Jazz

Frank Muschalle ist seit mehr als 15 Jahren in ganz Europa auf Tournee und zählt mittlerweile zu den international gefragtesten Boogie - Woogie Pianisten. Er spielte in der Schweiz, Holland, Österreich, Belgien, Polen,Deutschland, USA, Frankreich, Spanien und war zu Gast bei Festivals in Zürich, Paris, Hamburg, Wien,Dresden, Gent,Lyon, Berlin, Luzern uva. Geboren 1969, entdeckte er nach 11 Jahren klassischen Klavierunterrichts mit 19 den Boogie Woogie für sich. Von da an widmete er sich ausschließlich dem Studium dieser Musik.

01 Boogie Woogie Plunger
02 Cow Cow Blues
03 Katie's blues
04 Groovy stomp
05 Arosa Crawl
06 Battin' The Boogie
07 Cooney Vaughny's Tremblin' Blues
08 Teegee Jive
09 Bass Goin' Crazy
10 Boogie Woogie Jamboree
11 In the dusk of the evening
12 Slum Gullion Stomp
13 The scarlet runner
14 Sheffield in the morning
15 Killer Miller
16 Glad tidings

Frank Muschalle ist seit mehr als 15 Jahren in ganz Europa auf Tournee und zählt mittlerweile zu den international gefragtesten Boogie - Woogie Pianisten. Er spielte in der Schweiz, Holland, Österreich, Belgien, Polen,Deutschland, USA, Frankreich, Spanien und war zu Gast bei Festivals in Zürich, Paris, Hamburg, Wien,Dresden, Gent,Lyon, Berlin, Luzern uva. Geboren 1969, entdeckte er nach 11 Jahren klassischen Klavierunterrichts mit 19 den Boogie Woogie für sich. Von da an widmete er sich ausschließlich dem Studium dieser Musik.

01 Boogie Woogie Stomp
02 Farish Street Jive
03 Good Morning Blues
04 Meade's Boogie
05 Ahrensburg 80A
06 Feel The Blues
07 O.B. Blues
08 Fort Worth Stomp
09 Goodbye Ma!
10 Hootie's Old Stuff
11 Confessin' The Blues
12 Four O'clock Blues
13 Pinetop Blues
14 Boogie Woogie
15 Swingin' The Boogie
16 Crawlin' With C.R.
17 Honey Hill Blues
18 Dedication To Henry Brown
19 Little Barrelhouse
20 Old Blues Memories

Mit dem Konzeptalbum „Heimat“ (2007) – seiner ersten CD mit eigenem Trio – konnte Hub Hildenbrand mehr als nur einen Achtungserfolg erzielen. So bedachte ihn die Kritik mit Äußerungen wie „Das intensivste Musikerlebnis seit langem“, „Reise zum Mittelpunkt des Selbst“ (Jazzthetik) oder „die CD des Jahres 2007“ (Jazzzeit).
Mit „News from afar“ legt er ein neues Meisteralbum vor. Auch hier ist intensives Zuhören gefordert. Hildenbrand öffnet einem die Ohren mit seiner sensiblen Mischung aus Jazz, türkischen und indischen Skalen oder orientalischer Ornamentik. Dabei stehen die weltmusikalischen Elemente vollkommen im Dienst der musikalischen Aussage. Seine Tonsprache ist ganz individuell und trotzdem verständlich. Denn oftmals finden wir uns gerade in zunächst fremden, exotischen Klängen viel besser wieder als in abgegriffenen musikalischen Floskeln. „News from afar“ macht eher Nachrichten aus fremden Schichten unseres Seins zugänglich als nur exotische Impressionen aus der Ferne.
Das Hören der „News from afar“ ist auf jeden Fall eins: Ein Erlebnis.

01 Es waren zwei Königskinder
02 Anadolu (Anatolia)
03 Chant
04 A New Song
05 Snow
06 A Bright Day
07 News From Bangladesh
08 Marwa
09 In Passing

Diese Sammlung von 15 Songs bietet akustische Crossover-Gitarrenmusik vom Feinsten. Die klangliche Besonderheit liegt in der Verwendung vieler unterschiedlicher Saiteninstrumente und dem kunstvollen Aufschichten von beeindruckenden 3D-Sounds.
Stilistisch bewegt sich die Produktion zwischen Jazz, Folk, Americana und Weltmusik. Insbesondere der extrem aufgeräumte, klare und organische Klang macht das Hören von Poem For A Glacier zu einem Erlebnis. Der Hörer lässt sich gern mitnehmen von cineastischen Grooves, fließenden Atmos und kreativen Sounds. Als Einflüsse benennt Andreas Schulz Musiker wie Pat Metheny, Dominic Miller, Bill Frisell, Ulf Wakenius oder John Abercrombie. In Wirklichkeit hat er seinen eigenen Stil ausgeprägt und spielt klangmalerisch und auffallend fließend, dabei locker und unaufgeregt – und doch mit maximaler Dynamik und Ausdrucksstärke.

01 Dolomites
02 Cloudy
03 Country Waltz
04 Fandango 66
05 Latemar
06 Lanikai Ballad
07 Melting Sugar
08 Ballad In Red
09 Poem For A Glacier
10 Not Much To Say
11 Silueton
12 Orca
13 OM-Line
14 Poem For Bill
15 Spectrum

Die flirrende Abendluft der Alhambra, die andächtige Ruhe der Jahrhunderte alten irischen Klosteranlage Glendalough, die Klänge seiner großen Vorbilder. All das vereint der junge Gitarrist Denis Schmitz auf seinem zweiten Soloalbum Nuances, auf dem er entgegen dem heutigen Zeitgeist besonders den filigranen, ausmuszierten Klängen seiner 6- und 7-saitigen Instrumente Raum zur Entfaltung gibt.
Neben Werken berühmter Jazzgrößen wie Pat Metheny und Ralph Towner enthält sein neues Album erstmals auch Kompositionen aus der eigenen Feder, in welchen er neben seinem technisch brillanten Spiel auch sein kompositorisches Handwerk unter Beweis stellt. Besonders in seiner Titelkomposition Nuances zeichnet er den schmalen Grat zwischen Wohlklang und Zwielicht, zwischen unnachgiebiger Monotonie und aufbrausendem Temperament - vielleicht sogar zwischen Genie und Wahnsinn. Denn es sind oft eben nur jene "Nuancen", die solch eine Komposition auf des Messers Schneide zu balancieren vermögen.
Das eigentliche Highlight des Albums stellen jedoch die „Seven Short Pieces“ des österreichischen Jazzgitarristen und Komponisten Wolfgang Muthspiel dar, die dieser ihm eigens für die Ersteinspielung überließ und welche in wenigen Jahren sicherlich zum festen Bestandteil des Repertoires zählen werden.

