fattoria musica records

Manchmal sind die Reisen am besten, bei denen man auf seinem Sofa bleibt. Entspannt zurück gelehnt, mit einem Tee oder vielleicht etwas Stärkerem. Aleion laden mit ihrem Debüt inzwischen ein, um ein paar Erlebnisse, Geschichten, Geschmäcker, Stimmungen und Ideen zu teilen. Schnell entwickeln die Stücke ein Eigenleben. Plötzlich befinden wir uns auf einer Wanderung durch das Unterholz von Geige und Gitarre, in der es weniger um Anfänge, Ziele und fixe Pläne gehen soll, als viel mehr um das, was gerade passt, was zwischen uns ist.
„Inzwischen“ bringt acht frische Kompositionen mit. Aus dem Gepäck auf den Tisch: drei von Jonas Liesenfeld, drei von Alex Thinius und zwei zusammen verfasste. „Liederzyklops“, gespielt auf Guitarlele und der schwedischen Nyckelharpa, öffnet das Album mit einem ungewöhnlich leichten Gang. Die weiteren knapp fünfzig Minuten, sind der Geige und Gitarre gewidmet. Mal dichter, mal lockerer, mal schneller, mal langsamer – mal weites Feld, mal dunkle Höhle.
Das Artwork von Niels de Jong und die Produktion bei Steffen Lütke von Fattoria Musica geben der Musik von „Inzwischen“ den passenden Rahmen: eine Geige, eine Gitarre, ein Raum – live im Studio, auf einem alten Bauernhof, alles was zwischen Alex und Jonas entsteht. Mit einem letzten Blick zum Sternenhimmel und auf die noch nicht ganz volle Stunde, kommt das Gespräch mit „Lizzy“ zur Ruhe.
Aleion ist das Duo aus Jonas Liesenfeld (Violine) und Alex Thinius (Gitarre). 2013 sind die beiden einander im Konservatorium ArtEZ in Arnheim begegnet und gründeten das Trio Alerusjon mit. Ihre Musik beinhaltet all das, was sich zwischen Amsterdam und Wetter an der Ruhr findet. Nicht ganz ohne Absicht klingt Aleion immer wieder wahlverwandt mit Folk, Pop, Tango, Bossa Nova, Choro, Minimal Music, Barock, Renaissance, Flamenco, Impressionismus und Filmmusik.

1. Liederzyklops
2. Home And Dale
3. Humming
4. Stopped Writing Poems
5. Teil 13: Insame
6. Erdsee
7. Fantasie
8. Lizzy’s Lullaby

Die Musik von Ausfahrt ist verwurzelt in den eigenen Erfahrungen von Christina Zurhausen und folgt der Ästhetik des Grungerock. Die Bandleaderin, aus dem rauen Alltag des Ruhrgebietes kommend, komponiert die Songs der Band – Songs, welche trotz ihrer klaren Struktur und Melodik auf Improvisationen basieren und von Eingängigkeit geprägt sind.
Zurhausens Musik erzählt von liebenden und streitenden Welten, mit Hang zur Philosophie, im Versuch das zu Ergründen, was die Welt im Innersten zusammenhält. Stets das Ruhrgebiet in Gedanken, die erlebten 90er und geliebten 60er im Sinn.
Es geht um Emotionen, die tiefer liegen, und von den eingespielten Musikern mit moderner, rockiger Attitüde auf energetische Weise verarbeitet werden.

1. Kiss The Night Air
2. Grunge Mess
3. Tango Unchained
4. Vergessene Möglichkeiten
5. 221 B
6. Ornette Soul
7. Monks Honk
8. Krank
9. All The Walls I Strike My Head Against Are Inside My Head

Frei nach dem Motto „Alte Bekannte – Neue Band“ haben sich der Kölner Trompeter Matthias Bergmann und der Oldenburger Saxophonist Raimund Moritz nach vielen Jahren entschlossen, ein Bandprojekt mit ihren Lieblingsmusikern zu verwirklichen.
Die Hamburger Gitarristin Sandra Hempel, seit kurzem Mitglied der NDR Bigband, kam dabei ebenso schnell in den Sinn wie der kürzlich aus New York nach Hannover zurückgekehrte Bassist Peter Schwebs und der Oldenburger Schlagzeuger Christian Schoenefeldt.
Die daraufhin im März 2019 aufgenommene CD „Moodswing“ erscheint nun im September auf Fattoria Musica Records, dem Label des Studios in Osnabrück, wo die Aufnahme entstand. Sie enthält überwiegend Eigenkompositionen der beiden Bandleader, so z.B. die Ballade „Stray“ die Bergmann dem Komponisten Billy Strayhorn gewidmet hat oder „One for Bob“, Moritz’ Hommage an den Saxophonisten Bob Mintzer.
Jeweils eine Komposition des Trompeters Bert Joris und des Saxophonisten Jerry Bergonzi vervollständigen das Album, dessen Musik modern und zeitgemäß, dabei aber stets melodisch und swingend daherkommt.

