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Nach sechzehn Jahren Bandgeschichte wird am 28. Februar 2022 das erste Longplay Album Ís mit zwölf Tracks physisch sowie digital über das Bühnenfall Label veröffentlicht. Bei sechs Tracks des Bochumer Duos EISKRISTALL handelt es sich um Neuaufnahmen von Werken, die bereits im Jahr 2011 auf einer physischen Mini EP erschienen sind. Die weiteren Tracks des Albums wurden erstmalig im Studio aufgenommen.
Die Band wurde im Jahr 2006 von der Sängerin La Sonnambula gegründet und kann auf eine lange Live History mit wechselnden Besetzungen zurückblicken. Seit Januar 2019 wirkt EISKRISTALL als Duo und wird auf Tour von versierten Live-Musikern begleitet. Sämtliche Stücke wurden von La Sonnambula und dem Musiker Tim Tucker komponiert und eingespielt. Die Texte stammen aus der Feder von La Sonnambula.
EISKRISTALL möchte mit der Musik jegliche Form von Kälte in der Gesellschaft, auf der Welt und darüber hinaus ausdrücken. Das kann das Innere eines Menschen abbilden, eine vereinsamte Eiswüste beschreiben oder auch eine stählern-kalte Großstadtsilhouette an einem nebligen Wintermorgen widerspiegeln. Musikalisch drückt sich das in dynamischen Songstrukturen mit eingängigen Melodien und Texten aus, die teilweise auch Übersinnliches, Legenden und persönliche Lebenserfahrungen verarbeiten.
Als Symbol und sozusagen als „Erkennungszeichen“ wurde dafür das Bild eines Eiskristalls gewählt, welches auch als Inspiration für den Namen diente.

01 Eishauch
02 The First Snow
03 Manca Sollecita
04 Take Me Back To Myself
05 Kristalllicht
06 In My Forest
07 Divina
08 Am Mondsee
09 Cheerokee Prayer Blessing
10 Mein Engel
11 Die For My Sins
12 Winds Of Autumn

Vorbestellung - Lieferung zum Release am 25.03.22

Matthias Nagel ist ein Songschreiber, Sänger und Gitarrist.Seine Musik bezeichnet er selbst als genreübergreifenden Folkpop mit englischen als auch deutschen Texten.
Mal biografisch Mal frei erfundene Geschichten vom täglichen Wahnsinn in der Welt.

01 Anyway
02 Jaqueline
03 Tomorrow We’ll See
04 War And Pain
05 Under A Stone
06 Die wahren Helden sind wir
07 Snowflakes
08 Price To Pay
09 The Last Road
10 Der nächste Sommer

Die NDW war und ist Kult. Anfang der achtziger Jahre wurde die Musik bunt und neu. Außergewöhnliche Hymnen, Songs, die man auch Jahrzehnte später einfach nicht aus den Gehirnwindungen verbannen kann (und möchte). Die Bochumer Band Geier Sturzflug spielte in genau dieser Liga. Ihre Hits gehören heute zur DNA der NDW. Sie sind dabei so aktuell wie damals. Das Bruttosozialprodukt heißt heute zwar
Bruttoinlandsprodukt, wird aber immer noch fleißig gesteigert und Venedig steht immer mal wieder vor dem Untergang.
2021 urlaubte Friedel Geratsch in südlichen Gefilden. Das Meer zu seinen Füßen und die Sonne über seinem Kopf brachte ihn auf die Idee, nach all den Jahren noch mal ein „Geier“ Ska- und Reggae-Album zu machen. Damals das Markenzeichen der Band…. mit Lockerheit und Fröhlichkeit nicht immer angenehme Themen in Angríff zu nehmen.
Bei der Idee, sich auf die alte Liebe zu besinnen, fanden Friedel und seine Mitstreiter Carlo von Steinfurt und Reiner Hundsdoerfer schnell die Unterstützung des kongenialen neuen Geiers Karsten Riedel. Karsten, „nebenbei“ erfolgreicher Theatermusiker und -komponist, verfiel schon in frühester Jugend dem Reggae und Ska. Mit seiner Band Natty U schaffte er es  Anfang der neunziger Jahre mehrere Konzerte in der Heimat des Reggae zu spielen. Sogar in Jamaikas Hauptstadt Kingston bewegte er sich und sein Publikum im fröhlichen Miteinander.
Friedel & Karsten legten los: „Ska & Reggae – In der großen Tradition der kleinen Haushaltswaren“ entstand innerhalb von nur 2 Monaten. Songwriting, Kompositionen, mischen und mastern inklusive. 13 Songs, davon zwei unveröffentlichte und aktualisierte aus den Anfangstagen von Geier Sturzflug. Alle Songs folgen der „alten“ Tradition: Ernstes mit Humor in schwungvollen Melodien. Themen wie die Legalisierung von Cannabis („Kiffen kurbelt die Wirtschaft an“), der Klimawandel („Fünf vor Zwölf“) oder Absolventen der YouTube-Akademie („Doofmannsgehilfen“), geben Zeugnis ab: Geier Sturzflug ist heute noch gerne unbequem und darf das auch. Für eine Zeile, wie „die Menschheit wird nicht klüger, weil es Fernsehen gibt“
(„Total verrückt“), würden andere Künstler ihr gesamtes Hab und Gut verkaufen. Bei Geier Sturzflug laufen sie völlig lässig aus der Feder. Allein dafür muss man die Combo schon lieben. Doch es sind noch mehr Elemente, die das Album zu etwas ganz Besonderem machen. So wie Friedels selbstgebaute Cigar-Box Gitarren. Die kommen zwar sonst üblicherweise bei seinen Blues-Alben zum Einsatz, aber die können auch anders. Reggae und Ska mit Cigar-Box Gitarre hat die Welt bisher sicher noch nie gehört. Beides wird auf dem Album zu etwas ganz Eigenem verwoben und schenkt den Songs neben der lockeren Attitüde noch einen Hauch des Südstaaten-Blues, der schweißtreibenden Sümpfe, tief im Süden der USA. Auch wenn „Ska & Reggae – In der großen Tradition der kleinen Haushaltswaren“ das letzte Album von Geier Sturzflug sein sollte, ist die Band, wie man sie kennt. Es setzt aber auch neue Akzente, denen man sich kaum entziehen kann. Wer will dazu schon nein sagen?

