (live version)

„Ich will eine Musik, die feiert, was ist und was wir oft gar nicht mehr wahrnehmen. Etwas, das jenseits aller Worte liegt.“
Auf dem zweiten Album „Traces Of The Past” fährt Rio Nin nicht nur die Hektik des Alltags gleich mehrere Gänge herunter, er begibt sich zudem auf die Spuren der Vergangenheit. Mit diesen Spuren sind all die verloren geglaubten glücklichen Gefühle und Erinnerungen wieder da.
Im verschlafenen Nordhorn ging alles mal los. Songs covern? Nachsingen? Geht gar nicht. Mit 15 Jahren hat man der Welt eine Menge mitzuteilen. Also brachte sich Rio Nin, alias Mario Brünink ein paar Griffe bei, gründete mit einem Freund eine Band und stürmte … nein, nicht in die Charts … aber auf alles, was irgendwie an eine Bühne erinnerte. Erste musikalische Lorbeeren muss man sich erschwitzen. „Wir wollten keine Sargsparer sein“, sagt Brünink. „Keine Leute, die ihr Leben verdämmern.“ Musik war Protest. Gegen eingeschlafene Füße, spießiges Denken und Sofa-Ödnis.
„Ich wollte ganz etwas anderes. Aufbrechen mit „Smoke on the water“ und „Wish you were here“ im musikalischen Langzeitgedächtnis. Da bewegt sich was und daran will er teilhaben. Mit einem geliehenen Tonband wurden die ersten Kompositionen aufgenommen. Singer-Songwriter wie Bob Dylan, Leonard Cohen oder die Eagles feuerten ihn an.
„Das ist immer geblieben: Ich will mit meiner Musik etwas bewegen“, sagt der Gitarrist.
Und dafür war und ist ihm jedes Stilmittel recht. Wohltemperiert mischt er Elemente aus Folk, Rock, Jazz und Klassik und schafft daraus einen eigenen, unverwechselbaren Sound.
Rio Nin: „Besonders die Natur hat mich immer inspiriert.“
Stilschubladen sind nicht so Nins Sache. Ob mit Einflüssen des Fados, Mittelmeerleichtem, Folk oder Bach: Auf der ausdrucksstarken Stahlsaitengitarre und mit der Technik des Fingerpickings schafft Rio Nin mit seiner Musik Räume, in die man hineinkriechen möchte. Und in denen man mit aufgerissenen Augen mitten in die Schönheit der Welt eintaucht. Alles ohne Worte. Gute Musik halt.

01 Traces Of The Past
02 New Beginnings
03 Time Passes By
04 From Heart To Heart
05 Home
06 The Lonesome Oak
07 Beyond Words
08 Break Down
09 Peace And Quiet
10 Broken Shadows
11 April Mind
12 Apple Blossoms
13 A Whisper In The Morning Light
14 Just A Moment
15 Epilude

Pinky Loops ist ein 2017 gegründetes Streicherduo aus Polen, das Klassik mit Electronica verbindet. Sie spielen ihre Kompositionen auf elektrischen Instrumenten: Geige und Cello mit Gitarreneffekten und einem Looper, einer elektronischen Looping-Maschine. Das gibt ihnen die Möglichkeit, während der Aufführungen musikalische Motive aufzunehmen und als Backing Track abzuspielen.

01 Prolog
02 Winterstellar
03 Navia
04 Summerlove
05 Bolero
06 Such A Fate
07 Dumka
08 Anger Dance
09 Pastorale

Mit Peter Autschbach und Ralf Illenberger haben sich zwei Meister ihres Fachs gefunden, die gemeinsam intuitiv, spontan und harmonisch an die Musik herangehen. Der Zuhörer hat den Eindruck einer einzigen, großen, vielsaitigen Gitarre, bei der es unerheblich scheint, wer von den beiden gerade was spielt. Nach den erfolgreichen Alben „No Boundaries“ (2012) und „One Mind“ (2014) stellen die beiden Gitarristen im Herbst 2017 ihr neues Album „Zero Gravity“ vor. Die Ideen für das neue Werk wurden von den beiden über den großen Teich kommuniziert, denn Autschbach lebt in Deutschland und Illenberger in Arizona. Die acht nagelneuen Stücke, die im September 2017 in Peters Wohnzimmerstudio eingespielt wurden, zeigen, wie intensiv und fruchtbar die Zusammenarbeit der beiden beteiligten Gitarristen ist.
Sowohl kompositorisch als auch klanglich zeigt die Musik auf „Zero Gravity“ noch deutlicher als auf den Vorgängeralben die eigenständige Duo-Handschrift, die Peter Autschbach und Ralf Illenberger auszeichnet. Hier klingen die unterschiedlichsten Gitarrentypen (12-string, Oktavgitarre, Baritongitarre und sechssaitige Westerngitarre) in perfekter Harmonie miteinander. Peter Autschbach und Ralf Illenberger zeigen eindrucksvoll, wie intensiv und spannend ein musikalischer Dialog zweier gleichberechtigter Partner sein kann.
„Sie spielen keinen Pop, auch wenn ihre Melodien leicht ins Ohr gehen. Sie spielen keinen Jazz, auch wenn ein Großteil ihrer Musik improvisiert ist. Sie spielen keinen Blues, auch wenn ihre Musik Tiefe und Seele besitzt. Und sie spielen keinen Folk, auch wenn die Grundlage ihres Tuns fest in der Tradition verankert ist. Was das Gitarrenduo Autschbach und Illenberger spielt, klingt trotz all der fremden Inspirationen und gesammelten Erfahrungen nach völlig eigenständiger Musik. So robust wie auch sensibel; virtuos, ohne dem Geschwindigkeitswahn zu verfallen; zeitgemäß, aber zugleich auch zeitlos. Ihr Spiel hat etwas vom Atem großer und weiter Landschaften.

