Pop

Vorbestellung - Auslieferung zum Release am 11.03.22

Hand aufs Herz – das fünfte Album von DER TO, alias Tonja und gleichzeitig sein bislang bestes Werk zum 12-jährigen Jubiläum.
Im letzten Jahr stellte sich der gebürtige Celler oft die Frage, wie es anderen Musikern wohl in dieser verrückten Corona-Zeit ergangen ist. Wenn man nicht das machen kann, was man am liebsten macht – nämlich rausgehen und Musik machen. Aufhören war für Tonja aber nie eine Option.
So kreuzten zwei Musiker seinen Weg, die in den vergangenen 18 Monaten an der Entstehung und Umsetzung von „Hand aufs Herz“ maßgeblich mitwirken sollten. Es war kein großes Produktions-Studio für die Aufnahmen nötig. Im kleinen Musik-Studio von Bassist Ingo entstanden zusammen mit Gitarrist Kai und Tonja 13 Songs, die es in sich haben.
Mit Ingo und Kai hat er zwei Wegbegleiter an seiner Seite, die seine musikalischen Ziele, Visionen und seine Liebe zum Detail genau verstehen, ergänzen und perfektionieren. Ein Dream-Team hat sich gefunden und das Ergebnis der vielen Abende intensiver Arbeit an jedem einzelnen Song lässt daran keinen Zweifel aufkommen.
Tonjas Motto, dass das Leben selbst die schönsten Lieder schreibt, hat sich erneut bewahrheitet. Egal ob es auf oder ab geht, ob ein Lockdown massiv die Freiheit einschränkt oder Ängste über die Zukunft für schlaflose Nächte sorgen – als überzeugter Optimist schaut Tonja stets nach vorn, denn auch schwere Zeiten und Stolpersteine sind akzeptabel, wenn man aus ihnen lernen kann.
Mit Songs wie „Familienbande“ trifft er zielgenau den Nerv aller Menschen, denen schwer ums Herz wird, wenn die Gedanken zur Mutter, zum Vater und zu den Geschwistern aus Kindheitstagen zurück schweifen. Ein sehr persönlicher Song, durch den Tonja seine Hörer auch in seine eigene Seele schauen lässt.
„Hand aufs Herz“ entführt uns in unterschiedlichste Emotionen und Empfindungen – warm, lässig, melancholisch, tanzbar, kritisch sind nur einige der Gefühle, denen Tonja, Ingo und Kai auf ihre ganz besondere Art und Weise Worte und Melodien verleihen. Überraschend anders als bisher und dennoch ganz eindeutig und unverwechselbar DER TO.

1. Der Träumer
2. Zehn
3. Hand aufs Herz
4. Herz verloren
5. Vom Punk zum Dad
6. Fallen
7. Schwarz-weiß
8. Familienbande
9. Sommerlang
10. Treibsand
11. Für ein Amen
12. Spiegelbild
13. Nur hier

„Blaue Sonne“ ist die vierte CD des Singer-Songwriters Marian Kleebaum und präsentiert wieder einen bunten Mix aus facettenreichen Klavierstücken und jazzigen Popsongs. Bereits der Titel des Albums bringt die Eigenwilligkeit des Künstlers zum Ausdruck, die sich durch all seine Texte und Kompositionen hindurchzieht.
Im Gegensatz zu seinen Vorgängern klingt „Blaue Sonne“ jedoch voller und vielschichtiger. Ein Grund dafür: Für seine neue CD hat sich Marian Kleebaum zum ersten Mal Unterstützung von anderen Musikern geholt. 7 der insgesamt 14 Titel wurden mit einer Band eingespielt, 7 weitere Songs sind reine Klavierstücke ohne Gesang.

1. Lama
2. Fehlfarben
3. Blaue Sonne
4. Frühstück
5. Der Frosch
6. Stückchen weiter
7. Das Moor
8. Die Ente
9. Ganz frei (part 2)
10. In einer Art weg von hier
11. Mein Echo
12. Der Adler
13. Der erste Song
14. Budapest

Incl. CD mit dem kompletten Buch zum Anhören, gelesen vom Autoren.

Kaspar Dornfeld ist der einzig wahre Ghostwriter dieses Planeten. Endlich liegt sein Erstlingswerk in materialisierter Form vor. Zum Anfassen, zum darin Blättern und zum Lesen. Was passiert nach dem Tod? Wer will das nicht wissen? Hier wird diese Frage endlich glasklar beantwortet, von einem, der es nun wirklich wissen muss.
Eingebettet sind diese grundlegend neuen Informationen über Sein und Werden in einen Mordfall im Umfeld einer Fernsehproduktionsfirma. Hauptkommissar Ernest Reemund und sein Team verfolgen verschiedene Spuren. Vergeblich. Könnte weniger Alkohol helfen, besseres Benehmen oder gar der Rat eines obdachlosen Quantenphysikers?

Die Single EP enthält Remixe der letzten Singles von The Brute : sowie den Soundtrack des Musik-Kurzfilms „Momentum To Die“.

01 Driving To You (Single Edit)
02 Driving To You (Maxi)
03 Absolute Disgrace (Lunacy Mix)
04 Driving To You (Road Mix)
05 Momentum To Die (OST)

Ein letztes Album vor dem Ende der Welt? Nesles neues Album könnte genau das sein. Nach dem organischen und extravaganten Permafrost enthüllt Arsenic mit dem Festival eine weitere Facette seines Autors, die eine Vielzahl von ihnen enthält - Schauspieler, hyperaktiver Dandy-Punk, der sich sowohl von Independent-Rock als auch von Literatur ernährt, Aktivist einer bestimmten französischsprachigen Szene , Evenings und Café Walden ... Durch das Eintauchen in diese multiplen Persönlichkeiten lüftet das Album den Schleier einer fremden Welt, die wir beim Tanzen verzehren. Ein Erlebnis, das Sie in seinen Bann zieht. Und aus dem niemand ungeschoren herauskommt.

Unter dem Einfluss dieses unwahrscheinlichen Tranks verlieren wir unseren Halt, wir stolpern. In einem ständig schwankenden Ablenkungsmanöver zwischen Schatten und Dämmerung dringt Arsen dann mit toxischer Schärfe in Ihre Adern ein. Von diesem Luxusgift saugen wir gierig jeden Tropfen aus.

Erneut von Alain Cluzeau produziert, gräbt Arsenic noch tiefer in die Furche, die Permafrost zu ziehen begonnen hat. Indem Arsenic die Ecken und Winkel von Rock- oder Folk-Klängen erforscht, die an elektronische Küsten gespült wurden, trifft Arsenic die Entscheidung, sich nicht zu entscheiden. Zwischen Bio und Digital. Zwischen Tag und Nacht. Zwischen Erde und Himmel. Die Beiträge von Matt Swanson (Lambchop), Armelle Pioline (Superbravo) oder einem Kinderchor vervollständigen das subtile Gerüst eines Hell-Dunkel-Klanggebäudes.
In einem letzten Paradox offenbart das Album außerdem unter seinen dunklen Atmosphären eine Energie, eine Lebenslust, eine Dynamik, die aus dem Herzen der Asche entspringt. Besser als ein Gift. Das ultimative Gegenmittel.