01 Bob Hiob
02 Lockdown
03 Fünf vor Zwölf
04 Zum Rollen geboren
05 Der letzte Zug
06 Die alte Bürste
07 Total verrückt
08 Hey Kapitän
09 Kiffen kurbelt die Wirtschaft an
10 Lastafahra
11 Mundwinkel hoch
12 Doofmannsgehilfen
13 Modern ist wenn man gewinnt

Vorbestellung - Lieferung zum Release am 15.04.22

Blonder Bengel singt Lieder über die zeit zwischen 8 Uhr abends und 8 Uhr morgens, über Berge von unten, Kirchen von außen und Kneipen von innen. Übers hoch Fliegen und tief Fallen, übers Beenden und Von-vorne-anfangen, über beste Freunde und noch bessere Feinde, über den unwiderstehlichen Reiz der Unvernunft, über Leidenschaft, Freiheit, Integrität, Heimat, Stolz und die Treue zu sich selbst.
Musik für alle, die sich das Stückchen Zerrissenheit bewahrt haben. Dieses bittersüße Wechselbad der Gefühle.
Gradliniger Power Pop mit Gitarren und launischen Texten. Musik, die dich abholt und nach hause bringt. Musik die keinerlei Anspruch darauf erhebt, sauber und perfekt zu sein, sondern lediglich und nicht weniger als echt. Eine kompromisslose, gelegentlich unerträglich ehrliche Reise durch alle Runden des ewigen Duells gegen die Sinn- und Ausweglosigkeit des Lebens, auf der weder Entschuldigungen noch Rechtfertigungen mitgeliefert werden.

01 1000 Verehrer
02 Nur wegen dir
03 Studentinnenfrühstück
04 Ja-Sager
05 Süchtig nach dem Schmerz
06 Trennungskinder
07 Weil du nichts sagst
08 Vorher und nachher
09 Worum es geht
10 Alles Gute

Vorbestellung - Lieferung pünktlich zum Release am 06.02.22

Offiziell gestartet wurde das Projekt Pils und Kippe 2018, obwohl es die Kombo eigentlich schon länger gibt: Achim und Marco, Schlagzeuger und Gitarrist, die sich 1995 während ihrer Ausbildung neben dem Wohnraum vor allem die Begeisterung für‘s Musikmachen teilten. Mit ihrer ersten Band Crossthoughtz blieb der Erfolg nicht unbedingt aus, hielt sich aber in Grenzen. Wäre Rock-Reggae-Ska-Crossover mit Humor und Kreativität eine Währung, hätte man damals finanziell ausgesorgt. Doch der Durchbruch ließ auf sich warten und letztendlich folgte der Schritt aus dem Rocker-Dasein ins Berufs- und Familienleben.
Zurück bei ihren Wurzeln, also wieder zu zweit, blieben Freundschaft, Erinnerung und der Proberaum. Den besuchten beide regelmäßig und schufen somit das Fundament für ihr heutiges Projekt. Marco traute sich damals langsam an deutsche Texte, auch deshalb, weil sein Englisch - ehrlich gesagt - primär durch die Kunstfreiheit gedeckt war. Vor allem aber ging’s ums Inhalte vermitteln mit Hilfe handgemachter Musik, jenseits von Belanglosem und durchaus mit der Intention, Gedanken in Bewegung zu bringen. So entwickelte sich die Idee vom Liedermacher-Duo: Marco Gitarre und Gesang, Achim Cajon und Percussions. Pils und Kippe.
Gesagt, getan. Seither präsentieren die beiden ihre instrumentale Melange mit gesellschaftskritisch-amüsant-affektiven Texten auf allerlei musikalischen Festen. Und weil die Nachfrage nach Tonträgern lauter wurde, begann vor eineinhalb Jahren die Arbeit am ersten Album „Am Ende des Tages". Mit bester Unterstützung durch Marco Bussi und Bino Dola im Studio ist das Ergebnis eine Platte, auf die sie besonders stolz sind.

01 Demokratie
02 Forrest, lauf
03 Innere Stimme
04 Teilzeitlebensineffizient feat. Sofa
05 Brave Schafe
06 Slawia Ukraini
07 In Your Face
08 Freud und Leid
09 Wir zwei
10 Spieglein, Spieglein
11 Alles hat seine Zeit

01 Weeping Willow
02 Run Away Child
03 How Else
04 Come Baby
05 Cosmic Love
06 Vision
07 If I Can’t Breathe
08 Girl In A Long Skirt
09 Boat On The Sea
10 Fire In Your Eyes

Auf FELICIDAD entzünden die sechs aus Kuba, Kolumbien und Deutschland stammenden Musiker um Sängerin Mayelis Guyat (u.a. The Voice of Germany) ein echtes Feuerwerk aus Salsa, Son Cubano, Bolero und Cha Cha Chá. Gekonnt verbindet die Band mitreißende Klassiker des kubanischen und internationalen Repertoires, sowie spannenden Eigenkompositionen mit jeder Menge energía postiva. Modern, urban und immer tanzbar – karibisches Feeling und explosive Salsa direkt aus dem Herzen Berlins.
Die erste Single „De Donde Es El Son“ (VÖ: 19.06.2020) ist ein up-tempo Son Cubano und erzählt vom ewigen Streit um die Erfindung des „Son“ - dem kubanischen Stil, der die Basis der Salsa-Musik ist. „Woher stammt der Son“ - das ist die Frage, um die seit jeher die Hauptstädter aus Havanna und die Bewohner der östlichen Provinzen Kubas (Oriente) rivalisieren. Ebenso leidenschaftlich wird darüber diskutiert, wo der Son besser getanzt wird.
Ein besonderer Gast auf FELICIDAD ist die kubanische Rumba- und Folklore-Legende Juan „Chan“ Campos Cárdenas (*1939). Der in Havanna geborene Sänger ist Mitbegründer der Gruppe Yoruba Andabo und gewann mit dieser Formation den Premio Grammy Latino.

01 Llego conexión
02 De donde es el son
03 Vereda tropical
04 Felicidad
05 Como fue
06 A dios le pido
07 Babalú
08 Lágrimas negras
09 Son de la madrugada