01 South Of The Border
02 Almost Never
03 What Would Ripky Do?
04 Stray
05 One For Bob
06 September Still
07 On The Brink
08 Moodswing
09 For The Time Being

The Doppler Trio is a new German/Dutch piano trio, 

the trio consist of three young musicians who met each other at the Conservatory in Arnhem in the Netherlands. Together they discovered their love for modern jazz music.

They developed their own atmospheric, narrative jazz sound with a special focus on the story behind the music, which is told every night again in a new and unique way. Within those songs the trio uses unconventional ideas such as effects over the acoustic piano and instruments such as the didgeridoo and Indian Percussion.
They just recorded their first CD: Nebula, which will be released the 10th of January on all platforms. You can expect songs of this CD combined with new songs and improvisations.

01. Dune
02. Star
03. Enemy
04. Moondust
05. B.D.B.C.
06. Laika
07. Birth

Synesthesia is the perceptual phenomenon in which stimulation of one sensory pathway (like hearing) leads to automatic, involuntary experiences in the second sensory pathway (like seeing). The compositions are short pieces that feature improvisation in different ways.
When I reflect on the process that resulted in these compositions, my personal interpretation of the Visions Fugitives by Prokofiev comes to mind: Prokofiev’s pieces are fleeting, experienced intensely in the moment and then remembered in the unconscious, like dreams in which detailed events take place, which are diluted into memories of strong atmospheres after awakening.  Nevertheless, the question whether sound or music is related or connected to anything else outside of sound is unanswerable; the question why people listen to music emerges from within that question. Possibly, the answer can be found in dreaming.
We only realize after a dream that the events that took place were completely illogical and absurd, while making perfect sense in the dream itself, dreams being places of seemingly limitless imagination. When experiencing art, we can immerse ourselves into a moment devoid of the limits of our capacity to think within the boundaries of time and logic, as if we are dreaming. In my experience, my favorite art conceives such a state. When optimally performing music, improvised or composed, a similar state of mind is achieved by the performer, inviting the audience to stop thinking and start dreaming.  Besides the piano trio being featured throughout the set I am delighted that two compositions will feature vocalists in different constellations.
The nature and quality of the human voice resulted in my love for the synthesizer that will also be featured in a selection of compositions. For me personally, the highlight of this project is the premiere of our collaboration with Jaromir Mulders, an audio-visual composer who will provide moving visual art during the release concert in the BIMHUIS. His work is conceived in a similar way to the way a jazz musician creates, leaving actual results to inspiration in the moment while having carefully prepared possible scenarios.  In the search for intense atmospheres in modern art I discovered Tarik Barri, an artist who I am thrilled to have worked with for the artwork of the CD and LP.
His digital creation uses the sound of “II” as computer input, a literal synesthesia. I explored this concept further by trying to imagine sound when reading the poem Bis by Amsterdam based poet and scenarist Randa Peters, resulting in “IX”.

01. Vf
02. I
03. XI
04. II
05. Va
06. III
07. Vb
08. VII

Das contemporary jazz piano Trio mit David K. Ehlers, Claas-Hennig Dorries und Ingvar kommt mit ihrem neuen Album zurück auf die Bühnen. Nah berührend, tief bewegt und voll Dankbarkeit erzählt WALDLOS von den letzten und vielleicht auch den nächsten Jahren.
Eins ist gewiss. Sobald die ersten Klange den Raum erfüllen, ziehen die drei Musiker ihre Zuhörer*innen in einen Bann, aus dem sie erst nach Konzertende wieder entlassen werden. Ganz gleich, ob auf großen Buhnen oder in kleinen Wohnzimmern. Mit Einflüssen aus zeitgenössischem Jazz aber auch Passagen, die eher populärer Musik zugeschrieben werden, schafft FouFou einen autarken, freien Sound, welcher zu den unterschiedlichsten Anlassen passt.