SIDE A
01 Pégase
02 Goudron
03 Spleen
04 Cassandre
05 Cyclamens

SIDE B
01 Fourrure Apache
02 Incendie
03 Sonatine
04 Arsenic
05 Sulfür

Ein letztes Album vor dem Ende der Welt? Nesles neues Album könnte genau das sein. Nach dem organischen und extravaganten Permafrost enthüllt Arsenic mit dem Festival eine weitere Facette seines Autors, die eine Vielzahl von ihnen enthält - Schauspieler, hyperaktiver Dandy-Punk, der sich sowohl von Independent-Rock als auch von Literatur ernährt, Aktivist einer bestimmten französischsprachigen Szene , Evenings und Café Walden ... Durch das Eintauchen in diese multiplen Persönlichkeiten lüftet das Album den Schleier einer fremden Welt, die wir beim Tanzen verzehren. Ein Erlebnis, das Sie in seinen Bann zieht. Und aus dem niemand ungeschoren herauskommt.

Unter dem Einfluss dieses unwahrscheinlichen Tranks verlieren wir unseren Halt, wir stolpern. In einem ständig schwankenden Ablenkungsmanöver zwischen Schatten und Dämmerung dringt Arsen dann mit toxischer Schärfe in Ihre Adern ein. Von diesem Luxusgift saugen wir gierig jeden Tropfen aus.

Erneut von Alain Cluzeau produziert, gräbt Arsenic noch tiefer in die Furche, die Permafrost zu ziehen begonnen hat. Indem Arsenic die Ecken und Winkel von Rock- oder Folk-Klängen erforscht, die an elektronische Küsten gespült wurden, trifft Arsenic die Entscheidung, sich nicht zu entscheiden. Zwischen Bio und Digital. Zwischen Tag und Nacht. Zwischen Erde und Himmel. Die Beiträge von Matt Swanson (Lambchop), Armelle Pioline (Superbravo) oder einem Kinderchor vervollständigen das subtile Gerüst eines Hell-Dunkel-Klanggebäudes.
In einem letzten Paradox offenbart das Album außerdem unter seinen dunklen Atmosphären eine Energie, eine Lebenslust, eine Dynamik, die aus dem Herzen der Asche entspringt. Besser als ein Gift. Das ultimative Gegenmittel.

01 Pégase
02 Goudron
03 Spleen
04 Cassandre
05 Cyclamens
06 Fourrure Apache
07 Incendie
08 Sonatine
09 Arsenic
10 Sulfür

01 A New Beginning
02 All For You
03 In My Head
04 Running To The Sun
05 Djungle Fever
06 Broken Wings
07 Morning Light
08 Never Too Late
09 Lovebusta
10 Lonely And Gone
11 The Flower Days
12 Ticket To L. A.
13 Where Are The Beatles

01 Rechts oder links
02 Norm
03 Ba Ba Barbara
04 Der Sommer kommt
05 Monotonie
06 Cowboy
07 Dieses eine Mal
08 Schlagerstar
09 Entspannt
10 Auf zum Capitol
11 Schlafe ein
12 Vater und Sohn

CD mit sechs Songs plus Hörbuch.

Der "Fahrstuhl des Lebens“ fährt in diesem Buch auf und ab, im wahrsten Sinne. Das autobiografische Werk von Friedel Geratsch ist Ruhrgebietsmilieustudie, persönliche und Bandgeschichte, eine Erzählung über Aufstieg und Abschwung, große Erfolge und schwere Krisen. Das alles mit der bisweilen groben ironischen Haltung, die den Lesern auch aus vielen Songtexten des Autors bekannt sein dürfte, nicht nur für die Band Geier Sturzflug, als deren Frontmann er in den 1980er Jahren bekannt wurde.
Innere Distanz zum äußerlichen Glamour und sture Weigerung, das Showbusiness ernst zu nehmen, brachten Friedel Geratsch charakterlich recht unbeschadet durch die letzten Jahrzehnte, viele Abschnitte des anekdotisch aufgebauten Buches belegen das. Häufig zeigen sie Stars von gestern und heute aus Friedels sehr eigener Perspektive. Ob es sich lohnt, dieses Buch zu lesen? Unbedingt! So viel Action findet sich selten zwischen zwei Buchdeckeln.
Aber eine Nebenwirkung hat es: Wer bis zum Ende liest, kommt auf den Hund, garantiert!

01 Sonntagskind
02 Lass es scheinen
03 Dein Lächseln
04 Verschiedene Welten
05 Fahr ich ab
06 Workout Fun

Corona hat viele Pläne durchkreuzt, aber hier und da auch neue Türen aufgemacht. So habe ich den letzten Winter genutzt und heraus gekommen ist diese kleine Winter- bzw. Weihnachts EP, bestehend aus einer Gedichtvertonung (WEIHNACHTEN von Else Lasker-Schüler), einer Eigenkomposition (SCHNEE AN NEUJAHR) und einer Coverversion (MARIA, AHNTEST DU in einer eigenen dt. Übersetzung). Alles im bekannt- beliebten Miss Rockestergewand mit Band, Streichquartett und ganz viel HERZ. Wer Winter und Weihnachten liebt ist mit dieser kleinen Scheibe mehr als gut beraten.