Vorbestellung - Auslieferung zum Release am 11.02.22

Alle paar Jahre wird in Berlin geunkt, daß Moabit der nächste Trend-Bezirk werden könnte. Aber passiert ist es nie; egal wieviele Künstler und Studenten hier den Boden für ein gentrifizierungswürdiges Umfeld bereiten; Moabit bleibt auf eine charmante Art unaufgeregt aufregend und vereint geradezu nonchalant Multikulti, Bodenständigkeit und Künstlerszene. Marco Ponce Kärgel hat hier seinen Proberaum, in den er eines Tages Sven Schneider einlud, um sich mit beider Akustikgitarren einer „Moabiter Romanze“ hinzugeben, einer gleichnamigen ersten Kompositionsskizze. Im Basalen entdecken die beiden schier unendliche stilistische Möglichkeiten, so daß die Arrangements ihrer Eigenkompositionen munter die Übergänge zwischen Klassik und Jazz erkunden. Ineinandergedrehte Rhythmen werfen sie auf klare Strukturen, schrecken betörende Melodien mit schrägen Tönen auf. Experimentell Geräuschhaftes trifft auf jazzige Harmonien, dynamische Breaks und rockige Riffs. Da hören sich zwei zu und werfen sich die musikalischen Schneebälle wie zwei Profijongleure um die Ohren. In neun Eigenkompositionen, Geschichten und Phantasiesoundtracks erzählen die beiden Musiker dieser Tage nun als ilimitado auf ihrem Debütalbum von dieser turbulenten „Moabiter Romanze“.
Ganz old school ging es direkt nach einigen intensiven Auftritten ins tonus arcus Studio von Dietrich Petzold, um Energie, Aufregung und Spannung in die Aufnahmen mitzunehmen, alles in einem Rutsch live aufzunehmen. In Dietrich Petzold, dem Geiger, Komponisten und Produzenten fanden sie dafür den Mann mit dem richtigen Ohr und einer großen Erfahrung in reduziert arrangierten Musikstücken. Overdubs gab es keine. Nur zwei Stahlsaiten- Gitarren und zwei Musiker, die sich auf das Wesentliche konzentrieren – nämlich ihre Geschichte zu erzählen, sich gegenseitig zuzuhören und miteinander zu spielen.
Das Wort „ilimitado“ stammt aus dem Spanischen und steht für das Unbegrenzte. Ein Stück weit wie die Herkunft und das musikalische Schaffen der beiden Musiker.

01 Bregoran
02 Vom tätigen Leben
03 Wrist kann warten
04 Das Kleid der schönen Elise
05 Das Gedächtnis des Wassers
06 Frühe Ostern
07 Der Schwarzwald liegt am Bosporus
08 Pudel beißt
09 Es war einmal hybrid

Vorbestellung - Auslieferung zum Release am 04.02.22

Der nun erscheinende zweite Teil von Miriam Nettis „La Bossa“ entstand aus dem Wunsch heraus, die schönsten italienischen, aber auch internationalen Lieder auf eine persönlichere und intimere Weise zu interpretieren und vorzustellen. La Bossa ist ein mutiges und ehrliches Experiment, das die Roh- und Direktheit einer Liveproduktion atmet, sich auf die erfolgreichen Interpretationen der „Großen“ der Vergangenheit einlässt und respektvoll der Musik gegenüber neue musikalische Wege geht. La Bossa zeigt Miriam Nettis musikalische Einflüsse, die in der italienischen Musik verwurzelt sind und ihre Kreativität geprägt haben. Mit der Neuinterpretation dieser Titel zeigt Miriam Ihr großes kreatives Potential und La Bossa reiht sich durch eine wundervolle, intuitive Arbeit in die Reihe der
bereits veröffentlichten großartigen Versionen ein.
Die musikalische Auswahl von La Bossa reicht vom letzten Jahrhundert bis heute. La Bossa: Ivan Lins, Betty Carter, Robert Russell, Luigi Tenco, Marino Marini, Fred Buscaglione, Joao Bosco, Milton Nascimento, Ornella Vanoni.
La Bossa Vol. II: Henry Mancini, Quincy Jones, Bruno Martino, Elis Regina, Chico Buarque, Ennio Morricone und Piero Piccioni, Armando Trovajoli und Joao Donato.
Musiker: Miriam Netti an Gesang und Arrangements, der Italiener / Belgier Bruno Castellucci am Schlagzeug, der Finne Johnny Åman am Bass und der Schwede Johan Leijonhufvud an der Gitarre.

01 Samba e Amor
02 Metti una sera a cena
03 Non partir
04 Breve amore
05 Blue Train (Il treno blu)
06 Two for the road (Due x la strada)
07 Soldi soldi soldi
08 Que reste-t-il de nos amours
09 Mille lire al mese
10 The Midnight Sun
11 E la chiamano estate
12 Ate quem sabe

Vorbestellung - Auslieferung zum Release am 11.03.22

Hand aufs Herz – das fünfte Album von DER TO, alias Tonja und gleichzeitig sein bislang bestes Werk zum 12-jährigen Jubiläum.
Im letzten Jahr stellte sich der gebürtige Celler oft die Frage, wie es anderen Musikern wohl in dieser verrückten Corona-Zeit ergangen ist. Wenn man nicht das machen kann, was man am liebsten macht – nämlich rausgehen und Musik machen. Aufhören war für Tonja aber nie eine Option.
So kreuzten zwei Musiker seinen Weg, die in den vergangenen 18 Monaten an der Entstehung und Umsetzung von „Hand aufs Herz“ maßgeblich mitwirken sollten. Es war kein großes Produktions-Studio für die Aufnahmen nötig. Im kleinen Musik-Studio von Bassist Ingo entstanden zusammen mit Gitarrist Kai und Tonja 13 Songs, die es in sich haben.
Mit Ingo und Kai hat er zwei Wegbegleiter an seiner Seite, die seine musikalischen Ziele, Visionen und seine Liebe zum Detail genau verstehen, ergänzen und perfektionieren. Ein Dream-Team hat sich gefunden und das Ergebnis der vielen Abende intensiver Arbeit an jedem einzelnen Song lässt daran keinen Zweifel aufkommen.
Tonjas Motto, dass das Leben selbst die schönsten Lieder schreibt, hat sich erneut bewahrheitet. Egal ob es auf oder ab geht, ob ein Lockdown massiv die Freiheit einschränkt oder Ängste über die Zukunft für schlaflose Nächte sorgen – als überzeugter Optimist schaut Tonja stets nach vorn, denn auch schwere Zeiten und Stolpersteine sind akzeptabel, wenn man aus ihnen lernen kann.
Mit Songs wie „Familienbande“ trifft er zielgenau den Nerv aller Menschen, denen schwer ums Herz wird, wenn die Gedanken zur Mutter, zum Vater und zu den Geschwistern aus Kindheitstagen zurück schweifen. Ein sehr persönlicher Song, durch den Tonja seine Hörer auch in seine eigene Seele schauen lässt.
„Hand aufs Herz“ entführt uns in unterschiedlichste Emotionen und Empfindungen – warm, lässig, melancholisch, tanzbar, kritisch sind nur einige der Gefühle, denen Tonja, Ingo und Kai auf ihre ganz besondere Art und Weise Worte und Melodien verleihen. Überraschend anders als bisher und dennoch ganz eindeutig und unverwechselbar DER TO.