1. New Arrival
2. Zero Gravity
3. Sellie
4. Heads Up
5. The Truth
6. Solstice
7. Topaz
8. Twilight Dance

Als herausragender Sologitarrist verfügt Peter Autschbach über ein weit gestecktes musikalisches Vokabular und überzeugt mit profunder Spieltechnik, großer Stilsicherheit und authentischen Sounds. Er schreibt über sein neues Album „Slow Motion“:
In unserer Leistungsgesellschaft werden meist die gehört, die am lautesten schreien. Es gilt die Maxime: Wer laut ist, wird gehört. Dabei liegt solch eine großartige Kraft in ruhigen Klängen. Mich hat gerade das schon immer fasziniert und die akustische Gitarre ist das perfekte Instrument dafür. Bei meinen Konzerten habe ich erfahren, dass man mir bei den zartesten Stellen am intensivsten zuhört. Da liegt die Idee nahe, mal ein wirklich ruhiges Gitarrenalbum aufzunehmen. Aber wird das dann wahrgenommen, wenn überall um einen herum die Leute schreien? Es gab einen besonderen Moment, der aus der Idee Realität machte. Im Oktober 2016 haben die Allton-Inhaber Caspar und Silke mir ihre „Klangwoge“ vorgestellt. Dabei ließen sie mich eine Aufnahme von mir mit der Baritongitarre auf dieser Entspannungsliege anhören.
Die Kombination fühlte sich so perfekt an, dass wir beschlossen, ein ganzes Album für die Klangwoge zu machen. Und endlich konnte ich meine Ideen in einen schlüssigen Albumkontext fassen.

01. Klangwoge 10:45
02. Clouds 5:16
03. Gleitflug 19:59
04. Seitenwind 9:42
05. Slow Motion 14:53

Für sein neuestes Album „Wellentanz“ ließ sich Gitarrist, Komponist und Klangkünstler Falk Zenker vom Tanzen inspirieren und schuf zugleich eine raumgebende Musik, die zum Tanzen, Sich-Bewegen-Lassen und Davonträumen einlädt. Sein individueller virtuoser Fingerstyle trifft dabei auf die Klangästhetik loopbasierter Clubmusik zwischen Downbeat, Trance, Funk, Folkrock und Worldbeats.
Zenker treibt mit dieser Produktion seine Live-Looping-Kunst auf die Spitze, die er als erster deutscher Akustikgitarrist seit mittlerweile 25 Jahren in bisher mehr als 1500 Solokonzerten konsequent auf der Bühne zelebriert und verfeinert. So entlockt er seiner Gitarre ungeahnte perkussive und teilweise elektronisch verfremdete Sounds und lässt sie in Form von orchestralen, psychodelisch pulsierenden Klanggebilden miteinander tanzen. In solche Loops, im Studio fein austariert, integriert er improvisatorische Momente aus Mitschnitten diverser Live- und Online-Performances und verbindet so audiophile Studioproduktion mit der Unmittelbarkeit eines Konzerts.
Die Videoproduktionen zu allen Tracks zeigen eindrucksvoll, wie Zenker dieses ausgeklügelte Klangfeuerwerk spontan mit Händen und Füßen auch live auf die Bühne zu zaubern vermag - ausschließlich im Moment erzeugt mit Gitarre, elektronischen Effekten, einer Loopmaschine und jeder Menge atmosphärischer Improvisationen.
Die Tracks führen uns nach einer sanften Eröffnung in die archaische Kraft des Waldes, lassen uns mit unseren Schatten leichtfüßig vereinen, bewegen uns im Titelstück verträumt auf den Wellen polyrhythmischer 3er-Takte, entführen in eine kraftvolle herbst-goldene Trance, treiben noch einmal zum lustvollen Weitergehen und entlassen schließlich mit einem meditativen Ausklang.
Freude an diesem Album dürften alle die haben, die sich gerne zu bildhafter Musik bewegen – real oder nur in Gedanken, gemeinschaftlich oder allein, zur Selbsterfahrung in einer Tanzmeditation oder zur Inspiration im Alltag.