01 Lass den Sommer gehen
02 Prokrastination
03 Ich steh zu dir
04 Waldlos
05 Medaase
06 Helix

Im durchtechnisierten und nach größtmöglicher Effizienz strebenden Jetzt, scheint die Natur oft mehr Hindernis als Bereicherung zu sein. Dabei offenbart sie bei näherer Betrachtung unnachahmliche Perfektion in ihren vielfältigen Erscheinungen und eng verzahnten Strukturen. Frés Debütalbum “Nature’s Songs“ widmet sich in zehn Stücken dem verloren geglaubten Blick auf die verschiedenen, wundersamen Aspekte der Natur. Inspiriert von eben dieser und von den vier jungen Musiker*innen im Licht des Zeitgeistes betrachtet, entstand ein Konzeptalbum, das die tiefe und ursprünglichste Verbundenheit von uns Menschen mit der Natur neu entfacht und uns ermutigt, wieder zu Staunen - über Farben, Formen, Flora und Fauna. Über die Natur an sich.
Das Konzept, das sich die erst 21 Jahre junge niederländische Sängerin Frederike Berendsen für das Album überlegte, ist tief mit ihrem eigenen Leben verbunden. Aufgewachsen auf einem Hof im ländlichen Osten der Niederlande, spielte die Natur schon immer eine große Rolle in ihrem Leben und ihrem Umfeld. Ihr Ziel: ehrliche Musik zu spielen, die ihre Gedanken und Sorgen als junge Erwachsene in der heutigen Gesellschaft, aber auch ihren Optimismus und ihre Verbundenheit zur Natur und ihrer Umwelt widerspiegelt. Vor zwei Jahren begann sie deshalb mit den ersten Song-Skizzen für das, was nun als “Nature’s Songs“ mit ihrer Band Fré Blüten treibt.
Das gesamte Album wurde innerhalb von drei Tagen live in den Fattoria Musica Studios bei Osnabrück eingespielt. "Ursprünglich hatten Julian und ich ,Nature’s Songs’ als Duoprojekt konzipiert, aber es wurde sehr schnell deutlich, dass all die Ideen und Klänge, die ich für das Projekt im Kopf hatte, nach mehr klanglicher Vielfalt verlangten.", erzählt Berendsen.
Um das Konzept des Albums über die Musik hinaus umzusetzen wurde das Album so umweltfreundlich wie möglich produziert. Dies beinhaltet unter anderem aus FSC-zertifiziertem Papier hergestellte CD-Hüllen, den größtmöglichen Verzicht auf Plastik im Merchandise und der CD „und meine vegetarische Verköstigung der Band während der Studioaufnahmen!“, grinst Berendsen. Mit “Nature’s Songs“ legt die junge Band Fré ein erstaunlich erwachsenes und abwechslungsreiches Debütalbum vor, das musikalisch voll in der Jetztzeit steht und konzeptuell die Gegenwart und Zukunft im Hinblick auf uns und unsere Umwelt hinterfragt. Vor allem aber strotzt es vor Liebe zur Natur mit ihren kleinen und großen Wundern.

01 The Sun
02 Colors
03 Grains Of Sand
04 Trees
05 Bees
06 The Moon
07 The Sea
08 Ice
09 Weeds
10 Raindrops

Gut Ding will Weile haben: Zehn Songs befinden sich auf dem Zweitwerk der Insolvent Insomniacs. Zehn Songs, die über einen Zeitraum von insgesamt fast fünf Jahren und über Distanzen von hunderten Kilometern entstanden sind. Dementsprechend divers sind die Einflüsse, die man überall „zwischen den Zeilen“ heraushört: Neben den üblichen verdächtigen Ska- und Reggae-Offbeats, gespickt mit bis zu vierstimmigen Bläserriffs, finden sich Elemente aus Punk, Rock, Dub und Weltmusik bis hin zu Hip Hop.
Trotz dieser Vielfalt schaffen es die sieben Musikerinnen und Musiker, einen homogenen und zugleich facettenreichen Sound zu kreieren und in runde Songs zu packen. Dabei sind tighte Rhythmen, dynamische Bläsersätze und harmonische Gesangspassagen nicht zuletzt das Ergebnis einer seit vielen Jahren gefestigten Besetzung.
Auch textlich ist das Songwriting gereift: Man findet sich auf ehrliche Weise irgendwo im Nirgendwo zwischen den Ambivalenzen und Unsicherheiten dieser Welt und genießt dabei doch vor allem die Freiheiten, die sich dadurch bieten und den Weg für Neues öffnen. So ist das zweite Album der Osnabrücker Band auch ein Album über die Konstante im Aufbruch, die Kraft der eigenen Entscheidung und die Lichtblicke an scheinbar grauen Tagen.

„Cause somewhere between the lines of false and true I'll make it through.”

1. 54°
2. Tonight
3. Choices
4. Man Overbored
5. For All I’m Worth
6. Vaccine
7. As Time Goes By
8. Waifs And Strays
9. Between The Lines
10. Immer da

Jacob Fortyhands kommen aus Lohne, einem kleinen Städtchen zwischen Bremen und Osnabrück. Aber eigentlich würde man die Newcomer mit ihren unverwechselbaren Gesangsmelodien und ihrem tanzbaren Indiepop eher aus dem Norden Englands vermuten.