1. Der Träumer
2. Zehn
3. Hand aufs Herz
4. Herz verloren
5. Vom Punk zum Dad
6. Fallen
7. Schwarz-weiß
8. Familienbande
9. Sommerlang
10. Treibsand
11. Für ein Amen
12. Spiegelbild
13. Nur hier

Was gibt es Schöneres als Maulaffen feilzuhalten? So viele Dinge laden zum kräftigen Staunen ein und boten dem FIRLE Stoff für neue Lieder, die nun endlich auf dieser neuen FIRLEFANZ UND GRETE-CD zu hören sind. Wer wissen will, was Zootiere nach Öffnungsschluss tun und wohin Störche und Astronauten gern fliegen, was Schlumpfeiskugeln mit Zöpfeziehen verbindet, wo Monster sich verstecken und wie Märchen heißen, sollte sich Zeit nehmen und den Liedern lauschen, die FIRLEFANZ UND GRETE in altbewährter Besetzung zelebrieren.
(Und  auch diesmal geht wieder ein Euro pro CD an eine wichtige Kinderunterstützungsstelle: und zwar an den Kinderhospizverein Dresden.)

01 Astronaut
02 Märchenrätsellied
03 Maulaffenfeil
04 Jungs Mädchen
05 Monster
06 Liebeslied
07 Jeder ist gleich
08 Ich bin noch gar nicht müde
09 Krach
10 Mein Bruder ist ein Stern (für B. und A.)
11 Der Kuckuck und der Esel
12 Storch Helmut
13 Feierabend im Zoo
14 Die Erde
15 Tommy soll aufs Töpfchen
16 Scheiße sagt man nicht
17 Schlaflied (für Rufus und Levin)

Preorder - Auslieferung zum Release am 25.02.22

Side A
01 Persona Non Grata, Part 1
02 Persona Non Grata, Part 2
03 Duchess Of This Town
04 Passive Aggression
05 Stevie Nicks Smile
06 First Girl On The Moon
Side B
01 Ritchie (See You Later Baby)
02 Cheeful Frank
03 Love You Better
04 I Will Hold On To You
05 Reverie And Souvenirs

Preorder - Auslieferung zum Release am 25.02.22

01 Persona Non Grata, Part 1
02 Persona Non Grata, Part 2
03 Duchess Of This Town
04 Passive Aggression
05 Stevie Nicks Smile
06 First Girl On The Moon
07 Ritchie (See You Later Baby)
08 Cheeful Frank
09 Love You Better
10 I Will Hold On To You
11 Reverie And Souvenirs

„Blaue Sonne“ ist die vierte CD des Singer-Songwriters Marian Kleebaum und präsentiert wieder einen bunten Mix aus facettenreichen Klavierstücken und jazzigen Popsongs. Bereits der Titel des Albums bringt die Eigenwilligkeit des Künstlers zum Ausdruck, die sich durch all seine Texte und Kompositionen hindurchzieht.
Im Gegensatz zu seinen Vorgängern klingt „Blaue Sonne“ jedoch voller und vielschichtiger. Ein Grund dafür: Für seine neue CD hat sich Marian Kleebaum zum ersten Mal Unterstützung von anderen Musikern geholt. 7 der insgesamt 14 Titel wurden mit einer Band eingespielt, 7 weitere Songs sind reine Klavierstücke ohne Gesang.

1. Lama
2. Fehlfarben
3. Blaue Sonne
4. Frühstück
5. Der Frosch
6. Stückchen weiter
7. Das Moor
8. Die Ente
9. Ganz frei (part 2)
10. In einer Art weg von hier
11. Mein Echo
12. Der Adler
13. Der erste Song
14. Budapest

Vorbestellung - Auslieferung zum 31.12.2021

Die Frog Bog Dosenband veröffentlicht am 31.12.2021 ihr neues Album „Wir ham ne Fahne“. Auch 30 Jahre nachdem eine Handvoll trinkfester Banausen ihr Debüt-Demoband „Wir lachen nur wenn‘s richtig lustig ist“ auf Kassette aufgezeichnet haben, ist die Frog Bog Dosenband mit ihrem unbefangenen Quatsch eine Konstante. Erst Trash, dann Kult, jetzt Avantgarde?

Als die schräge Nonsens-Truppe aus Kloster Oesede 2002 ihre CD „Die Polterei auf der Bounty“ präsentierte, waren die Meinungen zwiespältig. Schräge Verse spalteten die Kritikergeister. Ihre Musik schlug Krach, es schmerzte und war dabei trotzdem mitreißend, tanzbar und leidenschaftlich. Der Verkaufserfolg sprach für die Band: Ohne dass die Blödelrocker einen Plattenvertrag haben, konnte die Band über 5.000 Silberlinge im Eigenvertrieb unters Volk streuen. Einzigartig unter allen Formationen des erweiterten Tecklenburger Landes.

Nachdem die Frog Bog Dosenband von den Jugendzentren bis zu arrivierten Rockclubs Deutschlands getourt ist, erhielt sie die Aufmerksamkeit der überregionalen Presse. Headlines wie „Partystimmung mit Dosenband“, „Kult auf norddeutschen Festivals“ oder „Festival Wahnsinn!“ begleiteten von nun an die Kirmescombo aus dem Osnabrücker Südkreis. Heute sind sie seit drei Dekaden „On the Road“, aber weit davon entfernt, erwachsen zu sein.

Die Frog Bog Dosenband mag sich in 30 Jahren verändert haben. Aber sie ist immer noch dieselbe Band. Und was für eine! Musik für die breite Masse Die Themen habe sich mit dem Alter der Dosen nicht gewandelt. Ihre Texte beschäftigten sich nach wie vor mit den Lieblingsbeschäftigungen, Erlebnissen und
Phantasien nicht erwachsen werden wollender Musiker und sprühen dabei vor Sinn für pubertärem Humor und smarter Cleverness. „Wir machen Lieder, die Kinder und betrunkene Erwachsene gemeinsam singen können!“ sagt Kartoffeldräse, Gitarrist der Band.

Wer hier Tiefgründiges vermutet, liegt falsch. „Unsere Musik ist wie ein Spiegel. Wenn ein Esel hineinschaut, kann kein Prophet herausschauen“ kommentiert Dr. Dräse, Frontmann der Spaßkapelle. Live macht die Frog Bog Dosenband ein ordentliches Fass auf. Rockig, laut und voll purer Albernheit überzeugt die 6-köpfige Formation mit großer Spielfreude, musikalischem Witz und einem vielseitigen Repertoire. Die Bühnenpr.senz des sympathischen Ensembles überzeugt jedes Publikum und sorgt für ausgelassene Stimmung.