01 Schnee an Neujahr
02 Maria, ahntest du?
03 Weihnacht
04 Bonus: Weihnacht (Single Version 2020)

The Brute : ist ein Electronica Musikprojekt und verschmelzt progressiven Elektrosound, eingängigen Melodien mit fessekndem Gesang und einen Mix aus Electro-Pop-, Blues-, Industrial- und Rock-Einflüssen.
„Driving To You“ ist bereits die vierte Single des Musikprojektes nach seiner Gründung 2018 und wird auch als EP auf CD im Handel erscheinen. Die Single EP wird einige Remixe sowie dem Soundtrack des kurzen Musikfilms „Momentum To Die“ beinhalten. Pünktlich zur digitalen Release der Single am 08.10.2021 wird es auch ein Video geben.
Kurz nach der Single wird das Debut Album „Brute : One“ am 19.11.2021 digital sowie auf CD im Handel erscheinen. Auf dem Album werden einerseits bereits veröffentlichten Singles in überarbeiteter Form zu hören sein sowie komplett neue Stücke. Dabei handelt es sich bei den insgesamt neun Titeln um eine abwechslungsreiche Reise durch die Klänge elektronischer Musik, von Songs mit rockigeren Rhythmen wie „Driving To You“ zu popigen und ruhigeren Songs wie „Lonesome Hero“ oder „Rain“ mit eingängigen Melodien bis hin zu experimentellen Stücken mit Industrial anmutenden Klängen wie „Lost“, die durch Sphäre aber vor Allem durch die abwechslungsreiche Stimme des Sänger getragen werden.
Ebenfalls am 19.11.2021 wird das leidenschaftliche Wunsch- und Filmprojekt „Momentum To Die“ von Daniel Gierke, dem Mastermind hinter The Brute :, veröffentlicht. Ein Musikfilm von etwa 18min länge der mit Sounds und Melodien des Albums neu arrangiert als Filmmusik untermalt wird. Der Film wurde bereits im Herbst 2018 an originalen Schauplätzen des James Bond Klassikers Goldfinger in den Schweizer Bergen mit Unterstützung der Schweizer Armee gedreht, die für die Schlussaufnahmen die ehemalige Bergfestung Sasso GrandGottardo am berühmten Gotthard Pass zur Verfügung stellte. Bezeichnender Weise ist der Musikfilm The Brute :’s Hommage an alte Agentenfilme der 60iger und 70iger Jahre ergänzt durch einen modernen elektronischen Sound.
The Brute : wurde 2018 durch Daniel Gierke ins Leben gerufen. Die Songs von The Brute : wecken Erinnerungen an klassische Electronic Bands und warten mit einem moderneren Touch auf, der treibende Basslinien, eine fesselnden Stimme mit Songtexten verbindet, die bei jedem anhören eine neue Bedeutung zu haben scheinen.
Von Anfang an arbeitet The Brute : mit dem berühmten Abbey Road Studios in London, UK zusammen, die nicht nur durch die Beatles bekannt geworden sind. Dabei hatte Daniel die Gelegenheit für die finalen Bearbeitungen bei allen Singles und den Album mit Simon Gibson zusammen zu arbeiten, der unter anderem für Musikgrößen wie Depeche Mode als Mastering Engineer tätig ist.
Neben den eigenen Kompositionen steuerte The Brute : 2020 für ein Tribute Album des Online Magazins Electrozombies eine Eigeninterpretation des Erasure-Hits „Ship Of Fools“ bei und nahme Anfang 2021 zusammen mit der amerikanischen Pop % Soul Sängerin Rachel Delgado eine Duett-Version seines Songs „Rain“ auf.
Wegen der Pandemie nahm The Brute : 2020 und 2021 Abstand von Konzerten und fokussierte sich stattdessen auf die Studioarbeit. Für 2022 soll es dann aber auf die Bühne gehen.
The Brute : ist bereits wieder im Studio und arbeitet schon an der nächsten Veröffentlichung für das Frühjahr 2022.

01 Driving to you
02 Stay
03 Absolute disgrace
04 This is not me
05 Rain
06 Lonesome hero
07 Seduce me
08 Lost
09 And I want you...(Extended)

Mit ACTUALLY, LIFE IS JUST A METAPHYSICAL EXERCISE, ISN’T IT? verlässt das Indie-Kollektiv endgültig die ausgetretenen Pfade des Mainstream-Pop. “Diese Platte folgt keinen Regeln mehr, sondern nur noch dem Herzen“, attestiert der Kopf und Songwriter Robert Nouve. “In einer von Fake-News, Lügen und persönlicher Isolation bestimmten Zeit wollten wir ein Album machen, das authentisch ist und trotzdem nicht nur auf sich selbst bezogen bleibt – etwas, das wie ein guter Geist dem Leben und den Menschen etwas Sinn geben kann, das verbindet und größer ist als wir selbst.
Insofern war es unglaublich inspirierend, mit Jerome Avril (dem Kopf der French-Wave-Protagonisten Mary Goes Round), Alison David (der Stimme der Drum n Bass-Legende Red Snapper), Craig Bethell (der seine Stimme schon dem Electro-Pionier Mark van Hoen und dessen Projekt Locust geliehen hat) sowie der von mir hochgeschätzten und seit Jahren immer wieder eingeladenen Ava Bonam (die in Kürze ebenfalls ein eigenes neues Album “Dreams“ veröffentlichen wird) Gäste an Bord zu haben, deren eigene Werke mir in allen Dekaden meines Lebens sehr viel bedeutet haben.“
Und das hört man auch: so atmosphärisch dicht und detailverliebt ist die Produktion, so spannungsreich und intensiv sind die zehn Songs auf diesem Album, dass sich jede Sekunde Aufmerksamkeit lohnt. Ganz wie im Leben schließen sich hier viele Kreise. Die Vorab-Single KISSING THE NIGHT stellt dabei nur eine Facette des Albums dar, das in einem großen Bogen Einflüsse aus TripHop, Electro, Rock, Ambient und Kammermusik in sich vereint und sich – wie schon im Titel angedeutet – auch inhaltlich mit den Themen auseinandersetzt, die weit über das allzu Menschliche hinausgehen.
Soundtechnisch gekrönt wurde das Ganze durch das Mastering von Chris von Rautenkranz – ebenso ein Favourite von Robert Nouve. “Es ist nicht einfach nur unser viertes Album, auf dem wir nur mal wieder alles anders gemacht haben als auf den anderen zuvor – es ist ein organisches, in sich geschlossenes Werk, mit einem eigenen Sound und einem eigenen Sinn.“

1. What Makes It Beat
2. Smile (feat. Alison David & Jerome Avril)
3. Kissing The Night (feat. Ava Bonam)
4. Lost (feat. Craig Bethell)
5. The Moon
6. Heart Enough (feat. Ava Bonam)
7. Julia
8. Still Not Winter Yet
9. The Gate
10. Elegy

„Stillstand ist nicht mein Ding.“
Einfache Worte, die doch viel ausdrücken.
Die Delitzscher Schlagersängerin erfindet sich täglich neu, probiert sich aus und will sich schnellstmöglich wieder ihrem Publikum zu präsentieren.
„Wie im normalen Leben, darf keine lange Weile aufkommen. Ich will begeistern und mit der Musik nicht nur meine Gefühle zum Ausdruck bringen sondern auch immer ein Stück von mir hergeben. Ich arbeite gern mit Produzenten zusammen die sich in mich hinein versetzen können, die meine Wünsche an einen Song verstehen und akzeptieren. Ich bin froh bei diesem Projekt Conny Conrad aus Baden Würtemberg an meiner Seite zu wissen.“ Das Management von Jennifer Rast brachte sie mit dem Erfolgsproduzenten Conny Conrad zusammen. In mehreren Gesprächen wurde die Idee geboren, den einen oder anderen Song so zu gestalten, dass man die in ihrer Stimme liegenden verschiedenen Facetten hervorbringt, zum Beispiel auch mal etwas mehr rockiger zu werden. Das Ergebnis dieser Zusammenarbeit überzeugt.
Nach der erfolgreichen Auskopplung des Songs „Endlich was Neues“ nun die VÖ des Albums.
Stimmlich absolut überzeugend mit eingängigen Rhythmen ist der Erfolg vorprogrammiert.