Die fünfköpfige Band liefert englischsprachige Songs, die Lust auf Roadtrips und laue Sommerabende machen - kurzum: Ihre Lieder wecken ein Gefühl von Sehnsucht und Vertrautheit. Anfangs als Projekt gedacht, wurde Jacob Fortyhands vor mehreren Jahren von Lukas (Gesang & Gitarre), Carsten (Drums) und Hendrik (Gitarre) gegründet. Als 2017 der damalige Bassist ausfiel, wurde Lukas’ Bruder Jakob (Bass) kurzum zum neuen Mitglied und aus „einem Projekt“ wurde ihre Band. Seit 2019 komplettiert Till (Synths & Keys) das Quintett.

Sie kreieren eine Mischung aus introvertierten Texten, die Platz zum Nachdenken bieten und eingängigen Hooks, die sofort im Ohr bleiben. Mit gerade mal Anfang 20 haben sich Jacob Fortyhands einen Sound erschaffen, der sowohl modern klingt, als auch auf kreative Weise ihre Einflüsse aus Folk und Pop-Rock der 80er, im Stil von The Police oder Genesis, widerspiegelt.

01 High Tides
02 Daisy
03 Chase For Gold
04 Great Heights
05 Straighten Up
06 Motion

Das Trio um den Pianisten Jan Alexander befindet sich auf der ständigen Suche nach Unbekanntem innerhalb eines vertrauten Kontexts. Dabei dienen den drei Musikern Eigenkompositionen aus dem Bereich des Modern Jazz als Ausgangspunkt und Rahmen für das neue Ausloten von scheinbaren Gegebenheiten. Dass sich die Stücke auch inhaltlich um Themen wie Rastlosigkeit, Auf-der-Suche-Sein und Wandel bewegen, scheint kein Zufall zu sein.
Mit Michael Knippschild am Schlagzeug und Calvin Lennig am Kontrabass hat Jan Alexander Mitmusiker gefunden, die ihm gleichzeitig das Fundament und den Raum geben, sich frei und ohne Einschränkungen improvisatorisch entfalten zu können.
Mit „Of Memories To Come“ veröffentlicht das Trio im Oktober 2019 sein Debütalbum. Als Feature-Gast ist die Kölner Trompeterin Heidi Bayer bei drei Songs zu hören.

Jan Alexander – Piano, Synthesizer
Calvin Lennig – Kontrabass
Michael Knippschild – Schlagzeug
Special Guest: Heidi Bayer - Flügelhorn

01 Sublime
02 Of Memories To Come
03 Finding Happiness (Interlude)
04 Hastily Hesitant 05 Fumblin’
06 On The Verge (feat. Heidi Bayer)
07 Wandering
08 Ease My Mind
09 Reprise (Interlude)
10 Tightrope Walk (feat. Heidi Bayer)
11 Mantra (feat. Heidi Bayer)

„Alright“ heißt die erste EP der Osnabrücker Jazzsängerin Johanna Schmoll (geb. 11.05.1997). Im Sommer 2019 schloss sie mit dem gleichnamigen Programm ihr Studium am Institut für Musik ab. Nun erscheint im März die EP (Fattoria Musica Records), auf der die junge Sängerin von einer großartigen Band begleitet wird, bestehend aus Nils Bölting (Gitarre), Luca Dechert (Schlagzeug), Matthias Banse (Bass und Keyboard), Mechal Bork (Bratsche) und Pia Schmoll (Violine).
Die Kompositionen stammen aus der Feder der Sängerin. Schöne Melodien und Texte werden in einem soulig-poppigen Gewand präsentiert. Johannas musikalischen Einflüsse aus Jazz, Soul, Gospel aber auch Klassik sind deutlich zu hören und bilden einen wunderbaren und speziellen Charakter.

01 Alright
02 Stronger
03 Rumour Has It
04 Secret Love

We - Augustas Baronas on drums, Tijs Klaassen on double bass and Josse van der Schaft on piano - recorded our debut album titled „Hollow“ last summer in Osnabrück, Germany. We'll be releasing the album on February 2nd 2018 with the newly founded German label Fattoria Musica Records.
We've attended the Conservatory of Amsterdam and Boyer College of Music in Philadelphia and met while studying in the Master program of the Conservatory in Amsterdam in 2016.
While playing our original material it is our goal is to find a balance between intensity and playfulness, simplicity and expressiveness. Hollow consists out of originals by the band leader, and is inspired by classical music from the 20th century (amongst others Alban Berg, Olivier Messiaen and Maurice Ravel) and contemporary European jazz music (amongst others Kenny Wheeler and Harmen Fraanje).