Zukunftsmusik

Ob sich das norddeutsche Lokalmärchen fortsetzt und die Nonsens-Truppe 2022 wieder durchstarten kann? Ob es dann wieder spontane Showeinlagen und Partyattitüde gepaart mit Dröhnbrause gibt? Ob der Doppeldoktor endlich promoviert? Wir sind gespannt!

1. Wir bechern mit dem dicken Mann
2. Arbeitsallergisch
3. Marianne
4. Wochenende Alkohol
(feat. Heaven)
5. Kirmeskind Réné
6. Mir kommt der Lehm 1
7. Du zündst mich an
8. Wir ham ne Fahne
(feat. Mr. Hurley & Die Pulveraffen)
9. Morgen früh kommt der Auamann
10. Dr. Pillemann
11. Zu Hoch
12. Mir kommt der Lehm 2
13. Hitzefrei
14. Weihnachten gibt's auf die Fresse
15. Ich creme dich ein
16. Pudding und Rambo
17. Mir kommt der Lehm 3

Vorbestellung - Auslieferung zum 11.02.2022

Nachdem Iggi, Ex Techno DJ und Produzent, als Keyboarder und Noise Lieferant bei der Stoner Rock Kapelle LINIE eingestiegen ist, entdeckte er erneut seine Leidenschaft für den Gitarrenlastigen Sound. Nach deren Auflösung ging er in seinen Keller und machte einfach sein eigenes Ding. 

Rotzige Gitarren, technoide Soundeskapaden und deutsche Texte aus dem schwarzen Herz der Gegenwart geschnitten, formten den Sound von Iggilands 2. Studio Album. Gute Laune sucht man hier vergeblich. Vielmehr zeichnet es ein schauderhaftes Bild des Alltags und zieht sich durch die Bereiche des Lebens die man gemeinhin Normalität nennt. Man spürt die musikalische Affinität zum Punk und Oi der 80er, mit einer Prise Dark und New Wave. Dunkel und zornig marschiert das Album vorwärts und lässt wenig unberührt. 

Auf Features und Namedropping wurde bewusst verzichtet, weil es derzeit einfach nur noch nervt. Genregrenzen fließen ineinander und man hat den Eindruck Iggiland macht einfach das was ihnen gefällt. Schmutzige Riffs, elektronische Sounds fernab des Kitsches, knackige Drums, treibende Bässe, gepaart mit wütenden und komplexen deutschen Texten. 
Dieses Album reißt einem die rosarote Brille vom Kopf und entführt in die Welt der Schatten. 
Eine Tour ist bereits in Planung, sofern derzeit etwas planbar ist. 

01 Gleichklang
02 Normalitaet
03 Angst
04 Digital
05 Willkommen
06 Himmelsleiter
07 Fenster
08 Liebe
09 Karriere
10 Querkopf
11 Extravaganza

Dies alles vereint die Dortmunder Rockband the Tierheims, die sich in der aktuellen Besetzung kurz vor Ausbruch der Pandemie im März 2020 zusammengefunden hat (einen ungünstigeren Zeitpunkt hätte es nicht geben können!). The Tierheims fabrizieren ausschließlich eigene Songs und man könnte nun behaupten, dass sie eine sehr vielseitige, schonungslos ehrliche und dennoch atmosphärisch melodiöse Combo sind . Doch eigentlich ist es the Tierheims lieber, als stinknormale Rockband betitelt zu werden, ohne großen Schmuck am Nachthemd und dennoch mit Liebe zum Detail.
Dank des angeborenen Spieltriebes und der mannigfaltigen Erfahrungen der Bandmitglieder (insgesamt über 100 Jahre Bühnenreife!) entstand im Dortmunder Tierasyl eine coole Mischung aus Rock, Punk und Alternative und es folgten Titel wie Talking to trees oder Assheads auf.
Innerhalb des Lockdowns fühlten sie sich wie eine cornered cat, die Bock hatte zu spielen, sich jedoch mit allerlei Streaming-Konzerten, kleineren Locations mit wenig Publikum und Radioaktionen (WDR2, beste Band im Westen im Mai 2021) zufrieden geben musste.
Die in die Ecke getriebene Katze namens the Tierheims konnte dann im Oktober 2021 bei fünf Konzerten innerhalb von nur zwei Tagen auf dem legendären Fantasy Festival Annotopia ihr Können unter Beweis stellen. Das nun erschienene, gleichnamige Album cornered cat setzt den fulminanten Ausbruch der Katze aus der Ecke konsequent fort. Damit fangen sie bestimmt nicht nur fette Mäuse!

01 Breakout
02 Simple Man
03 Alright
04 Things
05 Buzzing
06 Talking to Trees
07 Euphoria
08 Rollercoaster
09 Lovesong
10 Assheads
11 Too Deep
12 Awake and Away

01 Honky Tonk Kid
02 Fire And Rain
03 Flying Through The Night
04 Like Moving Clouds
05 Lullaby
06 Sweet Emma
07 Don’t Blame Me
08 A.C. Ville
09 Time
10 Lady, Be Good

Ralf Illenberger zeigt auf seiner neuesten Produktion „Elements“ die ganze Bandbreite seines musikalischen Schaffens. Filigrane akustische Gitarren, orchestral arrangiert und mit funky Rhythmen unterlegt lädt der gebürtige Stuttgarter den Zuhörer auf eine spannende Reise ein.

Mit Walter Keiser(Vollenweider, Nena) am Schlagzeug und Sandro Gulino (Gypsy Kings) am Bass erinnert er auch an seine erfolgreichen Zeiten der 90iger Jahre mit seiner damaligen Band Circle.
Geheimnissvoll, manchmal fast rockig aber immer melodisch stellt Illenberger seine neuesten Kompositionen vor. Gemastered von Hans-Joerg Mauksch in den Stockfisch Studios verspricht Elements auch absoluten Klanggenuss!

Bekannt geworden ist Illenberger als Teil des Duos Kolbe Illenberger (das Beste Deutsche Gitarrenduo) in den 70iger Jahren. Er spielte in 50 Ländern Konzerte, eine Nominierung zum Deutschen Schallplattenpreis (1978) und eine Grammy Nominierung (1997) sind nur ein Teil der internationalen Anerkennung seiner musikalischen Tätigkeit. Listen with your Heart! Musik ist unsere grenzüberschreitende Sprache die auch kulturelle Unterschiede überwindet.

01 Elements
02 Wide Lands
03 Lions Gate
04 All One
05 Good Times
06 Late Arrival
07 Dans les Jardins du Printemps
08 On a Roll
09 A Holy Place
10 Love Intense

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Die verwendete Baumwolle stammt aus 100% biologischem Anbau. 
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• 100% Polyester

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• Veredelung: Hochwertiger Digital Direkt Druck
• 100% Cotton

Ein Shirt in verschiedenen Farben mit coolem Wippsteert-Logo. Das Premiumshirt eignet sich außerdem perfekt als Geschenk. Wir bieten Qualitätsware auf höchstem Niveau. Strapazierfähige Stoffqualität: 150g/m², Material: 100% Baumwolle.