01 Endlich was Neues
02 Unsere Nacht
03 Sternentänzer
04 Bilder
05 Highway No. 1
06 Abenteuer
07 Einfach wieder Kind
08 Zurück zu Mir

CD1
01 Gin n Tonic
02 Have I Told You Today
03 There Where You Belong
04 Afraid Of Losing You
05 Cry Out
06 Daydream
07 Losing Control
08 Sally
09 Tango
10 Love Is The Easiest Way

CD2
01 Harmony
02 One Day
03 My Heart Shines When I See You
04 Once In My Lifetime
05 Too Far For Me
06 Time To Forget
07 Puberty
08 Close The Door Behind Me
09 Stardust
10 I Am Not Afraid

Nachdem Nadja Benaissa nach nicht mal einem Jahr die Band wieder verließ, um ihr Comeback mit den „No Angels“ zu feiern, mussten die MEDLZ wieder auf die Suche nach einer tiefen Stimme gehen. Nach einer erfolgreichen Suche und einem erneuten Besetzungswechsel folgt nun also das zweite Album der Band MEDLZ zu ihrem aktuellen Programm „(das) läuft bei uns“. Dieses enthält nicht nur die noch fehlenden Titel der aktuellen Show, es stellt auch gleichzeitig das neue Bandmitglied Juliane Köbe vor, die sich mit ihrem Gänsehaut-Timbre perfekt in das Frauen-Quartett einfügt.
Die MEDLZ bleiben ihrem ganz eigenen Sound (Stimme-Bass-Beat) treu und entwickeln ihre Klangwelten stimmlich und technisch brillant weiter.
Die musikalische Bandbreite der vier Sängerinnen wächst stetig und ihre Freude an stimmlichen Experimenten kennt nahezu keine Grenzen. Ein Album, das groovt, rockt und bewegt.
Von Bruno Mars‘ „Uptown Funk“, über Dolly Partons „Jolene“, Linkin Parks „BREAKING THE HABIT“, „(TheY long to be) close to you“ von den Carpenters, PURs „Neue Brücken“ bis hin zum sächsischen „PhanDoum dor Obor“ - für jeden Geschmack ist etwas dabei.
Als kleines Extra hat das charmante Quartett ihrer langjährigen und hoch geschätzten Gastsängerin Maren Kips ebenfalls einen Platz auf diesem Album gegeben.
Ein Album, das definitiv in keiner gut sortierten Playlist und eben solchem Plattenschrank fehlen darf.

01 Uptown Funk
02 Rise Like A Phoenix
03 Viva la Vida
04 Ich will
05 Neue Brücken
06 Jolene
07 L’amore è femmina
08 Breaking The Habit
09 (They Long To Be) Close To You
10 Relight My Fire
11 Phandoum dor Obor
12 It Might Slip Away (Bonus)

»Achtung Überlebensgefahr!« ruft Schwessi, lehnt plötzlich im Türrahmen, wie die lang verreiste große Schwester des Deutsch-Pop, formt das Peace-Zeichen und nimmt uns mit in neun lässige Popsongs voller Ohrwurmmelodien. Dem Ernst des Lebens begegnet sie mit herrlich bissigem Optimismus und Wortwitz. Auf dem ersten Soloalbum ihrer 25-jährigen Musikkarriere, die sich von der Schülerband bis hin zum Songwriting mit Udo Lindenberg streckt, singt sie mit ihrer warmen, kratzigen Stimme über eine politisch unkorrekte Liebe, die Weisheit der Teenager im Kampf gegen die Kapitalismushörigkeit der Eltern, den Alleinerziehenden-Alltag und die Gefahr des Überlebens. Von Frauenhand gemachte Gitarrenmusik mit einem Flair von Hip Hop und Reggae, mit Texten, die so liebevoll und punktgenau verfasst wurden, daß man bei jeder Zeile gleichzeitig lachen und nicken muss.
Was man Schwessis Songs anhört: Sie ist eine Frau, die Dinge erlebt und keine Erfahrung vergessen hat. Ihre Texte entstehen aus eigenen Beobachtungen heraus, scharf analysiert, liebevoll formuliert und immer erschreckend exakt auf den Punkt gebracht. Unter dem titelgebenden Motto „Achtung Überlebensgefahr“ widmet sich die Songwriterin dem hoffentlich baldigen Abschied von der alten, apokalyptischen Welt und dem Blick nach vorn auf die Utopie jener Welt, in der wir leben wollen. Und nicht nur mit dem Fortbestehen unserer Spezies setzt sich Schwessi auseinander, sie beleuchtet auch, was es braucht, damit die Liebe, unser Planet, die Gesellschaft und ihre Werte, die Demokratie, und die eigene Integrität nicht zugrunde gehen. Sie selbst sprang dem Tod bereits einige Male ganz real von der Schippe und weiß: »Am Ende kann trotzdem alles gut werden.«

01 Achtung bidde!
02 Revolution
03 Wer ist das Volk
04 Kannst du mich hören
05 Hallo Selbstmitleid
06 Alles geht
07 Kopf oder Zahl
08 Ich bin so frei
09 Die politisch nicht korrekte Libido
10 Ohne Worte

Zeit zum Reifen hat sich die Band „Schwieriges Kind“ während der Pandemie genommen. Die Band, die es mit Ihrem Debütalbum „Älter werden“ im Juni 2020 gleich zweifach auf die Liederbestenliste schaffte und ausgezeichnet wurde mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik (Longlist), legt nun mit dem Mini-Album „Strandgut“ musikalisch und poetisch eine tiefgründig ruhige Reflektion einer außergewöhnlichen Zeit vor.

Hörer*innen sollten keine mit musikalischem Gleitmittel transportierte einfache Antworten auf komplexe Fragen dieser Zeit erwarten. Das Mini-Album „Strandgut“ reiht stattdessen bittersüße Lebens- und Liebesbilanzen an Momentaufnahmen der künstlerischen Berührtheit einer weltweiten Ausnahmesituation. Ohne Anspruch auf ein gerundetes Weltbild oder musikalisch-poetische Eindeutigkeit. Der Titel „Strandgut“ steht hier unter anderem sinnbildlich für das Auf-sich-Geworfensein Kulturschaffender in einer Zeit der kulturellen Abstinenz einer verunsicherten Gesellschaft.
Sämtliche Kompositionen stammen aus der Feder des Pianisten Tom Victor, der sich gekonnt im Spannungsfeld zwischen Jazz und Pop bewegt. Poetisch, sehnsüchtig, sanft oder fordernd kommen Stimme und Texte von Ina Wohlgemuth. Das Vater-Sohn-Gespann von Volker Spitz an den Drums und Pelle Spitz am Bass bringt auch in die ruhigen Songs Groove und Spannung.

01 Weck mich auf...
02 Distanz
03 Strandgut
04 Silvester 2020
05 Zwiebelträume

Mit „Das Mädchen in mir“ präsentiert das Hamburg-Ibbenbürener Duo GOLDSTAUB seine zweite CD. Die beiden Songwriter Henriette Mudrack und Kai Dorenkamp legen in ihren Texten wieder mit sanfter Ironie bloß, wie wir alle stets nach Höherem streben, um dann doch wieder durch die Untiefen des Lebens waten zu müssen. Das alles ist gekleidet in ein leichtes und buntes musikalisches Gewand aus Jazz und Pop. Dabei ist ihr neuestes Werk heiterer, lauter und poppiger als ihr Erstling – genauso, wie man sich das „Mädchen in mir“ vorstellen könnte.
„Goldstaub ist ein herrlicher Begleiter auf langen Autofahrten … da ist automatisch eine katzenhafte Behaglichkeit, eine verkicherte Harmonie.“ (Bernd Begemann)

01 November im April
02 Gute Fee
03 Das Mädchen in mir
04 Normale Probleme
05 Unbezahlbar
06 Stille Wasser sind tief
07 Ich bring dich durch die Nacht
08 Das darfst nur du
09 J. W.
10 Nie wieder
11 Eines Geistes Kind
12 Hier will ich bleiben
13 Goldene Zeiten