01 Einladung [Invitation]
02 Im Wald [In the Forest]
03 Schattenspiele [Shadow Plays]
04 Wellentanz [Wave Dance]
05 Tanz im Oktober [Dance in October]
06 Weiter geht’s [Onwards]
07 Zurück bei mir [Back with Me]

Der Pianist Klemens Kaatz stellt sein neues Solo-Album „Speaking in Keys“ vor. Er erzählt in seinen instrumentalen Eigenkompositionen musikalische Geschichten, Gedichte, Anekdoten, Aphorismen. Es sind Stücke, die sprechen, akustische Erzählungen, die ein Eigenleben zu besitzen scheinen. Die Musik ist ebenso inspiriert von Volksmusik des Balkans wie auch von Fusion-Jazz und Klassikern der Moderne. Sie klingt manchmal schräg und kratzig, mal leicht und beschwingt, mal undurchsichtig und düster, mal rhythmisch und zum Tanzen verleitend, und sie ist immer wunderschön.

01 A Tribute to Ernst Toller
02 Strange Blues for a Strange Country
03 Ithaka
04 Prélude
05 Lady Princess
06 Maybe
07 Aux étoiles
08 Rondeau Oriental
09 Krank
10 Short Times of Happiness
11 Visiting Crete
12 Lamento No. 7
13 Song of Changes
14 In Love
15 Erster Mai
16 Once Upon a Time

Alle paar Jahre wird in Berlin geunkt, daß Moabit der nächste Trend-Bezirk werden könnte. Aber passiert ist es nie; egal wieviele Künstler und Studenten hier den Boden für ein gentrifizierungswürdiges Umfeld bereiten; Moabit bleibt auf eine charmante Art unaufgeregt aufregend und vereint geradezu nonchalant Multikulti, Bodenständigkeit und Künstlerszene. Marco Ponce Kärgel hat hier seinen Proberaum, in den er eines Tages Sven Schneider einlud, um sich mit beider Akustikgitarren einer „Moabiter Romanze“ hinzugeben, einer gleichnamigen ersten Kompositionsskizze. Im Basalen entdecken die beiden schier unendliche stilistische Möglichkeiten, so daß die Arrangements ihrer Eigenkompositionen munter die Übergänge zwischen Klassik und Jazz erkunden. Ineinandergedrehte Rhythmen werfen sie auf klare Strukturen, schrecken betörende Melodien mit schrägen Tönen auf. Experimentell Geräuschhaftes trifft auf jazzige Harmonien, dynamische Breaks und rockige Riffs. Da hören sich zwei zu und werfen sich die musikalischen Schneebälle wie zwei Profijongleure um die Ohren. In neun Eigenkompositionen, Geschichten und Phantasiesoundtracks erzählen die beiden Musiker dieser Tage nun als ilimitado auf ihrem Debütalbum von dieser turbulenten „Moabiter Romanze“.

Ganz old school ging es direkt nach einigen intensiven Auftritten ins tonus arcus Studio von Dietrich Petzold, um Energie, Aufregung und Spannung in die Aufnahmen mitzunehmen, alles in einem Rutsch live aufzunehmen. In Dietrich Petzold, dem Geiger, Komponisten und Produzenten fanden sie dafür den Mann mit dem richtigen Ohr und einer großen Erfahrung in reduziert arrangierten Musikstücken. Overdubs gab es keine. Nur zwei Stahlsaiten- Gitarren und zwei Musiker, die sich auf das Wesentliche konzentrieren – nämlich ihre Geschichte zu erzählen, sich gegenseitig zuzuhören und miteinander zu spielen.
Das Wort „ilimitado“ stammt aus dem Spanischen und steht für das Unbegrenzte. Ein Stück weit wie die Herkunft und das musikalische Schaffen der beiden Musiker.

01 Bregoran
02 Vom tätigen Leben
03 Wrist kann warten
04 Das Kleid der schönen Elise
05 Das Gedächtnis des Wassers
06 Frühe Ostern
07 Der Schwarzwald liegt am Bosporus
08 Pudel beißt
09 Es war einmal hybrid

Vor über 10 Jahren sind Rhythmen, Melodien und Musikriffe entstanden die im Jahr 2021 zu fertigen Songs geführt haben.
Ein Album mit Inspiration für das Leben und die Musik. Geschichten schreibt schließlich nur das Leben und Musik ist da um Spaß und Freude zu haben. Mit „Part Of Me“ ist ein Album entstanden das für jung und alt gleichermaßen interessant ist wie für schwarz und weiß.
Die CD umfasst 10 Songs und beträgt eine Laufzeit von circa 30 Minuten. Alle Songs sind nach Kenntnis von mir was Instrumente angeht und komponieren von Liedern zu tun hat entstanden. Musikalische Vorbilder für die CD sind Kurt Cobain, Freddie Mercury, Linkin Park, Billy Talent und viele mehr.