Produktdetails:

Dieses einzigartige Design ist die perfekte Alternative zum alltäglichen Standard  und überzeugt als hochwertiges Unikat. Unser Herren Premium Shirt erscheint in vielen verschiedenen Farben im Rundhals-Ausschnitt und lädt zu zahlreich kombinierbaren Looks ein. Dieses smarte Herren Premium Shirt wird problemlos zur Staple-Piece jeden Outfits:

• Material: 100% gekämmte, ringgesponnene Baumwolle
• Grammatur: 185 g/m²
• Verarbeitung: Doppelte Steppnaht an den Säumen + 1x1 Ripp-Kragen + Vorgeschrumpft
• Schnitt: Gerader Schnitt + Rundhalsausschnitt
• Extras: Heraustrennbares Label
• Größen:  S, M, L, XL, XXL, 3XL, 4XL, 5XL
• Veredelung: Hochwertiger Digital Direkt Druck
• 100% Cotton

The Brute : merges progressive electro, pop, rock and cinematic industrial sounds with catchy melodies and captivating vocals to a fascinating sound amalgam. Its hypnotic effect inevitably casts a spell over you.
With the debut album Brute: One, Daniel Gierke, mastermind and driving force of The Brute :, dares to step out of the shadows and into the public eye after decades of composing –or sound distilling. What he presents is less a step – but more like a rocket launch!

The album, finally edited by Simon Gibson in the Abbey Road Studios, comes up with seemingly contrasting worlds of sound: electronic meets rock, industrial sounds with cinematic appeal to catchy melodies, pops with Wagnerian-style pomposity, and it forms a wonderful synthesis connected by Daniel's distinctive and haunting voice, which describes situations in a sometimes very gloomy, sometimes self-deprecating manner, which at the same time reflect stages in his life.

The influences of the high times of electro-pop and electro-rock from the 80s and 90s are unmistakable – everything transported to the present day. The opener Driving To You invites you to turning up the volume in your car and enjoying the drive with the window open! What follows is an incredible musical journey to highs and lows, from one high point to the next. Quiet tones alternate with angry and dramatic soundscapes only to end in a colossal thunderstorm of sound.

01 Burning Up With Fever
02 See You Tonite
03 Rockin’ In The USA
04 You’re All That I Want
05 She’s So European
06 Always Near You
07 All American Man
08 Tossin’ And Turnin’
09 Goodbye
10 Easy As It Seems

Incl. CD mit dem kompletten Buch zum Anhören, gelesen vom Autoren.

Kaspar Dornfeld ist der einzig wahre Ghostwriter dieses Planeten. Endlich liegt sein Erstlingswerk in materialisierter Form vor. Zum Anfassen, zum darin Blättern und zum Lesen. Was passiert nach dem Tod? Wer will das nicht wissen? Hier wird diese Frage endlich glasklar beantwortet, von einem, der es nun wirklich wissen muss.
Eingebettet sind diese grundlegend neuen Informationen über Sein und Werden in einen Mordfall im Umfeld einer Fernsehproduktionsfirma. Hauptkommissar Ernest Reemund und sein Team verfolgen verschiedene Spuren. Vergeblich. Könnte weniger Alkohol helfen, besseres Benehmen oder gar der Rat eines obdachlosen Quantenphysikers?

Die Single EP enthält Remixe der letzten Singles von The Brute : sowie den Soundtrack des Musik-Kurzfilms „Momentum To Die“.

01 Driving To You (Single Edit)
02 Driving To You (Maxi)
03 Absolute Disgrace (Lunacy Mix)
04 Driving To You (Road Mix)
05 Momentum To Die (OST)

Diese Unisex Hoodie überzeugt mit seiner soften Qualität und bietet optimalen Tragekomfort bei 100% Bio-Baumwolle. Nicht nur gut für dich, sondern auch für die Umwelt. Der Organic Hoodie eignet sich außerdem hervorragend als Geschenk für deine Liebsten, egal ob zum Vatertag, Muttertag, Weihnachten oder Geburtstag. Mit diesem einzigartigen Hoodie sticht dein Geschenk ganz besonders heraus. Unisex Organic Hoodie

 

85% Bio-Baumwolle / 15% recyceltes Polyester

Der To-Go-Becher eignet sich perfekt als Geschenk. Porzellan To-Go-Becher Silikondeckel, Höhe 137 mm, Ø unten 55 mm, ca. 435 g - Fassungsvermögen 275 ml. Die umweltfreundliche Alternative zum To Go-Wegwerfbecher!

Produktdetails:

Das Highlight für jede*n Kaffee- und Teeliebhaber*in: Das Heißgetränk eurer Wahl in Vollendung und das unterwegs! Hochwertiger Sublimationsdruck macht diesen To-Go-Becher zu einem Must-Have für jeden echten Kaffee- oder Teeliebhaber.

• Material: Porzellan
• Gewicht: 435 g
• Volumen: 275 ml
• Extras: beim Einfüllen von heißen Getränken reagiert die thermosensible Farbschicht und lässt den Aufdruck der Tasse zum Vorschein kommen
• Hinweis: Handspülung empfohlen
• Einheitsgröße
• Veredelung: Hochwertiger Sublimationsdruck

SAFARI STATION is the name of the record Andrea Van Cleef and Diego „Deadman“ Potron have recorded under the direction of Don Antonio Gramentieri (previously working as guitar player/producer for Green on Red’s Dan Stuart, Alejandro Escovedo, Hugo Race and Giant Sand).
Paolo Pagetti, CEO of Rivertale Productions, came up with the original idea: “you two guys should make an album together, and record it just the way records used to be done in the 70s: you go away for a week with a producer and a bunch of musicians, you get into the studio, you eat and sleep there, and you come out at the end of the week with a new album. Then we’ll take care of the mixing and mastering.”
And this is what happened: Diego and Andrea went up a hill between Toscana and Romagna (two of Italy’s most beautiful regions) to join Antonio Gramentieri and his crew: drummer extraordinaire Piero Perelli (Dana Fuchs, Emma Morton, Robin Hannibal, Pet Levin) and keyboard wizard Nicola Peruch (a well-known italian session player, most famous for his work with international blues-pop star Zucchero Sugar Fornaciari). The whole bunch of musicians went to work and recorded 10 songs, 9 originals plus an unrecognisable cover of 70s infamous disco-pop-rock song “In Zaire”, that in the hands of the whole band of musicians becomes a dark trip into Africa’s real heart of darkness.
The sounds of the album are constantly shifting between a more traditional approach to songwriting (mostly represented by Potron’s songs) and a different, free-form approach reminiscent of the psychedelic folk of the late 60s/early 70s merged with afrobeat rhythms (mostly represented by Van Cleef’s songs).
The closing song, the title track is the only song written by both musicians: Potron wrote the music and played the guitar, while Van Cleef sang and wrote the lyrics, dedicated to his late mother, who passed away at the end of March.
This is a collaboration between different musicians and an independent record company with a real producer, just like in the days of old, when music was not just digital ephemera, but something meant to last.