Deluxe Edition: CD-Album plus Sammelkarte

Vielschichtige Vocals, warme Bässe, filigrane Orchesterelemente und handverlesene elektronische Sounds gepaart mit interessanten Harmonien und ehrlichen Texten - das ist die Essenz von Tameera. Vielfältig eingesetzt kreiert die junge Künstlerin mit diesen Komponenten mal melancholische und verträumte, mal energetische und kraftvolle Klangwelten und bewegt sich mit ihrem einzigartigen Sound gekonnt zwischen Indie-Pop und R&B.
Schon in ihrer frühen Kindheit entdeckte die heute 23-Jährige Tabea Meusch ihre Liebe zur Musik und erhielt bereits im Alter von sechs Jahren ihren ersten musikalischen Unterricht. Seitdem sammelte sie jahrelang Erfahrung in ver- schiedenen Bands und Chören, bis sie 2016 schließlich nach Osnabrück zog, um am Institut für Musik der dortigen Hochschule Popgesang zu studieren und die Musik auch zu ihrem Beruf zu machen. Im Laufe ihres Studiums beschäftigte Tameera sich zunehmend intensiver mit dem Schreiben und Aufnehmen eigener englischsprachiger Songs und entwickelte so den charakteristischen Sound, der sich wie ein roter Faden durch ihr Debüt-Werk zieht: Die EP "My Mind", die am 25.06.2021 bei großen internationalen Streamingdiensten wie Spotify, Apple Music, Amazon Music und Co. erschienen ist und ab August auch in physischer Ausführung als CD erhältlich sein wird.
Neben den sorgfältig entwickelten Klangwelten legt die gebürtige Paderbornerin auch großen Wert auf die Botschaften, die ihre Songs vermitteln: "All meine Texte sind inspiriert von Themen und Geschichten, die mich zur Zeit des Schrei- bens besonders berührt und beschäftigt haben. Durch die Arbeit an dieser EP habe ich einige wichtige Lebensstationen bewältigen und gesammelte Erfahrungen verarbeiten können und ich bin dankbar für die Möglichkeit, meinen Umgang damit mit anderen teilen zu können."
Auch auf der Bühne möchte die junge Künstlerin ihre Songs nun zum Leben erwecken und arbeitet aktuell gemeinsam mit ihrer Band an der Umsetzung von eigenen Live-Shows. Die insgesamt vierköpfige Truppe bestehend aus Marvin Kreimeier (Keys), Leo Steinhaus (Bass) und Julian Wieder (Drums) neben der Sängerin selbst hat sich im Rahmen des gemeinsamen Studiums oder bei studienbezogenen musikalischen Projekten kennen- gelernt und im Frühjahr 2021 schließlich zu einer Band zusammengefunden. Seitdem haben die Musiker die von Tabea geschriebenen Songs im Bandkontext interpretiert und gespielt und so zusammen im Studio an neuen Aufnahmen gearbeitet. Die Band plant für die Zukunft eine Vielzahl von Live-Konzerten, die Teilnahme an verschiedenen Band- wettbewerben sowie das Schreiben und Aufnehmen neuer Musik.

01 Remembrance
02 In The Mirror
03 My Mind
04 Sleep
05 One Day
06 Outro

Vielschichtige Vocals, warme Bässe, filigrane Orchesterelemente und handverlesene elektronische Sounds gepaart mit interessanten Harmonien und ehrlichen Texten - das ist die Essenz von Tameera. Vielfältig eingesetzt kreiert die junge Künstlerin mit diesen Komponenten mal melancholische und verträumte, mal energetische und kraftvolle Klangwelten und bewegt sich mit ihrem einzigartigen Sound gekonnt zwischen Indie-Pop und R&B.
Schon in ihrer frühen Kindheit entdeckte die heute 23-Jährige Tabea Meusch ihre Liebe zur Musik und erhielt bereits im Alter von sechs Jahren ihren ersten musikalischen Unterricht. Seitdem sammelte sie jahrelang Erfahrung in ver- schiedenen Bands und Chören, bis sie 2016 schließlich nach Osnabrück zog, um am Institut für Musik der dortigen Hochschule Popgesang zu studieren und die Musik auch zu ihrem Beruf zu machen. Im Laufe ihres Studiums be- schäftigte Tameera sich zunehmend intensiver mit dem Schreiben und Auf- nehmen eigener englischsprachiger Songs und entwickelte so den charakteristischen Sound, der sich wie ein roter Faden durch ihr Debüt-Werk zieht: Die EP "My Mind", die am 25.06.2021 bei großen internationalen Streamingdiensten wie Spotify, Apple Music, Amazon Music und Co. erschienen ist und ab August auch in physischer Ausführung als CD erhältlich sein wird.
Neben den sorgfältig entwickelten Klangwelten legt die gebürtige Paderbornerin auch großen Wert auf die Botschaften, die ihre Songs vermitteln: "All meine Texte sind inspiriert von Themen und Geschichten, die mich zur Zeit des Schrei- bens besonders berührt und beschäftigt haben. Durch die Arbeit an dieser EP habe ich einige wichtige Lebensstationen bewältigen und gesammelte Erfahrungen verarbeiten können und ich bin dankbar für die Möglichkeit, meinen Umgang damit mit anderen teilen zu können."

01 Remembrance
02 In The Mirror
03 My Mind
04 Sleep
05 One Day
06 Outro

Pinky Loops ist ein 2017 gegründetes Streicherduo aus Polen, das Klassik mit Electronica verbindet. Sie spielen ihre Kompositionen auf elektrischen Instrumenten: Geige und Cello mit Gitarreneffekten und einem Looper, einer elektronischen Looping-Maschine. Das gibt ihnen die Möglichkeit, während der Aufführungen musikalische Motive aufzunehmen und als Backing Track abzuspielen.

01 Prolog
02 Winterstellar
03 Navia
04 Summerlove
05 Bolero
06 Such A Fate
07 Dumka
08 Anger Dance
09 Pastorale

Mit „singing for your soul” hat der aus Macon, Georgia stammende Sänger André Carswell ein Crossover-Album veröffentlicht, das ausdrucksvoll seine Klasse als Pop- und Soulsänger demonstriert. Produzent und Arrangeur war der Pianist Michael Hauck, mit dem er seit 2016 im Duo durch die Republik tourt. Im schicksalhaften Jahr 2020 begannen die Beiden, gemeinsam Songs zu schreiben. Sie nutzten die Zeit im Lockdown, um mit „singing for your soul” ihr Debütalbum aufzunehmen.