1. Hollow
2. Love Always
3. Celiaans
4. Hoep Oost
5. Bambino
6. Soma
7. Hoep West
8. Maison Rouge
9. True

01 Sticking to the Principle
02 Quasimodo
03 Fata Morgana
04 Flicker
05 Midnight Mood
06 Two Cherry Trees

Common Myths are stories and sagas conceived by humans to connect people to help them live and work together in groups and societies. Politics, money and human rights are among the things we can call Common Myths. They only exist and function when a substantial group of people believes in them.
On the debut album of the Mo van der Does Quartet, the band shares the Common Myths of their musical world. The musical stories and concepts which they believe in and which holds them together as a band. Through improvisation and interaction, they explore the music and try to tell these stories.
The young Mo van der Does Quartet explores the compositions of Mo van der Does with improvisation and interaction as driving force. The band members are among the most promising musicians from the Dutch jazz scene. With unconditional trust in each other, they seek out the limits of their musical world on stage and are constantly challenging each other.
The absence of a harmonic instrument provides a creative challenge - of dealing with both the freedom and the limitations that this line-up creates. After their debut show at the Uitmarkt 2017, they have performed at venues and festivals such as the BIMhuis, InJazz and the Grachtenfestival and won prizes including the Expression of Art Award and the CTA. Their debut album Common Myths is now available.

01 Opener
02 Kingshouse
03 The Unknown
04 Circumstantial
05 Common Myths
06 Prela
07 Rannoch's Mist
08 August Crisis (Opener Reprise)

Wie eine Hommage an die natürliche Schönheit und Freiheit, aber auch an die dunkle und fantastische Mystik Skandinaviens, thematisiert das Nordsnø Ensemble in „Om svalor och smälvatten“ (von Schwalben und Schmelzwasser) musikalisch die Poesie des Lebens. Am 27.11.2020 erscheint bei Fattoria Musica Records das bereits zweite Album des Ensembles. Ihre Musik vereint skandinavische Folklore mit Modernem Jazz, wobei auf dem neuen Album auch Elemente aus Progressive Rock und elektronischer Musik die Stücke geschmackvoll einfärben. In der Suite „Snöporten“ wird das Ensemble von einem Streichquartett ergänzt. Das Stück wurde in einer Kooperationsarbeit des Komponisten und Arrangeurs Vincent Dombrowski und der schwedischen Sängerin Anna Arco komponiert und stellt den Höhepunkt des Albums dar. Der außergewöhnlicher Spannungsbogen von „Om svalor och smälvatten“, lässt die Musik in ihrer Dramaturgie zu einem Gesamtkunstwerk werden, das die fantastischsten Bilder skandinavischer Schönheit in den Köpfen aller Hörerinnen und Hörer entstehen lässt.

SIDE A
01 Den blomstertid nu kommer
02 Solveigs sang
03 Vuggevise (Noen kommer, noen går)
04 Till havs
SIDE B
01 Snöporten I
02 Snöporten II
03 Snöporten III
04 Då väntar ja vid vägarna

Wie eine Hommage an die natürliche Schönheit und Freiheit, aber auch an die dunkle und fantastische Mystik Skandinaviens, thematisiert das Nordsnø Ensemble in „Om svalor och smälvatten“ (von Schwalben und Schmelzwasser) musikalisch die Poesie des Lebens. Am 27.11.2020 erscheint bei Fattoria Musica Records das bereits zweite Album des Ensembles. Ihre Musik vereint skandinavische Folklore mit Modernem Jazz, wobei auf dem neuen Album auch Elemente aus Progressive Rock und elektronischer Musik die Stücke geschmackvoll einfärben. In der Suite „Snöporten“ wird das Ensemble von einem Streichquartett ergänzt. Das Stück wurde in einer Kooperationsarbeit des Komponisten und Arrangeurs Vincent Dombrowski und der schwedischen Sängerin Anna Arco komponiert und stellt den Höhepunkt des Albums dar. Der außergewöhnlicher Spannungsbogen von „Om svalor och smälvatten“, lässt die Musik in ihrer Dramaturgie zu einem Gesamtkunstwerk werden, das die fantastischsten Bilder skandinavischer Schönheit in den Köpfen aller Hörerinnen und Hörer entstehen lässt.

01 Den blomstertid nu kommer
02 Solveigs sang
03 Då väntar ja vid vägarna
04 Snöporten I
05 Snöporten II
06 Snöporten III
07 Inge hinner fram till den eviga ron
08 Vuggevise (Noen kommer, noen går)
09 Till havs

Das Quintett um den Bassisten Tim Steiner, Burkard Ruppaner (Drums), Lars Breitinger (Gitarre), Jan Bostelmann (Sax) und David K. Ehlers (Keys) konnte für die Verwirklichung des neuen Albums mit Elin Bell eine ausdrucksstarke Sängerin dazu gewinnen.
Die Songs der Band steinerTIME feat. Elin Bell erinnern an faszinierende Erzählungen und erschaffenen eine mitreißende Atmosphäre. Die Musik, mal filigran, mal druckvoll, aber stets harmonisch und unverwechselbar, wird dabei von Texten aus der Feder von Elin Bell unterstützt.