01 Big Bang
02 Music
03 Harmony
04 Love
05 Lonely
06 Believe
07 Lost
08 Happy
09 Drama
10 Forever

Peter Autschbach:
„Joscho Stephan ist ohne Zweifel ein Weltklasse-Gitarrist, den man vor allem wegen seiner unglaublich virtuosen Solotechnik im Django-Reinhardt-Genre kennt, das er auf ganz eigene und wiedererkennbare Weise interpretiert. 
Bei allen neuen und frischen Ideen wird er dabei trotzdem mühelos dem Erbe Reinhardts gerecht. Im Duo mit mir zeigt sich Joscho von einer etwas anderen Seite: auch virtuos, aber jazziger, teilweise mit Archtop-Gitarre und auch mal Flattop-Akustikgitarre. Es hat großen Spaß gemacht, die Stücke für unser gemeinsames Album ‚Sundowner‘ zusammen mit ihm in meinem Studio einzuspielen (und bei zwei Stücken dazu zu singen) und alles ging sehr schnell. Der Grund ist, dass wir uns immer (auch wenn wir mal eine zweite Version versucht haben) für den "first take" entschieden haben.
Die Musik besteht zur Hälfte aus neuen, eigenen Kompositionen und aus unseren spontanen Interpretationen bekannter Standards. Wir sind beide froh und stolz auf das neue Album und ich bin sehr glücklich, dass es auch als Vinyl-LP erscheinen wird.“

Zitat von Gitarrenmeister Siegfried Schwab:
„Lieber Peter, lieber Joscho, da ist euch aber etwas ganz Großes gelungen, von diesem Sundowner kann man ja gar nicht genug bekommen, denn es ist eine rundum gelungene Einspielung geworden!
Meine Number One natürlich: ‚Holobiont‘. Mit diesem Stück habt ihr die Tür zur gitarristischen Champions-League weit, weit aufgestoßen. Da kann man sich nur freuen, dass solche Meister hier in unserer Mitte (Europa) wirken.
Herzliche Gratulation, Euer Sigi Schwab“

01 Stompin’ At The Savoy
02 Autumn Leaves
03 Donna Lee
04 Holobiont
05 Centerpiece
06 Still A Long Way To Go
07 Good Times
08 Fill The Gap
09 Sundowner
10 Begin At The End

Eckhardt Günther ist ein deutscher Komponist,Gitarrist und Author. Er ist geboren in Perleberg/OT Schönfeld/Brandenburg und lebt seit 1975 in Osnabrück. Sein Werk umfasst Stücke fast jeden Genres: Orchesterwerke,Bühnenwerke,Kammermusik aber auch Pop-Rock-Jazzsongs mit eigenen Texten...
Dieses Doppelalbum „ON ALL NOTES,17 PRELUDES AND FUGUES FOR PIANO“ ist so betitelt, weil die Präludien und Fugen auf allen Tönen entlang der chromatischen Tonleiter (von A bis Gis ) komponiert sind. Alle Sätze haben weder „Dur“ noch „Moll“ und endenjeweils auf neutralen Akkorden ohne atonal zu sein. Strenge Ordnung und Freiheiten werden auf sinnvolle Weise miteinander verbunden, für Improvisationen Raum gelassen.
In der vorliegenden digitalen Version steht nicht der organisch musikalische Ausdruck im Vordergrund sondern der motorische Puls. Dieses Werk ist auch gedacht als Angebot an Pianisten und Pianistinnen, ihr Repertoire zu erweitern und diesen Stücken eine eigene persönliche Note sowie mehr „natürlichen“ Charakter zu verleihen.

01 Prelude On A
02 Fugue On A
03 Prelude On Bb
04 Fugue On Bb
05 Prelude On A#
06 Fugue On A#
07 Prelude On B
08 Fugue On B
09 Prelude On C
10 Fugue On C
11 Prelude On Db
12 Fugue On Db
13 Prelude On C#
14 Fugue On C#
15 Prelude On D
16 Fugue On D

Der Berliner Pianist und Komponist Leonhard Baumert komponierte die 15 fantasievollen Klavierstücke für sein neues Klavieralbum "Sehnsucht" im Jahre 2020, in dem Jahr, wo weltweit so viele Menschen unter der fürchterlichen Virus-Pandemie zu leiden hatten.
Wie bei seinen vorherigen veröffentlichten Klavieralben verzichtet der Klaviervirtuose Leonhard Baumert auch bei seinem aktuellen Klavieralbum auf jegliche digitale Nachbearbeitungen, um seinem Zuhörer ein unverfälschtes Musikerlebnis wie bei seinen unzähligen erfolgreichen Liveauftritten zu bieten.

CD1
01 Sehnsucht
02 Begehren
03 Zärtlichkeit
04 Frohsinn
05 Zuversicht
06 Schwermut
07 Euphorie
08 Begegnung

CD2
01 Gemeinsam
02 Vertrauen
03 Glück
04 Klagend
05 Zweifel
06 Hoffnungsvoll
07 Ausklang