Gleichwohl blicken beide Musiker auf eine langjährige Karriere im Musikbusiness zurück. So war André in den vergangenen zwei Jahrzehnten Frontmann bei der Progressiv-Rock-Band „Anyones Daughter“, mit denen er 4 CDs eingespielt hat. Zudem war er Sänger des Projekts „Milestones of Rock“ (Live-Konzerte und 2 CD-Produktionen mit Sinfonieorchester). Michael Hauck entstammt der Jazzszene, hat Lyrikabende am Klavier begleitet, spielte in der fränkischen Tanzszene, machte Rockmusik für Kinder und hat mit eigenen Formationen stets Live-Musik angeboten.
„singing for your soul“ enthält 11 Eigenkompositionen des Duos, 3 Kompositionen von André, die er bereits veröffentlicht hat, und mit Kayleigh eine Unplugged-Version des Marillion-Klassikers. Jedes Detail verrät die Sorgfalt und Professionalität, mit der die beiden Musiker an Kompositionen, Arrangements und Aufnahmetechnik herangegangen sind. Die Songs zeigen Andrés überragende Gesangstechnik, die sich über 4 Oktaven spannt. Um seiner wandelbaren Stimme gerecht zu werden, entstand ein weit gefächerter Mix diverser Genres des Pop – geerdet in Funk und Soul – voilà!

01 Curse Of The Dreads
02 Promise
03 No Mans Land
04 Happy Go Lucky
05 Singing For Your Soul
06 Only You Can Make Me Happy
07 My Mama Called Me
08 Coconut Tree
09 Think About U
10 Kayleigh
11 Missing Lover
12 Beautiful Girl
13 Watch Out Now
14 Helios Reloaded
15 The Message

01 Schön geworden
02 Oper
03 Mit der Kunst
04 Letzter Dezember
05 Silvester
06 Loosing Our Speed
07 Charlotte
08 Eigentlich sind wir alle gar nicht so müde, wie wir aussehen wollen - die Frage ist ja nur immer, inwieweit sich Nonsens noch reformieren lässt.
09 Schachzug
10 What Shells
11 Palmen im Regen

Frisch und mit neuem vierten Bandmitglied präsentiert Strandheizung auf der EP „Wunderkinder“ sieben in sich stimmige Songs. Dabei folgt vor allem die Musik dem ausdrucksstarken EP-Titel und erweitert damit den klanglichen Horizont des Quartetts um herrliche Aussichten. Für Vertrautheit sorgen die gewohnt aufrichtigen deutschen Texte. Sie erzählen von Begegnung, Nähe, gemeinsamen Erlebnissen und Plänen. Auf „Wunderkinder“ verschmelzen diese zutiefst menschlichen Gedanken mit der Musik zu Klangbildern, die vor Zuversicht und Leidenschaft strahlen.

01 Neu kennenlernen
02 Wunderkinder
03 Kein Lied
04 Bye Bye Unendlichkeit
05 Komet
06 Für ein Lächeln
07 Ausblick
08 Wunderkinder (akustisch)

Das Album wurde während der globalen Covid 19-Pandemie geschrieben, arrangiert und aufgenommen. Craig Hinds hatte Anfang 2020 damit begonnen, erste Ideen zu sammeln. Die Songs entwickelten sich langsam und als er wieder reisen durfte, traf er sich mit seinen Bandkollegen in Johannesburg, um in gemeinsamen Sessions die Titel weiter zu entwickeln. "Es gab viel zu schreiben, da die Emotionen hoch waren, Familien und Paare getrennt waren und 'times they are/were a-changing', wie die Legende Bob Dylan es ausgedrückt hätte" (CRAIG HINDS).
“Elephant In The Room“ ist ein solides und warmes Album mit zwölf Titeln, dass in Trio-Formation (Craig Hinds (voc, g, p), Howie Combrink (dr, voc) und Gideon Botes (g) aufgenommen wurde. Letzterer ist auch für Produktion und das Mixing verantwortlich, bei dem er von Hinds und Combrink unterstützt wurde. Es enthält, neben den gewohnt hervorragenden Craig Hinds-Kompositionen, auch eine umwerfende Watershed-Interpretation des Bruce Springsteen-Klassikers “I'm On Fire“. Die LP enthält eine gute Mischung aus Uptempo-Songs, klassischen Watershed-Balladen und Mid-Tempo-Stücken. Die Musik der Gruppe hat sich im Laufe der Jahre immer weiterentwickelt und die unterschiedlichsten Einflüsse mit aufgenommen, ohne jedoch zu weit von dem abzuweichen, was Watershed immer ausgemacht hat.
Textlich unternimmt Craig Hinds eine Reise ins Unbekannte und hinterfragt alles, was um ihn herum geschieht, während er gleichzeitig versucht, den “Elefanten im Raum“ anzusprechen. "Es gibt einfach zu viele Meinungen und niemand spricht wirklich die reale Situation an" (CRAIG HINDS). In echter Watershed-Songwriting-Tradition, werden in den Songs Themen aus dem Alltag, die alltäglichen Sorgen, die alltäglichen Höhen und Tiefen und die alltägliche Liebe aufgegriffen, um Songs zu kreieren, die einem für längere Zeit nicht mehr aus dem Kopf gehen. Seine größte Angst ist, keinen Hit schreiben zu können. “Es spielt keine Rolle, wie viel Du tourst, wie viele Fans Du hast oder wie viele Netz-Follower Deine Seite anklicken. Wenn Du keine guten Songs hast, gehst du nirgendwo hin“ (CRAIG HINDS).
Wer aber ein neues “Indigo Girl“ erwartet, wird evtl. enttäuscht werden denn Watershed anno 2021 ist durchaus zeitgemäßer und rockiger geworden. Stilistisch haben sich Watershed weiterentwickelt, verleugnen dabei aber ihren eigenen, speziellen Sound nicht. Eindringlicher, energiegeladener und anspruchsvoller Indie-Folk-Pop-Rock. Songs wie die Single-Auskopplung “Undone“, “Map Of My Behaviour“, der Bonus-Titel “Countdown“ oder das Titelstück selbst haben ein grandios treibendes Schlagzeug, ohne dabei die Melodie-Affinität der Hinds-Kompositionen zu verlieren. Da werden Erinnerungen an frühe R.E.M., Coldplay und die Crash Test Dummies wach. Der Schwerpunkt der Instrumentierung ist eine exzellente Mischung aus Gitarren, E-Piano und die markante und natürlich ausdrucksstarke Stimme von Craig Hinds.

01 Map of my behaviour
02 Undone
03 Empty spaces
04 Elephant in the room
05 I'm on fire
06 Wish
07 Stone by stone
08 Try again
09 Love song
10 African stars
11 Keep your eyes on me
12 Countdown (Tribute to the frontline workers)

Die Songs lassen sich am Ende der Bestellung downloaden.

Sounds of the 80s | Harmonica Pop Instrumentals

Die 1980er Jahre markierten den Anfang der digitalen Ära und die meisten kommerziellen Musikproduktionen aus dieser Zeit sind unter Einsatz der neuesten technischen Innovationen entstanden. Polyphone Synthesizer, Sequencer, Drum-Computer und gesampelte Sounds waren damals ziemlich neu und haben die Art und Weise des Entstehens der Popularmusik radikal verändert. Hamburg war eine wichtige Drehscheibe der deutschen Musikindustrie, wo Steve Baker als Studiomusiker bei zahllosen Aufnahmen der 1980er und 90er Jahre die digitale Revolution der Musikproduktion miterlebte.

Im Sommer 1986 setzte er sich mit einer Gruppe Hamburger Session-Musiker zusammen, darunter die Drummer-Legende Peter Franken und der Produzent und Gitarrist Dieter Faber. Im Simple Sound Studio von Adrian Askew entstand dann dieses Album von Instrumental-Titeln für Mundharmonika, geprägt von den gängigen Sounds und Technologien der damaligen Zeit.