1. What It’s All About
2. Hold Still, My Heart
3. We Go Astray
4. These Voices
5. Take Me To The Sea
6. Waltz
7. No Air
8. Anima

Die Jazzsängerin Stephanie K. präsentiert ihr viertes Soloalbum. Mit ihrem Ensemble beleuchtet sie mittels emotional vielschichtiger Songs zahlreiche Facetten des Lebens: Liebe, Verlust, Nostalgie, Humor.
Acht dieser dreizehn Stücke sind Eigenkompositionen. Darüber hinaus verfasste Stephanie K. Songtexte für drei Stücke, die von den bekannten Jazzmusikern Joe Locke (A Word Before You Go), Geoffrey Keezer (Honu) und Emanuel Hauptmann (Breaking Ice) komponiert wurden. Zusätzlich beinhaltet das Album Interpretationen von Joni Mitchels „Big Yellow Taxi“ und Lennon/McCartneys „She’s Leaving Home“.
Wir laden Sie herzlich ein, sich im Zauber dieser „Jazz-Conversation“ zu verlieren. Spüren Sie, wie Sebastian Altekamp (Piano) und Ingo Senst (Bass) die Themenkomplexe des Albums harmonisch miteinander verflechten. Lassen Sie sich von der Welle treiben, die durch Christian Schoenefeldt (Drums) und Markus Paßlick (Percussion) geformt wird und erleben Sie die farbenfrohe Klangvielfalt, die Christian Kappe (Trompete/Flügelhorn) mit seinen Instrumenten kreiert.

1. A Word Before You Go
2. Side Dish
3. Ignorance Is Bliss
4. Honu
5. Don’t Friend Me On Facebook
6. She’s Leaving Home
7. Big Yellow Taxi
8. If I Had A Sister
9. Breaking Ice
10. The Bold
11. Watch Your Step
12. Adjusted To Silence
13. Take Me Back

Es gibt Musik, die eigene Welten schafft. Die einen einhüllt in eine Klangdecke und mit auf die Reise nimmt. Tabeah's Musik tut das.
Mit ihrem ersten Album veröffentlicht Tabeah eine unprätentiös intime und große Musik, die an eine Filmmusik von Sigur Ros erinnert. „Dieses Album ist meine Suche nach der absoluten Freiheit, die sich zwischen der verspielten Kindlichkeit und der wahnsinnig starken Wildheit meiner Seele bewegt“, erklärt Tabeah.
Auf der CD „Stars At Eye-Height“ (Fattoria Musica Records) hat jeder Song seine eigene Klangsprache. Mal flüstert die Musik zerbrechlich zart, mal tänzelt alles im witzelndem Pizzicato und mal wird in einer Epik der Spannungsbogen bis an die Grenze gedehnt, dass man am Ende der Reise gerade noch das Gefühl hat, heil angekommen zu sein. Sphärische und orchestrale Gitarren- und Streicherklänge, getrieben von der Rhythmusgruppe und eine unverkennbar expressive Stimme, die klar darüber fliegt. Es sind kunstvolle Lieder, fast Pop, nicht so recht Post-Rock, viel Weltmusik mit klassischen Elementen und Melodien wie Filmmusiken.
Die Songs dieser CD sind beinahe politisch doch zu poetisch, um sich darauf zu beschränken. Der riesige Löwe im Song „Poetic Machine“ hat genug von der Kleinlichkeit der Welt und fliegt in seinem Traum zu größeren Horizonten. In „Just For Now“ sucht Tabeah ihre Ursprünglichkeit im Leben und singt vom Drang, wild durch den Wald zu toben, anstatt eine Leistungs-Machine zu sein. „Paper Piano“ dreht alles humorvoll auf den Kopf, um die Welt mal aus einer ganz anderen Perspektive zu sehen. Jedes dieser Kunstwerke will zur Freiheit und zur inneren Lebendigkeit. Spielerisch und fantasievoll, wild und herausfordernd oder ganz ursprünglich spirituell. Die Intimität und Tiefe dieser Werke berührt und öffnet. Man ist gleichzeitig weit weg und sich selbst ganz nah.