In 2,5 Stunden sehen Sie die besten Live-Mitschnitte, Studio-Sessions, Konzertausschnitte, Blicke hinter die Kulissen sowie viele Zusatzinfos und Interviews. Mitwirkende: Johannes Bohun • Lukas Depenthal • Christoph Elixmann • Lena Marie Glasmeyer • Benjamin Gutzeit • Marion Gutzeit • Ann-Kathrin Hartmann • Christian Kampe • Fabian Koke • Nico Möller • Alessio Morón • Sina Niemeyer • Timm Pieper • Nils Rißland • Ann-Kathrin Rüter
Gäste: drummer-werden-Ensemble • Volker Hartmann • Tom Heise • Matthias Lohmöller • Männersache A Capella • Mindfields • Dominik Schad • Jörg Zumstrull Kompositionen: Timm Pieper (außer 18 Raphael Meinhart, 19 Johannes Bohun, 40 Rage Against The Machine, 41 David Paich & Jeff Procaro)
Kamera: Andreas Peping, Levin Therling, Kai Lünnemann, Christian Apwisch
Schnitt, Regie: Timm Pieper (ausser 14, 19: Schnitt Levin Therling)
Fotos: Manfred Pollert, Kai Lünnemann
Ton: Matthias Lohmöller, Levin Therling, Florian Spille
DVD-Grafik und Mastering: Timezone Records

Hagen Bretschneider (idea, sound concept, bass) has always focussed on instrumental compositions. He has concentrated on his own material, producing the first album "Dead Cat on a Railroad Track" together with Lennart Hüper (rhythm guitar) and Gustav Hüper (drum machine). This work is a production using only guitars, bass and drum machine.

01 Canary in a cathouse
02 Rabbit hole
03 Burning in water, drowning in flame
04 Grapefruit moon
05 Suburban wasteland blues
06 Black dog
07 Seven
08 Heads in beds
09 Deep sand
10 Dead cat on a railroad track
11 Run with the haunted
12 Red sun

Durch die Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller und Dichter Klaus Modick, gerade nominiert für den deutschen Buchpreis, hat sich die Musik von Heinz Fröhling und Eduard Schicke und das ganze Album in eine andere neue Richtung entwickelt: Es sind jetzt SFF-Songs mit lyrischen deutschen Texten entstanden.

01 Windrose
02 Still Here
03 Letzter Kuss
04 Duft nach Vinyl
05 Say My Name
06 Spiegel
07 Like The Ocean
08 Frag nicht
09 Walgesang
10 Metamoorphosen
11 Letztes Signal (Sternenstaub)

„Soñar y nada más - Träumen und nichts weiter“ ist die neue CD von Kathrin Redlich. Größtenteils von der Musikerin selbst für die klassische Gitarre arrangiert, erklingen Tangos, Valses und Milongas von traditionellen Tangokomponisten sowie von Astor Piazzolla. Auch selten gespielte Originalkompositionen der argentinischen Gitarristen Cacho Tirao und Abel Fleury sind dabei.
Diese CD dürfte sowohl Liebhaber der klassischen Gitarre als auch Tangueras und Tangueros erfreuen.

01 El Chamuyo
02 Milonga de Buenos Aires
03 Invierno porteño
04 Libertango
05 Milongueo del ayer
06 Chamamé
07 Triunfal
08 El Pensiamento
09 A Flor de Llanto
10 Romanze del barrio
11 Adiós Nonino
12 Contrabajeando
13 Garúa
14 Toda mi vida

Elizabeth the last ist ein instrumentales Rocktrio aus Deutschland. Nachdem lange mit Gesang und verschiedenen Stilen der Musik experimentiert wurde, konzentriert sich die Band seit einigen Jahren auf die musikalischen Freiheiten von instrumentaler Musik. Ohne sich in unnötiger Komplexität oder ausufernder Atmosphäre zu verlieren, verfolgen die drei Musiker freie Wege und komponieren ihre Stücke fernab gängiger Songstrukturen. Es geht darum, verschiedene Teile auszuarbeiten und zu einem homogenen Ganzen zu formen. Ihr gleichnamiges zweites Album „Elizabeth the last“ veröffentlichte die Band in 2018 und bekam vielversprechende Kritiken.

„Im Ergebnis steht also eine Handvoll sagenhaft gut durchdachter Instrumentalstücke, auf die jeder große Name in diesem Genre stolz wäre. „Elizabeth the Last“ legen keinen Wert auf sofort zugängliche „Hits“, haben aber auch ohne Vocals eine eigene Stimme gefunden, die hoffentlich gehört wird, selbst wenn viele Bands mit weniger Substanz lauteren Krach schlagen.“ (Rockblogbluesspot Sept./18)