Side A
01 Sacred Place
02 Glendalough
03 James
04 Albaicín
05 To Mick

Side B
06 Nuances
07 Seven Short Pieces (Opening)
08 Seven Short Pieces (Triplet Droplet)
09 Seven Short Pieces (Locrian Star)
10 Seven Short Pieces (Aeolian Fall)
11 Seven Short Pieces (Kanon)
12 Seven Short Pieces (Open View)
13 Seven Short Pieces (6/8 For Zsófia)

Die Musik von Jorinde Jelen trägt direkt ans Meer, an einen mondstillen Strand und mitten in den Sturm. In den 11 Songs vermischen sich eigene Worte mit denen großer deutscher Lyriker, Jazziges mit Elementen der Popmusik, Zartes mit starken Impulsen.
Die Musik von Jorinde Jelen ist nicht am Reißbrett eines Produzenten entstanden. Die Sängerin baut ganz auf den eigenen musikalischen Instinkt und den ihrer langjährigen Mitmusiker. Die Songs stammen fast ausschließlich aus ihrer Feder, arrangiert wird gemeinsam, zumeist mit dem 2 Gitarristen Bastian Ruppert. „Die Songtexte sind der Kern, aus dem die Musik wächst“ so Jorinde Jelen.
Dabei hat sie sich nicht nur von den großen Meistern der deutschen Lyrik beflügeln lassen,
sondern vertonte auch Gedichte von Rainer Maria Rilke und Joseph von Eichendorff für das neue Album.

01 Fisch aus Glas
02 Eines Abends
03 Vermischung
04 Mondnacht
05 So lass uns Abschied nehmen
06 Liegst du wach
07 Ozean
08 Bei mir
09 Du sagst adieu
10 Wenn du wissen willst
11 April witch

Anna Leman wagt sich mit deutschen Texten zu jazzigen Klängen auf neue Wege. Spuren heißt das Album, dass Annas riesige Bandbreite an Gefühlen und Kreativität widerspiegelt: Unglaublich authentisch, direkt, frech und sexy. Das intensive Spiel der hochkarätigen Musiker lässt sofort den Funken überspringen.
Ein Gesamtkunstwerk, dass durch kraftvolle, ideenreiche Arrangements besticht.

01 Spuren
02 Qual der Wahl
03 Mondstunden
04 Sommer auf der Haut
06 Fly high
07 Wieder mal ne Nacht
08 Kleine Augen weinen
09 That's why I'm here

Ihre starke Bühnenpräsenz, ihre ausdrucksvolle Interpretation und ihr natürlicher Charme machen jeden Abend mit Anna Leman zu einem musikalischem Erlebnis. Anna Leman wuchs mit der Musik auf.
Schon früh begann ihre Gesangsausbildung bei ihrem Vater, einem renommierten Opernsänger. Schließlich entdeckte sie ihre Liebe zum Jazz und studierte u.a. bei Janet Tylor in München. Seit einigen Jahren begeistert Anna Leman ihr Publikum auf Jazzbühnen und Veranstaltungen im In- und Ausland.

01 How You Speak To My Heart
02 Summerwind
03 Moonhours
04 Lazy day
05 Again
06 I guess
07 Little eyes cry
08 At first sight
09 Fate (for Steffi)
10 Perfect guy
11 Unreachable dreams
12 I'm back again

Galego (Galizier) lautet ein in Brasilien gängiger Ausdruck für die Bewohner Portugals. Und bisweilen ziehen solche Galegos räumlich wie auch musikalisch größere Kreise: In Hamburg trifft der Saxophonist Paulo Pereira, als Sohn portugiesischer Eltern in Emden geboren, auf die puertorikanische Sängerin Judith Tellado. Ein gemeinsames Album scheint nur eine Frage der Zeit, nun legen es beide im Jahre 2020 vor: Galego – mit Musik von Paulo Pereira, die changierend zwischen verschiedenen Jazzstilen, Samba und Calypso-Anklängen die Brücke zum weiten amerikanischen Kontinent schlägt. Und mit Texten von Judith Tellado, die der musikalischen Reichhaltigkeit das große Spektrum ihres Gesangs auf Englisch, Portugiesisch und Spanisch sowie ihrer improvisierten Scat-Silbensprache entgegensetzt.
Dabei fing alles eher norddeutsch-nüchtern an: was er davon hielte, wenn sie, Judith Tellado, Texte für seine Jazzkompositionen schriebe? „Klar mach“, war Paulo Pereiras ermutigende, aber knappe Antwort, die dann doch eher seine ostfriesische Seite anklingen ließ. Die Eltern kamen in den sechziger Jahren als (wie man damals so sagte) Gastarbeiter zu den Thyssen-Nordseewerken nach Emden. Paulo verbringt seine ersten Lebensjahre teils dort, teils in Portugal, und erlebt als kleiner Junge 1974 die Demonstrationen der Nelkenrevolution in Lissabon auf den Schultern seines Vaters sitzend.

01 Back Bay Blues
02 Galego
03 Nobreza Silenciosa
04 Right Said Eddy
05 Rooftop Groove
06 Samba Para Dagmar
07 Merlin
08 Cyprine
09 Chega De Neve
10 Down Home

Die flirrende Abendluft der Alhambra, die andächtige Ruhe der Jahrhunderte alten irischen Klosteranlage Glendalough, die Klänge seiner großen Vorbilder. All das vereint der junge Gitarrist Denis Schmitz auf seinem zweiten Soloalbum Nuances, auf dem er entgegen dem heutigen Zeitgeist besonders den filigranen, ausmuszierten Klängen seiner 6- und 7-saitigen Instrumente Raum zur Entfaltung gibt.
Neben Werken berühmter Jazzgrößen wie Pat Metheny und Ralph Towner enthält sein neues Album erstmals auch Kompositionen aus der eigenen Feder, in welchen er neben seinem technisch brillanten Spiel auch sein kompositorisches Handwerk unter Beweis stellt. Besonders in seiner Titelkomposition Nuances zeichnet er den schmalen Grat zwischen Wohlklang und Zwielicht, zwischen unnachgiebiger Monotonie und aufbrausendem Temperament - vielleicht sogar zwischen Genie und Wahnsinn. Denn es sind oft eben nur jene "Nuancen", die solch eine Komposition auf des Messers Schneide zu balancieren vermögen. Das eigentliche Highlight des Albums stellen jedoch die „Seven Short Pieces“ des österreichischen Jazzgitarristen und Komponisten Wolfgang Muthspiel dar, die dieser ihm eigens für die Ersteinspielung überließ und welche in wenigen Jahren sicherlich zum festen Bestandteil des Repertoires zählen werden. Ein einziger Genuss, nicht nur für die Ohren. 