Die Produktionstechniken der 80er Jahre und die polierte Performance der Studio-Cracks bilden eine Kulisse für Bakers gefühlvolles Spiel, das die Hörer, die seine Arbeit im Blues, Rock und Folk kennen, vielleicht überraschen wird. Die Kombination ist gleichzeitig ungewöhnlich und effektiv. Neben seinem vorbildlichen diatonischen Harpspiel bieten die Free Fall Sessions außerdem seltene Aufnahmen von Steve auf chromatischer Mundharmonika.

Drei Titel erschienen 1987 als Maxi-Single, aber die restlichen Stücke wurden nie veröffentlicht. Zum ersten Mal ist nun die gesamte Produktion als Download von Timezone Records erhältlich. Diese überfällige Neuauflage zeigt eine weitere Seite von Steve Bakers breitgefächerten Musikalität und unterstreicht seinen Status als einer der heute einflussreichsten Mundharmonikaspieler.

Adrian Askew - recording, keyboards
Steve Baker - harmonica
Dieter Faber - guitars, bass, keyboards
Peter Franken - drums & percussion
Michael Pohnke - keyboards

1. Free Fall - soft mix (Steve Baker / Dieter Faber)
2. Reaching Out (Michael Pohnke)
3. Meet The Beat (Steve Baker / Dieter Faber)
4. Winter Sun (Steve Baker / Dieter Faber)
5. Iona (Steve Baker)
6. Grenadina (Dieter Faber)
7. Whistling In The Dark ((Steve Baker / Dieter Faber)
8. Chasing Rainbows (Steve Baker)
9. Free Fall - maxi mix (Steve Baker / Dieter Faber)

Mein Sonar ist ein Versuch der Orientierung, der Wunsch nach Ruhe und der Wille, irgendwo anzukommen.

Der Song lässt sich am Ende der Bestellung downloaden.

Das Album wurde während der globalen Covid 19-Pandemie geschrieben, arrangiert und aufgenommen. Craig Hinds hatte Anfang 2020 damit begonnen, erste Ideen zu sammeln. Die Songs entwickelten sich langsam und als er wieder reisen durfte, traf er sich mit seinen Bandkollegen in Johannesburg, um in gemeinsamen Sessions die Titel weiter zu entwickeln. "Es gab viel zu schreiben, da die Emotionen hoch waren, Familien und Paare getrennt waren und 'times they are/were a-changing', wie die Legende Bob Dylan es ausgedrückt hätte" (CRAIG HINDS).
“Elephant In The Room“ ist ein solides und warmes Album mit zwölf Titeln, dass in Trio-Formation (Craig Hinds (voc, g, p), Howie Combrink (dr, voc) und Gideon Botes (g) aufgenommen wurde. Letzterer ist auch für Produktion und das Mixing verantwortlich, bei dem er von Hinds und Combrink unterstützt wurde. Es enthält, neben den gewohnt hervorragenden Craig Hinds-Kompositionen, auch eine umwerfende Watershed-Interpretation des Bruce Springsteen-Klassikers “I'm On Fire“. Die LP enthält eine gute Mischung aus Uptempo-Songs, klassischen Watershed-Balladen und Mid-Tempo-Stücken. Die Musik der Gruppe hat sich im Laufe der Jahre immer weiterentwickelt und die unterschiedlichsten Einflüsse mit aufgenommen, ohne jedoch zu weit von dem abzuweichen, was Watershed immer ausgemacht hat. 
Textlich unternimmt Craig Hinds eine Reise ins Unbekannte und hinterfragt alles, was um ihn herum geschieht, während er gleichzeitig versucht, den “Elefanten im Raum“ anzusprechen. "Es gibt einfach zu viele Meinungen und niemand spricht wirklich die reale Situation an" (CRAIG HINDS). In echter Watershed-Songwriting-Tradition, werden in den Songs Themen aus dem Alltag, die alltäglichen Sorgen, die alltäglichen Höhen und Tiefen und die alltägliche Liebe aufgegriffen, um Songs zu kreieren, die einem für längere Zeit nicht mehr aus dem Kopf gehen. Seine größte Angst ist, keinen Hit schreiben zu können. “Es spielt keine Rolle, wie viel Du tourst, wie viele Fans Du hast oder wie viele Netz-Follower Deine Seite anklicken. Wenn Du keine guten Songs hast, gehst du nirgendwo hin“ (CRAIG HINDS).
Wer aber ein neues “Indigo Girl“ erwartet, wird evtl. enttäuscht werden denn Watershed anno 2021 ist durchaus zeitgemäßer und rockiger geworden. Stilistisch haben sich Watershed weiterentwickelt, verleugnen dabei aber ihren eigenen, speziellen Sound nicht. Eindringlicher, energiegeladener und anspruchsvoller Indie-Folk-Pop-Rock. Songs wie die Single-Auskopplung “Undone“, “Map Of My Behaviour“, der Bonus-Titel “Countdown“ oder das Titelstück selbst haben ein grandios treibendes Schlagzeug, ohne dabei die Melodie-Affinität der Hinds-Kompositionen zu verlieren. Da werden Erinnerungen an frühe R.E.M., Coldplay und die Crash Test Dummies wach. Der Schwerpunkt der Instrumentierung ist eine exzellente Mischung aus Gitarren, E-Piano und die markante und natürlich ausdrucksstarke Stimme von Craig Hinds. 

01 Empty Space
02 Undone
03 Elephant In The Room
04 Try Again
05 Love Song
06 I’m On Fire
07 Map Of My Behaviour
08 Wish Upon
09 African Stars
10 Stone By Stone
11 Keep Your Eyes On Me
12 Countdown (Bonus Track)

Die Provisorios sind seit 25 Jahren musikalisch tätig und begeisterten ihr Publikum in zum Teil längst verblichenen Clubs der Hamburger Szene wie Marquee, Werkstatt 3, Lets Rock, Hafenklang, Stairway, Markthalle oder Caspars Ballroom. Neben einigen 7 - Inches und Samplerbeiträgen veröffentlichten sie im Jahre 2011 ihre erste CD.
Nun legen sie mit ihrer neuen CD einen Tonträger vor, der neben fröhlich sarkastischem Pop, wüsten Beschimpfungen und einfühlsamen Balladenpassagen um Weltraum, Kleidung, Presse, Musiker und Fassaden zu dem Schluss kommt: This World Is Not My Home!
Der aussagekräftige Titel „II“ ergibt sich aus dem Umstand, dass von der zeitweilig fünf Personen umfassenden Band nunmehr zwei Bandmitglieder übrig geblieben sind. Früher war das Bandmotto, einen Song bis auf das Skelett zu reduzieren. Heute drehen die zwei Musiker kurzerhand die Devise um und kreieren ein kraft- und effektvolles Hybrid aus Stilen, aus deren Wurzeln sie ihren Saft ziehen. Von beschwingter 80er Jahre Elektronik (Pension Stammheim) bis hin zu beinhartem No Wave (Das Fisch), beides Höhepunkte auf ihrer Umlaufbahn mit LP-Veröffentlichungen, die u.a. ihren Background darstellen, ihre fortbestehende Motivation zu Grenzüberschreitungen dokumentieren und im ambivalenten Widerstreit zu plumpen Erwartungshaltungen stehen.