01 Blacksmith
02 Harvester
03 Inselwart
04 Watchmen
05 Claimant

Zwei Jahre nach dem ambitionierten „The Deconstruction Of Light“ ist es Zeit für neue Klangbilder aus dem Hause Electric Mud. Ideengeber Hagen Brettschneider hat sich diesmal (passend irgendwie zu den ganzen Lockdowns verursacht durch den Covid-Virus) um die stillen Tage auf der Erde gekümmert. „Quiet Days On Earth“ heißt das mittlerweile fünfte Studioalbum und bringt es auf fast 80 Minuten Länge. Also nochmal um Einiges mehr, als der Vorgänger, welcher auch nicht gerade kurz geraten war.
Im Gegensatz zu „The Deconstruction Of Light“ hat man diesmal auf etwaige bluesige Elemente verzichtet und den Tasteninstrumenten noch viel mehr Gewicht zukommen lassen. Dadurch verliert sich der teils noch rockige Charakter des Vorgängeralbums in viel mehr Atmosphäre, dichtere Klangformen und Soundcollagen, die manchmal gar in Filmmusik-Charakter auftreten. Ach ja, Gesang gibt’s bei Electric Mud immer noch nicht. Wie gehabt ist man rein instrumental unterwegs. Der Begriff Post-Progressive Rock kommt dem Ganzen schon nahe.
Nun gilt es also 80 Minuten lang eintauchen in die Klangwelten von Hagen Brettschneider, sowie dem mehr denn je geforderten Nico Walser (Sound-Mix, Keyboards, Noises), der diesmal auch die ganzen Gitarrenparts eingespielt hat. Und was sich aufgeteilt in 15 Songs hier entfaltet, ist ganz große Instrumentalkunst. Man muß „Quiet Days On Earth“ als Gesamtkunstwerk genießen, einzelne Songs hier rauszupicken macht keinen Sinn. Der Opener „Aurora Moon“ macht's gleich deutlich. Electric Mud investieren viel mehr in Atmosphäre inklusive vieler mystischer Klangformen, bei denen dennoch die melodischen, teils elegischen Gitarrenharmonien nicht fehlen dürfen.
So schwelgt die Einstiegsnummer nach ruhigen Piano-Beginn in recht düsterer Hintergrundstimmung, klart das Ganze mit „hellen“ Synthies auf, integriert ein Keyboard/Glockenspiel Duett und zum Schluß hin noch Blitz und Donner. Ein Auftakt, wie er atmosphärisch beeindruckender nicht sein könnte.
Das Auf und Ab der Stimmungen ist während des gesamten Albums greifbar. Oft mit einer melancholischen Traurigkeit versehen, beispielsweise durch Violine/Streicher bei „Silhouettes Floating Down A Rain-Slicked Street“, lässt Nico Walser wunderschöne Gitarrenmelodien folgen, welche den Hörer verwöhnen. Mal ist's eine Spieluhr („Mer De Glace“), mal wabern die Synthies regelrecht aus den Boxen, bis die Tür am Ende knarrt („Durance“). Gerade in längeren Stücken (welche diesmal aber nicht an die 10-Minuten-Marke heranreichen), passiert unheimlich viel, aber immer im Rahmen, des sphärischen, mitunter spacigen Grundtons.
Ein fantastisches Instrumentalalbum, mit beeindruckenden und wundervollen Klang-Collagen, sowie viel Wendungen und Abwechslungen im abgesteckten Rahmen. Electric Mud haben ihren Sound etwas zugunsten der Keys und Synthies verändert. Dafür aber noch mehr an Intensität und Atmosphäre gewonnen. Ein absolutes musikalisch wertvolles Highlight.
Rock Castle Franken

01 Aurora Moon
02 Silhouettes Floating Down A Rain-Slicked Street
03 Mer De Glance
04 Quiet Days On Earth
05 Wading Through The Waters Of Time
06 The Echoes Of Acheron
07 The Loneliness Of The Somnambulist
08 Durance

„Ich will eine Musik, die feiert, was ist und was wir oft gar nicht mehr wahrnehmen. Etwas, das jenseits aller Worte liegt.“
Der Gitarrist Rio Nin fährt auf seinem Album „For Your Ears Only“ die Hektik des Alltags gleich mehrere Gänge herunter. Mit Gelassenheit und Ruhe im Gepäck kommen die meditativen Sounds daher. Sie machen das Hören zu einem Sommer-Spaziergang für die Ohren. „Hygge“ nennen die Dänen dieses Geborgenheitsgefühl. Aber was sagen schon Worte?
Im verschlafenen Nordhorn ging alles mal los. Songs covern? Nachsingen? Geht gar nicht. Mit 15 Jahren hat man der Welt eine Menge mitzuteilen. Also brachte sich Rio Nin, alias Mario Brünink ein paar Griffe bei, gründete mit einem Freund eine Band und stürmte … nein, nicht in die Charts … aber auf alles, was irgendwie an eine Bühne erinnerte. Erste musikalische Lorbeeren muss man sich erschwitzen. „Wir wollten keine Sargsparer sein“, sagt Brünink. „Keine Leute, die ihr Leben verdämmern.“ Musik war Protest. Gegen eingeschlafene Füße, spießiges Denken und Sofa-Ödnis.
„Ich wollte ganz etwas anderes. Aufbrechen mit „Smoke on the water“ und „Wish you were here“ im musikalischen Langzeitgedächtnis. Da bewegt sich was und daran will er teilhaben. Mit einem geliehenen Tonband wurden die ersten Kompositionen aufgenommen. Singer-Songwriter wie Bob Dylan, Leonard Cohen oder die Eagles feuerten ihn an.
„Das ist immer geblieben: Ich will mit meiner Musik etwas bewegen“, sagt der Gitarrist.
Und dafür war und ist ihm jedes Stilmittel recht. Wohltemperiert mischt er Elemente aus Folk, Rock, Jazz und Klassik und schafft daraus einen eigenen, unverwechselbaren Sound.
Rio Nin: „Besonders die Natur hat mich immer inspiriert.“
Stilschubladen sind nicht so Nins Sache. Ob mit Einflüssen des Fados, Mittelmeerleichtem, Folk oder Bach: Auf der ausdrucksstarken Stahlsaitengitarre und mit der Technik des Fingerpickings schafft Rio Nin mit seiner Musik Räume, in die man hineinkriechen möchte. Und in denen man mit aufgerissenen Augen mitten in die Schönheit der Welt eintaucht. Alles ohne Worte. Gute Musik halt.