01 Sacred Place
02 Glendalough
03 James
04 Albaicín
05 To Mick
06 Nuances
07 Seven Short Pieces (Opening)
08 Seven Short Pieces (Triplet Droplet)
09 Seven Short Pieces (Locrian Star)
10 Seven Short Pieces (Aeolian Fall)
11 Seven Short Pieces (Kanon)
12 Seven Short Pieces (Open View)
13 Seven Short Pieces (6/8 For Zsófia)

„Soundtology“ zeigt die harmonische und rhythmische Entwicklung des Pianisten und Komponisten Kevin Field in Kollaboration mit einigen der angesehensten Namen des contemporary Jazz. Aufgenommen in Brooklyn, New York, vereinigt es zwei Star-Ensemble-Quartetts.  Das erste zeigt Kevin mit Gitarrist Mike Moreno, einer der führenden Modern Jazz-Gitarristen des Jahrhunderts und zwei der gefragtesten Rhythmiker New Yorks: Bassist Matt Penman, der als bekannter Studiomusiker schon an über 80 Alben mitgewirkt hat und Schlagzeuger Nate Wood, der besonders für seine Arbeit mit der Grammy-nominierten Band Kneebody bekannt ist. Zum Ensemble des zweiten Quartetts gehört neben Kevin Gitarrist Nir Felder – eine einzigartige Stimme der instrumentalen Musik. Kevin und Nir haben bereits im Studio und Live zusammen gespielt – diese enge Zusammenarbeit ist klar auf „Soundtology“ zu hören.
Außerdem dabei ist Charles Haynes, einer der vielseitigsten Schlagzeuger seiner Generation der bereits an Produktionen von unterschiedlichsten Künstlern wie Kanye West, Lady Gaga, Marcus Miller oder Jason Moran beteiligt war. Für die Abrundung sorgt dann noch Bassist Orlando le Fleming, dessen hohe Kompetenz sowohl am elektrischen als auch am akustischen Bass auf „Soundtology“ unbestreitbar zur Geltung kommt. Pianist Kevin Field fungiert als musikalischer Anführer mit seiner besonderen Vorgehensweise in Komposition und Improvisation. Er sorgt mit seinem integrativen Konzept dafür, dass beide Quartetts hervorragend miteinander interagieren. „Soundtology“ – das ist musikalische Spannung und Entspannung, die verschiedene Genre kreuzt und dabei sowohl anregend als auch vereinnahmend ist und stärkt so die Beziehung zur Musik zwischen Performer und Zuhörer.

1. Quintus Maximus
2. Good Friday
3. People Factory
4. Jigh Crane Drifter
5. Yes Man
6. Acme Music Corporation
7. Quran Quran
8. Raincheck
9. Quid Pro Quo
10. Leper Dance
11. Good Friday Reprise

Das contemporary jazz piano Trio mit David K. Ehlers, Claas-Hennig Dorries und Ingvar kommt mit ihrem neuen Album zurück auf die Bühnen. Nah berührend, tief bewegt und voll Dankbarkeit erzählt WALDLOS von den letzten und vielleicht auch den nächsten Jahren.
Eins ist gewiss. Sobald die ersten Klange den Raum erfüllen, ziehen die drei Musiker ihre Zuhörer*innen in einen Bann, aus dem sie erst nach Konzertende wieder entlassen werden. Ganz gleich, ob auf großen Buhnen oder in kleinen Wohnzimmern. Mit Einflüssen aus zeitgenössischem Jazz aber auch Passagen, die eher populärer Musik zugeschrieben werden, schafft FouFou einen autarken, freien Sound, welcher zu den unterschiedlichsten Anlassen passt.

01 Lass den Sommer gehen
02 Prokrastination
03 Ich steh zu dir
04 Waldlos
05 Medaase
06 Helix

Sechs Musiker aus Kuba, Argentinien, Deutschland, Holland und Guatemala bilden zusammen die Band Selva. Selva wurde 1990 von dem klassischen Gitarristen und Komponisten Antonio Cosenza gegründet. In den ersten Jahren wurde in der Band mit verschiedenen Formationen experimentiert. Latin Jazz bildete das Zentrum des Repertoires,bis die Band sich schliesslich auf eigene Kompositionen konzentrierte. In der aktuellen Besetzung besteht die Band seit 2004 und hat 2 CDs veröffentlicht. “Aventura tropical” und “Manantial”.
Die neueste CD “ Selva Nocturna” wird am 12.10.2019 im Goldbekhaus in Hamburg vorgestellt. Basis der Musik von Selva bilden Rhythmen aus Latein-Amerika ,mit hinreißenden Melodien und Harmonien,alles verpackt in einen origenellen und fantasievollen Stil. In der multikulturellen Zusammensetzung der Band fusionieren musikalische Elemente des Latin-Jazz, World- und ein Hauch klassischer Musik.

01 Alpha Centauri
02 Buen espiritu
03 La Tota
04 Sambossa
05 Mundo nuestro
06 Presentimiento
07 Patio de jazmines
08 Arrullo
09 Mentirotas
10 Tu sonrisa

Common Myths are stories and sagas conceived by humans to connect people to help them live and work together in groups and societies. Politics, money and human rights are among the things we can call Common Myths. They only exist and function when a substantial group of people believes in them.
On the debut album of the Mo van der Does Quartet, the band shares the Common Myths of their musical world. The musical stories and concepts which they believe in and which holds them together as a band. Through improvisation and interaction, they explore the music and try to tell these stories.
The young Mo van der Does Quartet explores the compositions of Mo van der Does with improvisation and interaction as driving force. The band members are among the most promising musicians from the Dutch jazz scene. With unconditional trust in each other, they seek out the limits of their musical world on stage and are constantly challenging each other.
The absence of a harmonic instrument provides a creative challenge - of dealing with both the freedom and the limitations that this line-up creates. After their debut show at the Uitmarkt 2017, they have performed at venues and festivals such as the BIMhuis, InJazz and the Grachtenfestival and won prizes including the Expression of Art Award and the CTA. Their debut album Common Myths is now available.

01 Opener
02 Kingshouse
03 The Unknown
04 Circumstantial
05 Common Myths
06 Prela
07 Rannoch's Mist
08 August Crisis (Opener Reprise)

Der in Hamburg lebende Pianist Alexander Hopff vereint in seinem neuen Solo-Album reines Jazz-Piano mit starken Einflüssen aus Klassik/Filmmusik/Weltmusik und Chanson: alles musikalische Bereiche , in denen Hopff seit über 30 Jahren wirkt und schafft.
Die vorliegenden 28 Kompositionen entstanden zwischen 1985 und 2010 und vertonen sozusagen Begegnungen: Begegnungen mit Menschen, Metropolen, Landschaften - aber auch Stimmungen. Diese Stimmungen können heiter, ausgelassen, improvisatorisch sein, aber auch elegisch, düster, melancholisch. Mal flüchtig skizzenhaft, dann wieder konkret festgelegt.
Für Alexander Hopff ist das Klavier, das „Pianoforte“ mit seinen grenzenlosen Schattierungen das ideale Medium, um all diesen Stimmungen und Klangbildern Ausdruck zu verleihen. Ganz gemäß dem Motto des Komponisten und Pianisten Franz Liszt: „Das Klavier hat die Fähigkeit, das Leben aller in sich aufzunehmen…“