01 Poetic Machine
02 Moon Rising
03 On My Bare Feet
04 Acient Longing
05 Spaces I
06 Spaces II
07 Paper Piano
08 Roar Loud And Fly
09 Spaces III
10 Just For Now
11 The End
12 Schlaflied Für Anne

Eine weitverbreitete Musizierpraxis des 19. und dem Anfang des 20. Jahrhunderts war das vierhändige Klavierspiel, um die wichtigsten sinfonischen Werke auch zu Hause oder im kleinen Kreis erleben zu können. Brahms hat seine Sinfonien selbst für vier Hände bearbeitet. Trotz unvermeindlicher Reduktionen enthält die Gesamtpartitur die wichtigsten Parameter eines Werkes. Der Zuhörer entdeckt plötzlich viele, noch nicht gehörte Details des bekannten, orchestralen Werkes!
Die erste Sinfonie von Brahms ist 1876, nach 14 Jahren Vorbereitungen entstanden. Hans von Bülow nannte sie „die Zehnte“ nach den 9 Sinfonien von Beethoven. Sie unterscheidet sich aber deutlich von Beethovens Stil. Sie ist düster, tragisch, hoch chromatisch. Nur der letzte Satz erinnert mit dem hymnisch-erhabenen Thema in C-Dur an Beethovens „Neunte“.
Die Sinfonien von Haydn, hier die Hob. I: 45 „Abschiedssinfonie“ in fis-Moll, wurden von Hugo Ulrich für vier Hände bearbeitet. Diese Sinfonie ist das Symbol eines ersten Arbeitskampfes von Musikern geworden. Im letzten Satz verlassen sie nacheinander das Podium, um gegen die Arbeitsbedingungen unter Fürst Eszterházy zu protestieren, und mit Erfolg!
Das Osnabrücker Klavierduo Hee Jung Kim und Peter Florian wurde 2006 nach dem erfolgreichen Diplomabschluss mit Auszeichnung der jungen Koreanerin aus der Klavierklasse von Prof. Peter Florian an der Hochschule Osnabrück gegründet. Seitdem spielen sie regelmäßig in Deutschland und in vielen Ländern Europas und Asiens. Sie wurden zu Festivals in Russland, der Türkei und Süd-Korea eingeladen.
Einige Pressetitel: „Perfekte Harmonie und Präzision“, „Höchstleisungen auf wuchtigem Bösendorfer“, „Fulminantes Konzert“, „Ein Abend zum Staunen“.

01 Brahms Symphony No 1 C-minor, Un poco sostenuto - Allegro
02 Brahms, Symphony No 1 C-minor, Andante sostenuto
03 Brahms, Symphony No 1 C-minor, Poco Allegretto e grazioso
04 Brahms, Symphony No 1 C-minor, Adagio - Più Andante - Allegro non troppo, ma con brio
05 Haydn, Symphony No 45 F-sharp minor, Allegro assai
06 Haydn, Symphony No 45 F-sharp minor, Adagio
07 Haydn, Symphony No 45 F-sharp minor, Menuetto
08 Haydn, Symphony No 45 F-sharp minor, Presto
09 Haydn, Symphony No 45 F-sharp minor, Adagio

Am Anfang stand das „Weniger ist mehr“. Nachdem man es zuerst in Fünfer- oder Vierer-Konstellationen probiert hatte, wuchs die junge Hamburger Band Van Deyk schließlich zum Trio - und ist sehr glücklich damit. Namensgeber Dominic Van Deyk, Robert Holstein und Mathias Blässe schreiben ihre Musik gemeinsam, spielen jeder verschiedene Instrumente - teilweise simultan - und singen gerne dreistimmig.
Fünf Songs hat die Band jetzt auf ihrer ersten EP „Happy People“ versammelt und die machen zwei Dinge zugleich: hellhörig und gute Laune. Schön arrangiert, aber keinem Konzept untergeben. Oft heiter, ohne jemals oberflächlich zu werden und mit Melodien gespickt, die einem vor allem deshalb nicht aus dem Kopf gehen, weil man sie genau da behalten will. Der Charme und die Leichtigkeit der Musik erinnert an den Sound von Phoenix oder Jason Mraz, der Überschwang der Darbietung zuweilen an The Lumineers, während die emotionale Tiefe des Songwritings auf Vorbilder wie Coldplay verweist.
Letztendlich klingen Van Deyk ungefähr so perfekt unperfekt nach gemachten Erfahrungen, Leidenschaft und der Freundschaft dreier Musiker, wie sich das Castingshow-Zuschauer so verzweifelt wie vergeblich erhoffen. Aber guter Pop war eben noch nie das Werk von Visagisten, Couturiers und Zynikern. Sondern, wie einfach es sich auch anhören mag: leidenschaftlichen Musikern. Und das wird sich auch nie ändern.