01 Running On Clouds
02 The Scent Of Home
03 I Hear The World With You
04 Smiling River
05 Summer Waltz
06 September Blues
07 Winter Moon
08 Blue Balloon
09 Two Worlds
10 Remember
11 Winter Silence

Der Pianist und Keyboarder Thomas Klein ist seit über 20 Jahren in unterschiedlichen Besetzungen, auf den Bühnen  Deutschlands unterwegs. Mit einer großen stilistischen Vielfalt bereicherte er durch seine Mitwirkung  verschiedene Projekte von Jazz bis Soul, Pop/Rock und Chanson, wovon auch einige CD-Veröffentlichungen Zeugnis ablegen. Nun präsentiert er eine erste CD unter eigener Regie. Auf diesen Aufnahmen spielt er alleine am Flügel Stücke und Improvisationen aus eigener Feder, die sich oft in sehr melancholischen und lyrischen Atmosphären bewegen, manchmal aber auch sehr rhythmische Elemente enthalten. Auffällig ist hierbei die Sensibilität und die  Vielfältigkeit, mit der der Pianist hier zu Werke geht. Unterbrochen von  einigen Überraschungsmomenten verbindet er mit seiner Emotionalität und Leidenschaft verschiedene Elemente zu einem rundem, ausgewogenen musikalischem Geschehen.

01 Twelve Tone Tune
02 December 18
03 Sunday Afternoon
04 Decimal Tune
05 Poem For Pierre
06 Intro Poem
07 Monkish Groove
08 August 18
09 Invisible Touch
10 May 19
11 Sunday Afternoon (alt. Version)

Mit seinen zehn emotional einfühlsamen Klavierstücken möchte der Pianist und Komponist Leonhard Baumert besonders den Zuhörern Trost und Hoffnung vermitteln, die einen geliebten Menschen verloren haben. 2016 verstarben die Eltern des Pianisten und Komponisten Leonhard Baumert. Mit seinen zehn Klavierkompositionen hat er den großen Verlust seiner geliebten Eltern musikalisch verarbeitet und widmet sein neues Klavieralbum „Abschied“ seiner Mutter Mathilde Baumert sowie seinem Vater dem Schriftsteller, Fernseh- und Filmdramatiker Walter Baumert.

01 Melancholie
02 Wehmut
03 Erinnerung
04 Hoffnung
05 Lebensfreude
06 Elternliebe
07 Herzenswärme
08 Geborgenheit
09 Unendlichkeit
10 Abschied

Gabriele und Martin Jannecks neues Album „Light & Shadow“ hält, was sein Titel verspricht: Alles dreht sich um Licht und Schatten.
Acht zusammenhängende Titel von einer unglaublichen atmosphärischen Dichte erzählen von Helligkeit und Dunkelheit, von Feuer im Regen, von Kerzenlicht, das alles zu überdauern scheint...
Mit wunderschönen, farbenreichen, zumeist elektrischen Klängen lassen die beiden Musiker starke Bilder hörbar werden.

01 Prelude
02 Light
03 Shadow
04 Nightlife
05 A Candle
06 Fire In The Rain
07 The Candle Is Still Burning
08 Flying Through The Night

Der in Hamburg lebende Pianist Alexander Hopff vereint in seinem neuen Solo-Album reines Jazz-Piano mit starken Einflüssen aus Klassik/Filmmusik/Weltmusik und Chanson: alles musikalische Bereiche , in denen Hopff seit über 30 Jahren wirkt und schafft.
Die vorliegenden 28 Kompositionen entstanden zwischen 1985 und 2010 und vertonen sozusagen Begegnungen: Begegnungen mit Menschen, Metropolen, Landschaften - aber auch Stimmungen. Diese Stimmungen können heiter, ausgelassen, improvisatorisch sein, aber auch elegisch, düster, melancholisch. Mal flüchtig skizzenhaft, dann wieder konkret festgelegt.
Für Alexander Hopff ist das Klavier, das „Pianoforte“ mit seinen grenzenlosen Schattierungen das ideale Medium, um all diesen Stimmungen und Klangbildern Ausdruck zu verleihen. Ganz gemäß dem Motto des Komponisten und Pianisten Franz Liszt: „Das Klavier hat die Fähigkeit, das Leben aller in sich aufzunehmen…“