01 Suddenly
02 African Fight Song
03 Little Fragment
04 Social Worker
05 Major Hilli
06 Like Chinese
07 Blue And Beautiful
08 Love Boat
09 Sogetto Cavatto Di Britta
10 Moon Over Hagenbeck
11 Uli’s Blues
12 After The Rain
13 Io’s song (Yellow Bird)
14 Crazyvonne

Frei nach dem Motto „Alte Bekannte – Neue Band“ haben sich der Kölner Trompeter Matthias Bergmann und der Oldenburger Saxophonist Raimund Moritz nach vielen Jahren entschlossen, ein Bandprojekt mit ihren Lieblingsmusikern zu verwirklichen.
Die Hamburger Gitarristin Sandra Hempel, seit kurzem Mitglied der NDR Bigband, kam dabei ebenso schnell in den Sinn wie der kürzlich aus New York nach Hannover zurückgekehrte Bassist Peter Schwebs und der Oldenburger Schlagzeuger Christian Schoenefeldt.
Die daraufhin im März 2019 aufgenommene CD „Moodswing“ erscheint nun im September auf Fattoria Musica Records, dem Label des Studios in Osnabrück, wo die Aufnahme entstand. Sie enthält überwiegend Eigenkompositionen der beiden Bandleader, so z.B. die Ballade „Stray“ die Bergmann dem Komponisten Billy Strayhorn gewidmet hat oder „One for Bob“, Moritz’ Hommage an den Saxophonisten Bob Mintzer.
Jeweils eine Komposition des Trompeters Bert Joris und des Saxophonisten Jerry Bergonzi vervollständigen das Album, dessen Musik modern und zeitgemäß, dabei aber stets melodisch und swingend daherkommt.

01 South Of The Border
02 Almost Never
03 What Would Ripky Do?
04 Stray
05 One For Bob
06 September Still
07 On The Brink
08 Moodswing
09 For The Time Being

Gitarrenlegende Ali Claudi hat ein ganz besonderes neues Album mit einer exzellenten Besetzung aufgenommen: „Time for Clouds & Sweet Babies“. Er und sein befreundeter Gitarrenkollege Martin Janneck nehmen die Hörer mit auf eine wunderschöne musikalische Traumreise voller Überraschungen, toller Melodien und verführerischer Sounds. Mit von der Partie sind Dias Karimov mit Klavier, Keyboard und Basstasten sowie Gabriele Janneck mit ihrer Barocklaute.
Ali Claudi gehört zu den Pionieren der elektrischen Gitarre in Deutschland und hat alle Stile durchlaufen – von Blues und Jazz über Funk und Soul bis hin zu Psychedelic Rock. Seit jeher interessiert er sich für alle möglichen Arten von Musik. Dass er und Martin Janneck eine Barocklaute auf ihrem Blues- und Swing-Album haben, hat nichts mit Crossover zu tun. „Wir mögen einfach nur schöne Instrumente“, sagen die beiden.
Ali und Martin ergänzen einander perfekt. Jeder der beiden hat seine eigene Sprache auf der Gitarre – der eine virtuos und wunderschön perlend, der andere herrlich singend. Mit Dias und Gabriele haben die beiden ideale musikalische Gesprächspartner für ihr Album gefunden. Tastenmagier Dias spielt einen sagenhaften Bass und stets das richtige Tasteninstrument für die richtigen Klangfarben. Gabriele hat mit ihrer 24-saitigen Barocklaute eine Art Miniatur-Orchester, dem sie alles entlocken kann, was sie braucht – für eine Ballade ebenso wie für einen heftigen schnellen Blues. Ali und Martin spielen im Trio mit Gabriele, im Trio mit Dias und im Quartett mit beiden. Auch als Sänger begeistert Ali. Den Stücken – zumeist aus eigener Feder – gewinnen Ali und Martin zusammen mit ihren beiden Partnern ganz neue Seiten ab.

01 Stack O’Lee
02 A.C. Ville
03 Gabriele’s Tune
04 Absolutely Amazing
05 Like A Dream
06 Round Noon
07 Like Moving Clouds
08 Sweet Baby James
09 Lullaby
10 I Don’t Like You No More
11 My One And Only Love
12 Konrad’s Tune
13 Time

Unkraut wird nicht von jedem geliebt. Es sucht sich seinen Platz, es blüht, wo es will. Und es vergeht nicht: Yerba mala nunca muere - das gilt im Deutschen wie im Spanischen, in Hamburg genauso wie in Puerto Rico.
„Ich habe immer versucht, den Erwartungen Anderer zu entsprechen und trotzdem ich selbst zu bleiben“, sagt Judith Tellado. „Aber das ist unmöglich. Irgendwann habe ich das verstanden. Und ich habe verstanden, dass ich eine Verantwortung habe, vor mir selbst und vor der Kunst: Ich muss nicht nett sein - ich muss ehrlich sein. Selbst, wenn es nicht jedem gefällt: Ich bin einfach das Gewächs, das ich bin.“
Judith Tellado gehörte zu den Entdeckungen des Jahres 2014. Schon zuvor hatte sie mit ihrer so eigenen wie eigenwilligen Mélange aus Jazz, Bolero und Singer-Songwriter-Anklängen die Musikszene auf St. Pauli um mehr als nur ein paar Farbkleckse bereichert. Und ihr Album „Under Neon Stars“ erzeugte schließlich auch einen in ganz Deutschland vernehmbaren Widerhall. Wenn sie nun auf das Albumcover von damals blickt, klingt Judith Tellado fast ein wenig ungläubig. „Ich bin nicht mehr die Frau, die ich dort sehe“, sagt sie, so, als lägen mehr als nur die Jahre zwischen Under Neon Stars und ihrem neuen Werk, Yerba Mala. Und in der Tat: Ihrer stilistischen Vielfalt ist Judith Tellado treu geblieben. Aber ihre Stimme, die erzählt nun andere Geschichten.