SIDE A
01 Rise Above All Gods
02 You Can’t Hide Your Love Away
03 Gang Of Boyz
04 Mozuela
05 In Zaire

SIDE B
01 Spiderweb Blues
02 Kay Zansét
03 You And I Were Born For Better Things
04 500 Miles Away
05 Safari Station (A Nice Place To Be)

Das Duo Dream.box - bestehend aus der Sängerin Yvonne Dombrowski und der Harfenistin Marie Schroeder - gründete sich 2020 in Hamburg. Die beiden Musikerinnen lernten sich bereits 2018 kennen und beschlossen im vergangenen Jahr, als die Corona-Pandemie fast alle konzertanten Aktivitäten verhinderte, gemeinsam ein Programm zu erarbeiten, um der eigenen künstlerischen Entwicklung Auftrieb zu verschaffen. Aus einer Freundschaft erwuchs eine tiefe musikalische Verbundenheit, in der die klassische Expertise Marie Schroeders und der im Jazzgesang verwurzelte Stimmgebrauch Yvonne Dombrowskis zu einem betörenden Mix zusammenfinden: Die ungewöhnliche Besetzung fasziniert und zieht die Zuhörer*innen in ihren Bann. Das Programm des Duos speist sich aus verschiedenen Strömungen, was zum Teil in der Ausbildung der Musikerinnen begründet liegt. Während Yvonne in Osnabrück unter anderem Jazzgesang studierte, absolvierte Marie in Berlin ein Studium zur klassischen Konzertharfenistin. Dementsprechend haben beide Stilrichtungen Einfluss auf das gemeinsame musikalische Schaffen. Gleichzeitig fällt es schwer, ihre Musik einem bestimmten Genre zuzuordnen. Dream.box ist etwas ganz Eigenes. Die Arrangements werden extra für das Duo geschrieben.

Nun stellen Yvonne und Marie ihr erstes Album „Mittwinter“ vor. Zu hören sind sowohl bekannte als auch unbekanntere winterliche und weihnachtliche Stücke in neuen, feinfühligen Interpretationen, welche immer wieder aufgrund ihres Facettenreichtums überraschen. In der dunklen und kalten Jahreszeit lädt „Mittwinter“ dazu ein, es sich mit einer Tasse Tee vor dem Kamin gemütlich zu machen, zu lauschen und vielleicht ein bisschen zu träumen. 

01 All Through The Night
02 Silver Bells
03 Christmas In The Old Man's Hat
04 In The Bleak Midwinter
05 Carol Of The Bells
06 Schlaf' Mein Kindelein
07 Good King Wenceslas
08 Es Wird Scho Glei Dumpa
09 Scarborough Fair
10 Let It Snow
11 What Are You Doing New Year's Eve?
12 I Want A Hippopotamus For Christmas

"Le Projet c'est que tout reste en désordre"... mit dieser Refrain-Punchline, die zugleich Slogan und Programm ist, ist Fontaine Wallace wieder da.
Mit ihrem ersten Album (2018) konnte die Band die Magie und den einzigartigen Stil von Superflu, der früheren Formation von Nicolas Falez, fortsetzen, mit einem immer noch unverwechselbaren stimmlichen Timbre, ganz nah und sanft. Bei Fontaine Wallace ist die Gruppendynamik spürbarer: Das Schlagzeug wird von Ludovic Morillon (Prohibition, Valparaiso, Yann Tiersen...) bedient, der sich nun einen prominenteren Platz erobert hat, ebenso wie die geschickt arrangierten Chöre von Cécile Beguery (Bass) und Fabrice de Battista (Keyboards).
Für sein zweites Album, Le Projet, hat das Pariser Quartett zehn neue Lieder geschrieben, die den Versuch mehr als bestätigen und zweifellos zu den ausgereiftesten und bewegendsten Liedern in Nicolas Falez' Repertoire gehören. Eine warme Stimme mit präziser und kostbarer Diktion, leicht schleppend, fast taub, die komplizenhafte Stimme eines Vertrauten, der das Gewöhnliche mit außergewöhnlicher Schärfe untersucht und aus dem Herzen spricht, wie andere aus der Nase.
Der Autor und Erzähler spielt sich hier nie in den Vordergrund ("La faiblesse de mes analyses / m'a fait bouffer le noyau / et cracher la cerise"), aber schon zu Beginn des Albums wird klar, dass die Situationen immer mit bemerkenswerter Genauigkeit und Wortgewandtheit beschrieben werden. Falez ist unübertroffen darin, die großen Bewegungen der Welt mit den kleinen Bewegungen des Herzens zu beschreiben, das Universelle mit dem Intimen in einen Dialog zu bringen ("Au crépuscule de l'homme blanc / est-ce que tu veux encore de moi?"). Es geht auch viel um das Verlieren (Tu débarques avec la nuit) und das Verlorengehen (Dédalus), um verborgene Schätze und (Wieder-)Auffindungen. Es geht auch um das Altern, um Resignation und Akzeptanz, um Reue und die gelegentlich beruhigende Kraft von Erinnerungen.
Und auch wenn mehrere Stücke wie Lektionen in Demut klingen ("Gegen Ende des Tages / alles, was ich tun konnte / war dieses lächerliche Denkmal", "Das Schönste, was ich getan habe / war das Unnötige"), so sind es doch empfangene Lektionen, die nie gegeben wurden, und in dieser Hinsicht ist der Geist von Leonard Cohen nie weit entfernt.
Hinter diesen verregneten Erzählungen und poetischen Bekenntnissen steht eine Band auf dem Höhepunkt ihrer Kunst, die sich in der Übung des synkopierten Popsongs (Point Polka) ebenso wohl fühlt wie in der des lynchianischen Roadtrips (Fougère). Ein Album, in dem die Zweifel über die Gewissheiten, die Zerbrechlichkeit über die Prahlerei siegen und in dem die Instabilität eher gezähmt als gebändigt wird.