01 Suddenly
02 African Fight Song
03 Little Fragment
04 Social Worker
05 Major Hilli
06 Like Chinese
07 Blue And Beautiful
08 Love Boat
09 Sogetto Cavatto Di Britta
10 Moon Over Hagenbeck
11 Uli’s Blues
12 After The Rain
13 Io’s song (Yellow Bird)
14 Crazyvonne

In großer stilistischer Offenheit sind die Monatsstücke subjektive Impressionen aus den jeweiligen Entstehungsmonaten. Kompositorische Elemente und Ausdrucksmöglichkeiten der sogenannten ernsten, abendländischen Musik von 1600 bis heute und Idiome aus Jazz-, Folk-, Welt- und Popmusik bilden ein abwechslungsreiches, gleichwohl in sich gebundenes Ganzes. Mit intimer Ruhe bis zur virtuosen Extrovertiertheit können die Monatsstücke aufregende Wegbegleiter durch das Jahr sein.

01 Januar
02 Februar
03 März
04 April
05 Mai
06 Juni
07 Juli
08 August
09 September
10 Oktober
11 November
12 Dezember

Where Post-Progressive-Rock, Kosmische Musik and Krautrock figure in a magic clay. After the release of the former albums, mud-mastermind Hagen Bretschneider received miscellaneous soundfiles from people all over the world, who played guitar or sang vocals along to Electric Mud tracks.
The idea was born to recreate some pieces and contribute more instrumental parts for the new album. Rather recomposing than remixing. Over the years the german-based Electric Mud transformed from a live-trio into a studio project. So longtime studio-contributor Nico Walser added some of his sound alchemy to the music. Imagine early King Crimson jammed together with Tangerine Dream and Cluster - and you'll hear the pure audio-magic of the new album "The Deconstruction of Light".

1. Deadend Mind
2. Canary In A Cathouse
3. Black Dog
4. Suburban Wasteland Blues
5. Heads In Beds
6. Through The Gates
7. Moongarden

Alireza Afkari wurde 1977 im Iran geboren. Er ist eine der wichtigsten und einflussreichsten Musikwissenschaftler seit der iranischen Revolution.
Er hat sich jahrelang mit der reichen Tradition alter iranischer Literatur beschäftigt und mit vielen großen Stimmen iranischer Sänger und Sängerinnen gearbeitet, um dauerhafte Werke in verschiedenen Genres zu schaffen.
In Anbetracht der Einschränkungen in der Veröffentlichung seiner Arbeit im Iran und der Entzündung internationaler Sanktionen gegen den Iran hat er sich jetzt entschlossen, sein Album „Roots“ international zu veröffentlichen. Auf diesem Werk beruft er sich auf die Prinzipien und „Wurzeln“ iranischer Musik und präsentiert unterschiedliche, gefärbte Richtungen eines international auf iranische Musik gerichteten Blickes.
Der vielleicht bemerkenswerteste Aspekt dieses Albums ist, dass es mit einheimischen iranischen Musikern und Musikerinnen im Iran selbst aufgenommen wurde, während Mix und Mastering in Deutschland stattgefunden hat. Es steht zu erwarten, dass Alireza in Zukunft die internationale Musikgemeinschaft bunt und vielfältig bereichern wird.

01 Looking for Me
02 Snowy Day
03 Memories of You
04 Departure
05 The Smell of Rain
06 War Children
07 Youth
08 Persian Sound

Das instrumentale Studioprojekt wurde im Jahr 2016 von Tobias Wehrle im Schwarzwald gegründet. Inspiriert von der atemberaubenden Natur seiner Heimat, stellt der Künstler durch den Klang seiner Instrumente eine direkte Verbindung zur Landschaft des Schwarzwaldes her. Im Vordergrund werden die Melodien mit seinem Holzinstrument, dem klangvollen Marimbaphon, erzeugt.
Untermalt wird der mächtige Sound von Percussioninstrumenten, akustischen und elektrischen Gitarren, sowie von gesampelten Streichern und einem gesampelten Chor.
Mit „Faces Of The Canyon“ wird ein abwechslungsreiches Album präsentiert, das die verschiedenen Charakteristiken bzw. „Gesichter“ der wild-romantischen Wutachschlucht im Süden des Schwarzwaldes zeigt. Mit dem ersten Album soll den Zuhörern ein bildlicher Eindruck von der atemberaubenden Schlucht verschafft werden. Die Intention des Projektes beruht letztendlich darauf, dass die Hörer die Schlucht besuchen, um sich selbst ein Bild von der einzigartigen Umgebung zu machen. Sie werden sich dort, beeindruckt von dem Klang der Natur, auf einen „eindrucksvollen Pfad“ begeben.
Maybe our whole life is an impressive path - from birth to death. Every single day we exist on earth, it feels like finding oneself on an impressive path. So embark on a journey and find your own Impressive Path!

01 Dawn
02 Unknown Woods
03 Hiking Adventure
04 Hopeful Dreams
05 Sunrise And Mountains
06 Faces Of The Canyon
07 Sacred Site
08 Imaginations Of A Landscape
09 Far Journey
10 Back To The Horizon