1. Yerba Mala
2. For The Good Times
3. Valija Lista
4. Replay
5. Travelers’ Song
6. Tuya
7. Guayaba
8. Johnny Tramp
9. Letters From Paradise
10. Schön, schön
11. This Will Be
12. Goldmine
13. Fifteen Seconds Of Noise

Die Musik des Münchner Trompeters Florian Brandl ist intensiv, frisch und energiegeladen. Vorbilder aus dem Hardbop, Mainstream und Modern Jazz fließen in einen individuellen Bandsound ein, der vor allem der Interaktion zwischen den spielfreudigen Musikern einen großen Platz einräumt. Nach dem CD-Debüt „Rejuvenation“ (2015, Label: Timezone) erscheint nun am Freitag, den 7.6.2019 sein zweiter Tonträger „Dresden“ (ebenfalls Timezone): eine Hommage an einen zweijährigen Aufenthalt in der schönen Elbstadt.
Als Krönung seines Masterstudiums an der Musikhochschule Carl-Maria-von-Weber kam das Münchner Florian Brandl Quartett am 17.5.2018 nach Dresden in den Jazzclub Tonne zum Abschlusskonzert und am darauf folgenden Tag ist die vorliegende CD in den Ballroom Studios in Dresden inklusive Videoaufnahmen (siehe Homepage) entstanden.
Florian Brandl ist ein vielseitiger Bläser, der sich mit seinem kultivierten Sound in zahlreichen Stilen heimisch fühlt. Er teilte die Bühne mit Sam Rivers, Don Byron, Franco d’Andrea, Johannes Enders, Gàbor Bolla, Dusko Gojkovic und vielen anderen.

1. Bopposition
2. Äol
3. Blues for Ellis
4. Andy Kaufman
5. A flower is a lovesome thing
6. Costa Sarazena
7. Hume it
8. Terrestris

Mark Pusker über sich und das Album „Circles in Time“: „Durch das Entstehen meines Debütalbums Circles In Time entwickelte ich mich - als Saxophonist und gleichzeitig Komponist und Bandleader – zu einem Vollblut-Jazzmusiker. Auf diesem Weg haben mich meine internationale Musikerfreunde mit großer Unterstützung begleitet, wofür ich sehr dankbar bin. Meine Kompositionen wurden von Traditionen des Jazz Genres, der so genannten Mainstream-Jazzmusik, inspiriert. Sie präsentieren Intuitivität, enthalten aber gleichzeitig Merkmale der universellen Musik. Eigene Kompositionen, wie die Ballade La Pequeña Oda, das Lied mit wechselnden Tempi Past and Present, das in ungeraden Takten pulsierende Ostinato und - nicht zuletzt - der moderne und markante Song New Age, haben mir ermöglicht, meine kompositorische Fähigkeiten auszudrücken. Die Songs Halloween und Seven to Four wurden aus den bekannten Standards gestaltet. Das Thema vom Blues for Tuesday ist eine klassische Moll-Blues Melodie in einer üblichen 12-taktigen Form. Eine besondere Farbe auf der Palette der Songliste stellt Berenice dar, wo Diego Riedemann nicht nur als hervorragender Gitarrist, sondern auch als Komponist im Vordergrund steht. Ich freue mich besonders, dass ich die Musiker für mein Quartett gewinnen konnte, die auch mit ihren eigenen Formationen aktive und angesehene Künstler sind und zur internationalen Jazz-Szene gehören. Herzlichen Dank, dass ihr in meinem Projekt Mitwirkende seid!“

01 Halloween
02 Berenice
03 Blues For Tuesday
04 Ostinato
05 New Age
06 La Pequeña
07 Seven To Four
08 Past & Present (Bonus Track)

Die Band Luah setzt sich aus drei filigran agierenden Musikerinnen zusammen, die mit ihren Arrangements und der ungewöhnlichen Instrumentierung etwas ganz Neues schaffen. Die Kompositionen vereinen sowohl Jazz-, Folk-, als auch Popelemente und bedienen sich der englischen und portugiesischen Sprache. Zu dritt begeben sich die Frauen auf die Suche nach neuen und andersartigen Farbtönen und führen die Zuhörer in unterschiedlichste Welten. Immer wieder verflechten sich die drei Stimmen zu einem einzigartigen Farbgewebe und führen in Kombination mit einem jazzigen Gitarrensound zu einem ausdrucksstarken und unkonventionellen Klangbild. Vor allem Sängerinnen wie Joni Mitchell und Becca Stevens haben die Band inspiriert.

01 Sunlit
02 My Garden
03 Light In The Night
04 Doce Come Mel
05 Hours
06 Follow Your Line
07 Waves Of Imagination
08 Sparkling Water
09 Hand In Hand
10 Beijaflor

Mittlerweile arbeiten die Klangfahrer seit über 13 Jahren zusammen. Wie ein guter Wein ist die Band gereift. Die Kompositionen haben sich weiter entwickelt, der sehr eigene unverkennbare Sound ist aber geblieben.
Das dritte Album beherbergt zehn neue Songs und trägt den pragmatischen Titel „drei“. Alle Protagonisten steuerten Songs zum Gesamtwerk bei. Wie bei den Vorgängeralben „Humanity“ und „Colors of trance“ erwartet den Zuhörer eine große stilistische Bandbreite mit den für Klangfahrer typischen überraschenden Wendungen. Atmosphäriche Parts wechseln sich ab mit komplexen musikalischen Strukturen in ungeraden Taktarten und anspruchsvollen Melodien. Das alles garniert mit virtuosen Soli und vorgetragen mit großer musikalischen Leichtigkeit.
Eine weitere Reise durch die musikalische Welt der Klangfahrer!

1 Blues for L.M.
2 Moment’s Breeze
3 Tonalrabatt
4 Günter
5 Slowmotion Walk in Twelve Steps
6 The Pedalist needs more
7 Ludus Imperialis
8 Mini Rockless’n Roll
9 Makin Mupie
10 Lovely Syria

The Doppler Trio is a new German/Dutch piano trio, 

the trio consist of three young musicians who met each other at the Conservatory in Arnhem in the Netherlands. Together they discovered their love for modern jazz music.

They developed their own atmospheric, narrative jazz sound with a special focus on the story behind the music, which is told every night again in a new and unique way. Within those songs the trio uses unconventional ideas such as effects over the acoustic piano and instruments such as the didgeridoo and Indian Percussion.
They just recorded their first CD: Nebula, which will be released the 10th of January on all platforms. You can expect songs of this CD combined with new songs and improvisations.

01. Dune
02. Star
03. Enemy
04. Moondust
05. B.D.B.C.
06. Laika
07. Birth

Synesthesia is the perceptual phenomenon in which stimulation of one sensory pathway (like hearing) leads to automatic, involuntary experiences in the second sensory pathway (like seeing). The compositions are short pieces that feature improvisation in different ways.
When I reflect on the process that resulted in these compositions, my personal interpretation of the Visions Fugitives by Prokofiev comes to mind: Prokofiev’s pieces are fleeting, experienced intensely in the moment and then remembered in the unconscious, like dreams in which detailed events take place, which are diluted into memories of strong atmospheres after awakening.  Nevertheless, the question whether sound or music is related or connected to anything else outside of sound is unanswerable; the question why people listen to music emerges from within that question. Possibly, the answer can be found in dreaming.
We only realize after a dream that the events that took place were completely illogical and absurd, while making perfect sense in the dream itself, dreams being places of seemingly limitless imagination. When experiencing art, we can immerse ourselves into a moment devoid of the limits of our capacity to think within the boundaries of time and logic, as if we are dreaming. In my experience, my favorite art conceives such a state. When optimally performing music, improvised or composed, a similar state of mind is achieved by the performer, inviting the audience to stop thinking and start dreaming.  Besides the piano trio being featured throughout the set I am delighted that two compositions will feature vocalists in different constellations.
The nature and quality of the human voice resulted in my love for the synthesizer that will also be featured in a selection of compositions. For me personally, the highlight of this project is the premiere of our collaboration with Jaromir Mulders, an audio-visual composer who will provide moving visual art during the release concert in the BIMHUIS. His work is conceived in a similar way to the way a jazz musician creates, leaving actual results to inspiration in the moment while having carefully prepared possible scenarios.  In the search for intense atmospheres in modern art I discovered Tarik Barri, an artist who I am thrilled to have worked with for the artwork of the CD and LP.
His digital creation uses the sound of “II” as computer input, a literal synesthesia. I explored this concept further by trying to imagine sound when reading the poem Bis by Amsterdam based poet and scenarist Randa Peters, resulting in “IX”.