1. Le projet
2. La chanson d'amour cachée
3. Les systèmes finissants
4. Point Polka
5. Tu débarques avec la nuit
6. Dedalus
7. Sous les radars
8. Prends soin de ton amour
9. Fougère
10. Outre les mots

For four years now, Queen of the Meadow has been enchanting us with their delicate folk songs which have often been compared with the works of Nick Drake, Vashti Bunyan, Elliott Smith or Judee Sill. But it is high time we move away from those tutelary figures to recognize the fair value of the acoustic cathedrals erected by the discreet yet passionate duettists, as well as acknnowledge the almost child-like joy experienced while hearing them sing in harmony.
Helen Ferguson is a late bloomer who started writing a few years ago, driven by a profound impulse to depict her inner demons through radiant melodies.
On the other hand, Julien Pras has been known for almost 25 years as one of the deftest craftsmen when it comes to sensitive song writing. Together, they adorn of the finest fabric the songs that she prefers to compose in her native language. They overstitch the instruments, the sound of which he meticulously works on until a refined and elegant gown is obtained, meant to stand the test of time. The challenge was successfully met from the beginning with their debut album Aligned With Juniper (Tiny Room Rds, 2016) and more particularly with A Room to Store Happiness released in 2018 on Only Lovers Records which allowed them to tour and win the hearts of a wider audience beyond the scope of their original hometown Bordeaux, France.
All the subtleties of the 10 songs of their third album Survival of the Unfittest resulting from an asserted maturity and the obvious complicity of the duo, cannot be translated here. But right from the very first song "Smother", we are charmed by the agile intertwining of the guitars, the flight of vocals gliding above the clouds dripping crystalline notes of piano, the aptness of the rythmic beats paving the space until a tidal wave of panting voices bring the song to its climax to finally end in a peaceful acoustic arpeggio.
From a few dark-red drops in the snow, Helen observes, imagines, builds connexions with the blood shed by wild animals driven out of their territories ("La Louve"), the fear aroused by the heavy step of a familiar man one does not dare rebuff ("One More Chance"), the tormenting hunger on the path of exodus ("Rose of Sharon") or the irreversible power of an electroshock ("Dishonorable Discharge").
Thereby, the title Survival of the Unfittest was inspired by biologist Hebert Spencer’s expression referring to the natural selection which condemns the ones who were not born with the same chances to remain at the bottom of the ladder. But if we dig a little deeper into Helen’s lyrics, we see that she expands the definition to all marginals and other whipping boys. Or if we dare say « whipping girls » since women are another claimed source of inspiration : women who fight in their own ways to be heard and respected. Womanhood is explored through the themes of reverie ("Moonchild"), violence ("Princess Pride"), manipulation ("The King and the Hoe"), sensuality ("Modesta") or dancing (illustrated by the superimposition of the collodion photograph on the cover). Adopting an intimate point of view, Helen does not hesitate to call her
own family at the witness stand to reconcile substance and form in an ode to the strength of intergenerational bonds ("Honey"). And when the lyrics reveal too little, the sound effects chosen by Julien take over, drawing the missing words, building enchanting or menacing worlds but never imposing any unilateral interpretation.
Survival of the Unfittest is a new stone in Queen of the Meadow’s Garden of Delights which will hopefully serve as a talisman to repel depression and light the path for those who will have the curiosity to visit it.

01 Smother
02 Moonchild
03 Dishonorable Discharge
04 Honey
05 La Louve
06 Rose of Sharon
07 Princess Pride
08 One More Chance
09 The King and the Hoe
10 Modesta

For four years now, Queen of the Meadow has been enchanting us with their delicate folk songs which have often been compared with the works of Nick Drake, Vashti Bunyan, Elliott Smith or Judee Sill. But it is high time we move away from those tutelary figures to recognize the fair value of the acoustic cathedrals erected by the discreet yet passionate duettists, as well as acknnowledge the almost child-like joy experienced while hearing them sing in harmony.
Helen Ferguson is a late bloomer who started writing a few years ago, driven by a profound impulse to depict her inner demons through radiant melodies.
On the other hand, Julien Pras has been known for almost 25 years as one of the deftest craftsmen when it comes to sensitive song writing. Together, they adorn of the finest fabric the songs that she prefers to compose in her native language. They overstitch the instruments, the sound of which he meticulously works on until a refined and elegant gown is obtained, meant to stand the test of time. The challenge was successfully met from the beginning with their debut album Aligned With Juniper (Tiny Room Rds, 2016) and more particularly with A Room to Store Happiness released in 2018 on Only Lovers Records which allowed them to tour and win the hearts of a wider audience beyond the scope of their original hometown Bordeaux, France.
All the subtleties of the 10 songs of their third album Survival of the Unfittest resulting from an asserted maturity and the obvious complicity of the duo, cannot be translated here. But right from the very first song "Smother", we are charmed by the agile intertwining of the guitars, the flight of vocals gliding above the clouds dripping crystalline notes of piano, the aptness of the rythmic beats paving the space until a tidal wave of panting voices bring the song to its climax to finally end in a peaceful acoustic arpeggio.
From a few dark-red drops in the snow, Helen observes, imagines, builds connexions with the blood shed by wild animals driven out of their territories ("La Louve"), the fear aroused by the heavy step of a familiar man one does not dare rebuff ("One More Chance"), the tormenting hunger on the path of exodus ("Rose of Sharon") or the irreversible power of an electroshock ("Dishonorable Discharge").
Thereby, the title Survival of the Unfittest was inspired by biologist Hebert Spencer’s expression referring to the natural selection which condemns the ones who were not born with the same chances to remain at the bottom of the ladder. But if we dig a little deeper into Helen’s lyrics, we see that she expands the definition to all marginals and other whipping boys. Or if we dare say « whipping girls » since women are another claimed source of inspiration : women who fight in their own ways to be heard and respected. Womanhood is explored through the themes of reverie ("Moonchild"), violence ("Princess Pride"), manipulation ("The King and the Hoe"), sensuality ("Modesta") or dancing (illustrated by the superimposition of the collodion photograph on the cover). Adopting an intimate point of view, Helen does not hesitate to call her
own family at the witness stand to reconcile substance and form in an ode to the strength of intergenerational bonds ("Honey"). And when the lyrics reveal too little, the sound effects chosen by Julien take over, drawing the missing words, building enchanting or menacing worlds but never imposing any unilateral interpretation.
Survival of the Unfittest is a new stone in Queen of the Meadow’s Garden of Delights which will hopefully serve as a talisman to repel depression and light the path for those who will have the curiosity to visit it.

01 Smother
02 Moonchild
03 Dishonorable Discharge
04 Honey
05 La Louve
06 Rose of Sharon
07 Princess Pride
08 One More Chance
09 The King and the Hoe
10 Modesta