01 Feeling Fine
02 The Northern Tree
03 Happy People
04 JoAnn
05 Swing By Your House

„Personality Standards Vol. 1“ ist der erste Meilenstein von Michael Gudenkaufs und Eike Wulfmeiers Gemeinschaftsprojekt, das dem Finden und Erforschen der eigenen musikalischen Persönlichkeit gewidmet ist. Auf ihrem Weg werden sie den renommiertesten europäischen Jazzmusikern begegnen. Ihre erste Reise führt sie zum niederländischen Ausnahmegitarristen Jesse van Ruller, der u.a. der erste europäische Träger des Thelonious Monk Awards ist. Die Band wird komplettiert durch den Schlagzeuger Christian Schoenefeldt. Das erste Etappenziel, das Album „Personality Standards Vol. 1“, wird heute vorgestellt.
Die Band besteht aus vier ausgezeichneten Musikern, die improvisierte Musik im besten Sinne der Jazztradition spielen. Nicht die Kompositionen stehen im Vordergrund, sondern sind vielmehr Grundlage für ausgedehnte Improvisationen dieser vier einzigartigen musikalischen Persönlichkeiten.

1. Little Loose Ends
2. April
3. Perpetuum Delirium
4. Beyond Speaking
5. Honeysuckle Rose
6. The Beltfort House
7. Zeitlupe
8. In Walked Bud

Unter dem Titel „Day/Night" präsentiert der Kammerchor Vokalconsort Osnabrück unter der Leitung von Stephan Lutermann Werke von der Renaissance bis zur Moderne. Das Licht und die Dunkelheit sind die zentralen Themen der ausgewählten Kompositionen von Palestrina, Brahms, Whitacre, Britten und anderen, die den Hörer Tag und Abend, Wachen und Schlaf atmosphärisch dicht erleben lassen.
Das Vokalconsort Osnabrück hat mit seinen innovativen Konzertformaten und seinem exzellenten Chorklang das Konzertpublikum im In- und Ausland immer wieder begeistert. Der Kammerchor besteht aus 34 Sängerinnen und Sängern, deren Paradedisziplin das A-capella-Singen ist. Mehrere Auszeichnungen bei internationalen Wettbewerben sprechen für die hohe Qualität des Ensembles.

AMBROŽ ČOPI (*1973)
01 Sing joyfully (2015)
GIOVANNI PIERLUIGI DA PALESTRINA (1525 - 1593)
02 Sicut cervus desiderat ad fontes ARVO PÄRT (*1935)
03 The deer’s cry (2007)
RENÉ CLAUSEN (*1953)
04 All that hath life and breath (1978) SOLO: MAREIKE SCHRÖDER ERIC WHITACRE (*1970)
05 Oculi omnium (2010) SOLO: CHARLOTTE ISBANER BENJAMIN BRITTEN (1913 - 1976)
06 Advanced democracy (1938) AMBROŽ ČOPI (*1973)

Ergreifend verbinden Yvoe Ree (Stimme) und Vincent Dombrowski (Klavier/Seaboard) in ihrem Duo lyrische Melodien, vom Jazz gefärbte Klänge und Art-Pop Elemente zu bewegenden Kompositionen.
Die musikalische Darbietung, verfeinert durch Sprache, fasziniert auf allen Ebenen des Erfassens durch künstlerische Intensität und liebevolle Expression. Verbunden durch ihr Vertrauen ineinander, die gemeinsame musikalische Vision und ihren Ausdruckswillen, schaffen YvoeRee eine Umgebung emotionalen Ausdrucks, die das Publikum unweigerlich erfasst!
Seit 2016 musiziert das Hamburger Duo gemeinsam. Der sehr individuelle Sound ihrer Musik ist u.a. geprägt durch KünstlerInnen wie Björk, Jeanne Lee, Jonathan Hart Makwaia oder Joni Mitchell. Tiefgründig poetische Texte bilden malerisch Geschichten ab, deren Botschaften metaphorisch vielschichtig auf die Rezipierenden einwirken. Jeder Song zeichnet durch seinen eigenen Charakter eine neue Farbe in das Konzertprogramm. Dies wird unterstützt durch den vielseitigen, auch experimentellen Stimmgebrauch der Vokalistin Yvoe Ree, der nahezu verschmilzt mit den begleitend singenden Klavierlinien ihres Partners Vincent Dombrowksi. Die innigen Kompositionen bieten emotionalen Interpretationsfreiraum und laden ein, mitzufühlen und über das Konzerterlebnis hinaus weiter zu empfinden.

01 Rooftop
02 So Soft
03 Koloss
04 Song For Agnes
05 Vivo
06 Mr. Chapman
07 Birdies
08 Ivory Tower
09 Josephina
10 Irgendwo auf der Welt