01. Vf
02. I
03. XI
04. II
05. Va
06. III
07. Vb
08. VII

Die Ideen kommen beim Spielen. Manchmal braucht man gar keine Programmatik, um trotzdem etwas Programmatisches zu machen. Denn die Ideen liegen in der Luft. Sie umschweben uns tagaus, tagein. Wenn wir wollen und dazu in der Lage sind, brauchen wir sie nur einzufangen. Wir müssen nichts weiter tun, als unsere Antennen auf Empfang zu stellen, der Rest passiert von selbst. So geschehen bei Sängerin Britta-Ann Flechsenhar und Gitarrist Christian Kögel, seit mehr als anderthalb Jahrzehnten auch als Flexkögel unterwegs. Ihr drittes Album beginnt wie der Soundtrack zu einem urbanen Film Noir, der mit unserer vorauseilenden Erinnerung spielt. Da muss doch schon was vor uns gewesen sein...
Konturen und Farbtöne werden angedeutet, etwas Kantiges, Zugespitztes, aber auch Leichtes, entspannt Farbiges und wimmelnd Unaufgeregtes deutet sich an. Was folgt, ist eine Reihe kurzweiliger Songs über Leben und Liebe in der Großstadt. Wie bitte, da war noch was? Ach ja, einige dieser Songs mögen uns bekannt vorkommen. Und wenn wir nur lange genug in unserem Gedächtniskasten kramen, mag uns auffallen, dass sie von Leonard Bernstein stammen. Der Leonard Bernstein, der Mahler dirigiert und die „West Side Story“ geschrieben hat? Machen wir uns nichts vor.
Seine Lieder sind längst zu Standards geworden, eine amerikanische Beschönigung für das im Deutschen so verpönte Wort „Schlager“. Von jedem dieser Songs gibt es Hunderte, wenn nicht Tausende von Versionen. Gibt es einen Grund, die Welt damit noch ein weiteres Mal zu beglücken? Eigentlich nicht. Es sei denn, man feiert sie in dem unerhörten Bewusstsein, sie zum ersten Mal zu singen. Oder singt sie zumindest für Leute, die sie so zum ersten Mal hören und entdecken. Flexkögel haben überhaupt keine Berührungsängste. Was soll’s, wo liegt schon der Unterschied, ob ein Lied tausend Mal oder noch nie gesungen wurde. Ein guter Song bleibt immer ein guter Song.
Britta-Ann Flechsenhar und Christian Kögel kamen auf ganz unterschiedlichen Wegen zu Bernstein. Die Sängerin über den Umweg von Tom Waits, der Gitarrist über eine Begegnung mit Bernstein als Dirigent und charismatischer Musikvermittler im Fernsehen. Selbst wenn der Komponist der „West Side Story“ sie seitdem nie mehr loslassen wollte, hatten sie doch nie die Absicht, ein ganzes Album mit Bernstein-Songs zu machen.
Und so ist diese CD auch überhaupt nicht als Tribute zu verstehen. „Wir haben ja auch schon andere Songs bearbeitet“, erzählt Christian Kögel. „Oft  geht einer solchen Annäherung ja der Impuls einer eigenen Idee voraus, die dann auf ein schon bestehendes Stück hinausläuft, mit dem man sie verbinden kann. So haben wir bereits auf unserem ersten Album Bernsteins „Somewhere“ arrangiert. Bis wir uns fragten, warum nicht mal mehr Bernstein.“ Dass die Songs eine Vorgeschichte haben, ist auf diesem Album ganz unerheblich. Flexkögel entkernen sie und befreien sie von der Last der Vergangenheit. Sie haben alles Mögliche ausprobiert, um am Ende das Meiste davon wieder zu verwerfen. „Eigentlich haben wir die ganze Zeit nur weggeschmissen“, sagt Britta-Ann Flechsenhar lachend.
In der Kombination von Leichtigkeit und Beiläufigkeit erlangen sie die Freiheit, mit den Songs zu machen, was für sie selbst wichtig ist, ohne die Demut vor den Originalen zu verlieren. Es ist ganz und gar Bernstein und doch auch wieder überhaupt nicht. Nicht zuletzt die Texte der „West Side Story“, Liebe und Gewalt vor dem Hintergrund des Kampfes zweier verfeindeter Gangs in New York Ende der 1940er Jahre, lässt viele Parallelen zum Leben in europäischen Großstädten, allen voran Flexkögels Heimatstadt Berlin zu.
Mit Bassist Paul Kleber und Drummer Hans Otto springen Britta-Ann Flechsenhar und Christian Kögel lustvoll, sinnlich und selbstbewusst über alle äußeren Grenzen von Jazz und Pop hinweg und drücken ihrem Lebensumfeld ihren ureigenen Stempel auf. Musik, die nicht nur zum Hören einlädt, sondern zum Dabeisein und Mitmachen. Ein Stück Aufbruch im Innehalten.

1. Intro/Cool
2. Some Other Time
3. somewhere
4. America
5. A Boy Like That
6. Something’s Coming
7. Around The Corner
8. Lonely Town
9. Tonight
10. Jet Song

Im neuen Programm „Di Eyne Velt“ setzt Mischpoke ihre Melange aus verschiedenen Stilrichtungen und interkulturellen Einflüssen fort, ohne dabei jedoch den Spirit der Klezmorim zu vergessen: Mal traditionell-klezmerisch im Medley „Happy Klezmorim“, mal sehr jiddisch im „Lidele in yidish“, dann auch mal rumänisch-feurig in der „Hora Martisorului“ oder jazzig im „Oyf der zuniker zayt fun der gas“. Im episch angelegten Stück „Chant“ huldigt Mischpoke dem jüdischen Komponisten und Geiger Paul Kirmann.
Diese Vielseitigkeit begeistert nicht nur Klezmer-Fans. „Az felker, groys un kleyn, zoln kenen dos farshsteyn – Alle Völker der Welt sollen das verstehen können“, so heißt es in einer Textzeile vom „Lidele in Yidish“ - eben „Di Eyne Velt“!

01 shpil zhe mir a lidele in yidish
02 happy klezmorim
03 sur ma tombe
04 blessing nign
05 af der zuniker zayt fun der gas
06 chant
07 sammy's freilach
08 der gasn nign
09 di zun vet aruntergeyn

Das neue Album von Anna Leman verzaubert und verführt in eine Welt voller Emotion, Sinnlichkeit und Leidenschaft, Freude aber auch Trauer. Themen des Lebens, die auf  höchstem Niveau musikalisch zelebriert und interpretiert werden. Anna Lemans Band „Lemansland“ sprüht vor Spielfreude und Ideenreichtum. Mal transparent , puristisch,  dann wiede  verspielt, lebendig dicht und poppig. Berühmte Klassiker von Astor Piazzolla, Tom Waits oder Elvis Presleysind liebevoll arrangiert und harmonieren selbstverständlich mit Anna Lemans Eigenkompositionen. „Allure“ ist so facettenreich wie die berührende, authentische Interpretation Anna Lemans. Ein sanfter Hauch , elegisch, sphärisch – in klarer, kräftiger Klang – und „down to earth“!

01 Hanging Around
02 Tango Till They’re Sore
03 Dancefloor
04 Gloomy Sunday
05 Music Wonderland
06 Can’t Help Falling In Love
07 Libertango
08 Una Noche Mas
09 Spring Affair
10 Song For Chris
11 A Long Way Home

„Personality Standards Vol. 1“ ist der erste Meilenstein von Michael Gudenkaufs und Eike Wulfmeiers Gemeinschaftsprojekt, das dem Finden und Erforschen der eigenen musikalischen Persönlichkeit gewidmet ist. Auf ihrem Weg werden sie den renommiertesten europäischen Jazzmusikern begegnen. Ihre erste Reise führt sie zum niederländischen Ausnahmegitarristen Jesse van Ruller, der u.a. der erste europäische Träger des Thelonious Monk Awards ist. Die Band wird komplettiert durch den Schlagzeuger Christian Schoenefeldt. Das erste Etappenziel, das Album „Personality Standards Vol. 1“, wird heute vorgestellt.
Die Band besteht aus vier ausgezeichneten Musikern, die improvisierte Musik im besten Sinne der Jazztradition spielen. Nicht die Kompositionen stehen im Vordergrund, sondern sind vielmehr Grundlage für ausgedehnte Improvisationen dieser vier einzigartigen musikalischen Persönlichkeiten.

1. Little Loose Ends
2. April
3. Perpetuum Delirium
4. Beyond Speaking
5. Honeysuckle Rose
6. The Beltfort House
7. Zeitlupe
8. In Walked Bud

In großer stilistischer Offenheit sind die Monatsstücke subjektive Impressionen aus den jeweiligen Entstehungsmonaten. Kompositorische Elemente und Ausdrucksmöglichkeiten der sogenannten ernsten, abendländischen Musik von 1600 bis heute und Idiome aus Jazz-, Folk-, Welt- und Popmusik bilden ein abwechslungsreiches, gleichwohl in sich gebundenes Ganzes. Mit intimer Ruhe bis zur virtuosen Extrovertiertheit können die Monatsstücke aufregende Wegbegleiter durch das Jahr sein.

01 Januar
02 Februar
03 März
04 April
05 Mai
06 Juni
07 Juli
08 August
09 September
10 Oktober
11 November
12 Dezember

Gypsy-Jazz ist der erste in Europa um 1930 erfundene Jazz Stil und 140 Jahre vorher erregte der junge Ludwig van Beethoven am Wiener Hof Aufmerksamkeit mit ungehörten und neuartigen Phantasien auf dem Klavier, die aber im Augenblick entstanden waren – also auch ein Vorläufer des Jazz. Was lag da näher als zwei große Virtuosen ihres Instruments – den Gypsy-Gitarristen Joscho Stephan und den Klassikjazz Pianisten Marcus Schinkel zusammenzubringen. Die beiden Musiker trafen sich 2015 anlässlich der Dresdener Jazztage und nach einer nächtlichen Session war die Idee zu einer Kombination aus Zigeunerjazz und klassischen Vorlagen zu „Classic meets Gypsy“ geboren.  Dabei schöpfen sie aus unterschiedlichen Melodievorlagen von Mozarts „Figaro“, Schumanns „Kinderszenen“, Debussys „Reverie“, dem berühmten „Liebestraum“ von Franz Liszt oder Beethovens „Wuth über den verlorenen Groschen“ bis hin zu einer fulminanten Rumbaversion des Patenthemas von Nino Rota.
Besetzung: Marcus Schinkel – Piano, Wim de Vries – Drums, Fritz Roppel – Bass, Joscho Stephan – Gitarre

01 Die Wuth über den verlorenen Swing
02 Swingin' Patetique
03 Nachklänge aus dem Theater
04 Liebestraum
05 Four In Four
06 Reverie
07 Non So Più
08 Brucia La Terra (The Godfather)
09 Ode To New Joy

Das Trio fand sich zu Beginn des Jahres 2016 über Umwege verschiedener Formationen im Herzen des Ruhrgebiets. The Spam ist die Umsetzung der musikalischen Vorstellung jedes einzelnen der drei Instrumentalisten und Komponisten für ein Klaviertrio. Es gibt hier nicht ein Mastermind. Jedes Mitglied komponiert für das Trio aus seiner persönlichen, musikalischen Erfahrung. Somit entstehen in der Zusammenarbeit einfallsreiche, progressive und intensive Klangwelten. Im Zusammenspiel der Musiker vereint sich mühelos Jazz, Jungle, Funk und Soul sowie Elemente aus Afro und Minimal Music. So fühlt sich der Zuhörer mal an frühe Zeiten des Esbjörn Svensson Trios, mal an Philip Glass und mal an Fela Kuti erinnert. Und dennoch finden The Spam einen eigenen Sound, ehrlich und originell. Über die Musiker: Oliver Schroer studierte das Fach Kirchenmusik in Essen und Düsseldorf und absolvierte einen Jazzstudiengang in Dortmund. Als Konzertorganist spielt der Bochumer mit dem Kölner Jazztrompeter Matthias Bergmann seit mehreren Jahren zusammen und leitet als Pianist ein eigenes Quartett (Quadrant) mit dem er 2014 die CD „Steps & Stairs“ herausgebracht hat. Der in Herne geborene Bassist Patric Siewert studierte von 2003 bis 2007 an der ArtEZ Hochschule der Künste in Enschede Jazz mit dem Hauptfach E-Bass. 2006 gewann er den ersten Preis beim Internationalen Ensemble und Solisten Contest in Kerkrade und ist seit mehreren Jahren Endorser für die Firmen Bassline und Markbass. Patric Siewert hat mittlerweile drei CDs unter eigenem Namen herausgebracht. Wilm Flinks studierte von 2004 bis 2009 an der ArtEZ Hochschule der Künste in Enschede Jazz und Popularmusik. Musikalisch vielseitig interessiert ist der in Münster lebende Schlagzeuger in verschiedensten Formationen tätig. Obwohl hauptsächlich im Jazz unterwegs erhielt er 2012 mit zwei verschiedenen Formationen auch Preise für den Besten Song des Jahres und die Beste Popband beim Deutschen Rock und Pop Preis.

01 Up & Down
02 Life Is A Tale (Told By An Idiot)
03 Hommage
04 Same Same
05 Simple As That
06 Comedown
07 Movin' In Movin' Out
08 Trust
09 June

Hinter „der Berndt“ steckt kein anderer als Thomas Berndt - Keyboarder der legendären Tinsel Town Rebellion Band, die Ende der 90er Jahre internationale Bühnen zum Kochen gebracht haben. In Aachen bekannt durch die Band Klangfahrer, die Mufab und seinen Podcast „Inspiration Musik“. Seine musikalischen Erfahrungen sind vielschichtig und stilistisch offen.
In seinem neuen Trio fließen unterschiedlichste Einflüsse und Ideen zusammen. „Alles, was gefällt, wird verarbeitet“.  So stehen hochemotionale lyrische Momente neben treibenden ostinaten Rhythmen. E-Piano Sounds werden moduliert, verzerrt und schmettern sich dem Hörer entgegen. Hall-Räume und Stimmen-Sounds eröffnen neue Dimensionen.
Ist das Jazz oder Rock oder was? „Egal“, sagt Berndt. Ebenso experimentierfreudig, erfahren und gleich berechtigt sind seine beiden Weggefährten  Johannes Vos (Kontrabass, Tuba, Voice) und Gerd Breuer (Schlagzeug, Voice). Der kreative Prozess wird hier durch drei geteilt und potenziert.
Man muss sich nur nicht wundern, wenn mal eine kleine Blasmusik mit Tuba auf der Bühne erscheint, die drei Musiker eine schräge Gesangs Melodie zum Besten geben oder das Bühnenoutfit so ganz und gar nicht dem üblichen Klischee einer quasi Jazz-Combo entspricht. „Gebt uns die Bühne und wir rocken das Haus“

1. Spongy
2. Verlust
3. Emoplosion
4. Tack
5. Tree Of Knowledge
6. You Gotta Go Little Alien Girl
7. Samsara I
8. Erinnerung
9. Vanishing
10. Skunk
11. Samsara II

Ergreifend verbinden Yvoe Ree (Stimme) und Vincent Dombrowski (Klavier/Seaboard) in ihrem Duo lyrische Melodien, vom Jazz gefärbte Klänge und Art-Pop Elemente zu bewegenden Kompositionen.
Die musikalische Darbietung, verfeinert durch Sprache, fasziniert auf allen Ebenen des Erfassens durch künstlerische Intensität und liebevolle Expression. Verbunden durch ihr Vertrauen ineinander, die gemeinsame musikalische Vision und ihren Ausdruckswillen, schaffen YvoeRee eine Umgebung emotionalen Ausdrucks, die das Publikum unweigerlich erfasst!
Seit 2016 musiziert das Hamburger Duo gemeinsam. Der sehr individuelle Sound ihrer Musik ist u.a. geprägt durch KünstlerInnen wie Björk, Jeanne Lee, Jonathan Hart Makwaia oder Joni Mitchell. Tiefgründig poetische Texte bilden malerisch Geschichten ab, deren Botschaften metaphorisch vielschichtig auf die Rezipierenden einwirken. Jeder Song zeichnet durch seinen eigenen Charakter eine neue Farbe in das Konzertprogramm. Dies wird unterstützt durch den vielseitigen, auch experimentellen Stimmgebrauch der Vokalistin Yvoe Ree, der nahezu verschmilzt mit den begleitend singenden Klavierlinien ihres Partners Vincent Dombrowksi. Die innigen Kompositionen bieten emotionalen Interpretationsfreiraum und laden ein, mitzufühlen und über das Konzerterlebnis hinaus weiter zu empfinden.

01 Rooftop
02 So Soft
03 Koloss
04 Song For Agnes
05 Vivo
06 Mr. Chapman
07 Birdies
08 Ivory Tower
09 Josephina
10 Irgendwo auf der Welt

Die Musik von Ausfahrt ist verwurzelt in den eigenen Erfahrungen von Christina Zurhausen und folgt der Ästhetik des Grungerock. Die Bandleaderin, aus dem rauen Alltag des Ruhrgebietes kommend, komponiert die Songs der Band – Songs, welche trotz ihrer klaren Struktur und Melodik auf Improvisationen basieren und von Eingängigkeit geprägt sind.
Zurhausens Musik erzählt von liebenden und streitenden Welten, mit Hang zur Philosophie, im Versuch das zu Ergründen, was die Welt im Innersten zusammenhält. Stets das Ruhrgebiet in Gedanken, die erlebten 90er und geliebten 60er im Sinn.
Es geht um Emotionen, die tiefer liegen, und von den eingespielten Musikern mit moderner, rockiger Attitüde auf energetische Weise verarbeitet werden.

1. Kiss The Night Air
2. Grunge Mess
3. Tango Unchained
4. Vergessene Möglichkeiten
5. 221 B
6. Ornette Soul
7. Monks Honk
8. Krank
9. All The Walls I Strike My Head Against Are Inside My Head

Die langjährige lose Zusammenarbeit der vier Jazz Musiker in wechselnden Besetzungen führte über zahlreiche gemeinsamen Konzerte und Projekte seit 2014 zum Wunsch, die Arbeit auf einer CD zusammenzufassen. Wie vier verschiedene Quellen, die sich zu einem Fluss vereinen, bündeln sich in Stream individuelle, musikalische Erfahrungen, Vorstellungen und Kompositionen zu einem gemeinsamen Ganzen. Ihrem Strom.
Die Stream Kompositionen reichen von einfühlsamen Balladen über fast groovige Rhythmen mit verschachtelten Themen- und Klangstrukturen, immer wieder verbunden durch Improvisationen, die eine weitere Entwicklung im Livekonzert versprechen. Obwohl Stream ein klassisches Jazz Quartett ist, lösen und verschieben sich gewohnte Schwerpunkte und Aufgaben zwischen den Instrumenten. Das Debütalbum „Speechless“ widmet Stream der 2017 verstorbenen Sängerin Susanne Drerup-Christenhuß, mit der sie im Jahre 2014 mehrfach als Quintett auftraten.

1 Bossassa
2 Expecting January
3 Notice The Moment
4 Valse Satinée
5 Treillis
6 November Day
7 Speechless
8 Januar Feel
9 Brouillard Dense