01 Orwell Time
02 Atlas
03 Renegade
04 Cannot Get Sicker
05 Senseless
06 We Lost Our Commander Peter
07 This World Is Not My Home

Seid ihr bereit für etwas Synth-Pop?

Der Song lässt sich am Ende der Bestellung downloaden.

Das neue Album „Harmonie“ von Phil Solo ist rockiger ausgefallen als das alte Album. „ScheintSo“ war ein Singer/Songwriter Konzeptalbum über die Liebe und die Freiheit. Das neue Album heißt „Harmonie“, erklingt im Bandgewand und ist ein soundorientiertes Konzeptalbum, welches die Freude und das Leben in Harmonie widerspiegelt.
Wieder hat Phil, passend zu seinem Künstlernamen Phil Solo, dabei alle Instrumente selber im Studio eingespielt. Alle Gitarren, Bass, Schlagzeug, Piano, Keys, Banjo, Ukulele und Mandoline spielte er selbst dafür ein.
Die Songs des Multiinstrumentalisten sind voller Hedonismus und Lebensfreude. Auch Themen wie Verlust und Angst bekommen in den Songs einen positiven und optimistischen, harmonischen Ausklang. „Harmonie“ ist eine Ode an das Leben, welches man in vollen Zügen genießen soll. Ein positiver Blick auf die Zukunft versetzt Berge. Phils Texte zeigen, dass es auch mal Krisen braucht, um neue Energie zu schöpfen. Manchmal steht die große Liebe und der neue Lebenstraum genau vor Dir, plötzlich ist sie da, die Harmonie, die all Deine Kraft in positive Energie umwandelt.
Genau diese Kraft und Energie spürt man auf dem Album. In den Texten und im Sound zieht sich dieses Gefühl beim Hören wie ein Leitmotiv durch das gesamte Album. Die all umfassende Intention des Albums kulminiert in den letzten Textzeilen des Stückes Zeit: „Geh und leb Deinen Traum“.
So lebensoffen und so farbenfroh wie ein optimistischer Lebenstraum klingt Phils neues Album „Harmonie“.
Phil Solos neues Album strotzt vor Energie, seine Texte sind empathisch ergreifend und die Atmosphäre seiner Songs ist so wie der Albumtitel voller „Harmonie“

01 Beginn
02 Ja
03 Moment
04 Harmonie
05 Aufgewacht
06 Farben
07 Bewegung
08 Leben
09 Atem
10 Detmold
11 Zusammenhalten
12 Zeit

Warum aufstehen? Wofür weitermachen? Wenn die Last unendlich groß, die Zeit spürbar endlich und die Luft zum Atmen knapp wird, warten irgendwo tief unten bunte Fische.

Der Song lässt sich am Ende der Bestellung downloaden.

Was passiert, wenn sich eine ausgereifte Songschreiberin und Sängerin mit einem versierten Rockdrummer und Studiofreak sowohl musikalisch als auch privat zusammentut? Es entsteht, irgendwo zwischen Sofa, Küche und Studio, eine eklektische Sammlung von Songs, die ein wenig aus der Zeit fallen, aber dennoch überraschend modern klingen. 
Traditionelles Songwriting an Gitarre oder Piano, gepaart mit der Arbeit im eigenen High-Tech-Studio, ohne dass Produzent oder Label permanent auf die Uhr schielen, erlaubte es den NOSAER-Protagonisten Felician Siebenstaern und Micha Strauss ihre Songs auf den Punkt zu bringen, ganz gleich wie lange es dauerte. 
So entwickelte sich mit “Signals From Eternity” über drei Jahre ein rundum gelungenes, organisches Album, durchaus mit Mainstream-Appeal, aber gänzlich ohne Anbiederung an aktuelle Poptrends. 
Gemixt haben die beiden das Werk schließlich in einem Pop-Up-Studio an der Irischen Westküste, was man dem Ergebnis, zumindest was den Vibe angeht, auf subtile Weise anhört. 
Zu atmosphärischen Klängen wie bei den Tracks “Black To Wide” oder “Signals To Eternity” gesellen sich Songs mit Hitpotential, wie z.B. “Hide Yourself” mit seinem großartigen (und großen) Refrain. 
Cleane und härtere Gitarren vermischen sich mit elegischen Synthesizerflächen; die Drums haben oft eine ganz eigene Gangart und heben sich wohltuend vom zeitgenössischen Minimalismus des Bumm-Tschack-Bumm-Tschack ab. 
Das Album hat eine musikalische und emotionale Tiefe und Breite, die bemerkenswert ist. Drummer und Produzent Micha Strauss hat in einer stillen Stunde mal gesagt: “Mit 13 hat mir das Trommeln das Leben gerettet.” Für Felician Siebenstaern bilden Töne, Worte und Farben bereits seit frühester Kindheit eine verwobene Einheit, die sie in ihren Songs zu Geschichten formt.
Hört man tief in die Songs hinein, so versteht man plötzlich, was es bedeutet, wenn Musik zu einem essentiellen Ausdruck des eigenen Lebens wird.
Felician Siebenstaern fordert den Hörer mit introspektiven Lyrics heraus, die eine nicht unbeträchtliche Lebenserfahrung widerspiegeln. Das “innere Rauschen des Lebens, das einen weiter antreibt”, wie sie berichtet, ist die Basis ihres oft angenehm schwermütigen, aber immer auch positiven Schreibens. Einschneidende persönliche Erlebnisse, die immer wiederkehrenden Veränderungen des Lebens anzunehmen und der Mut, hinter die Fassaden und Oberflächen zu schauen, sind Felicians Themen.
NOSAER werfen mit ihrem Debüt ein international anmutendes Rock-Album mit Pop-Charme für Erwachsene oder solche, die es werden wollen, in die Welt. Und die Welt verdient es zu hören!

01 Hide Yourself
02 Hurting
03 Kill Ma Heart
04 Rudimentary
05 Santurina
06 Settobuzz
07 Signals From Eternity
08 Wake Me Save Me
09 Wasteland
10 When It’s Dark
11 Black To Wide

Fünf Rockmusiker aus Berlin spielen deutsche Schlager-Klassiker.
Warum ? – Weil sie sie lieben, und weil es Spaß macht. Und weil sie diese Klassiker in ihrer musikalischen DNA haben.
Jetzt gibt es VerwöhnAroma endlich auch auf CD. Leider passte das vierstündige Live-Repertoire der Band nicht ganz auf die CD, aber doch ein paar Juwelen: Den Reigen eröffnet MENDOCINO, diese Fanfare, die jeden Fan direkt ins Epizentrum der Schlager-Welle führt. Ist man erstmal drin in der Welle, muss Udo Jürgens der gebührende Tribut gezollt werden: VerwöhnAroma sagt mit 17 JAHR, BLONDES HAAR und ABER BITTE MIT SAHNE „Danke, Udo !“
Dass EINE NEUE LIEBE WIE EIN NEUES LEBEN ist, CONNY KRAMER völlig unnötig starb, und LIEBESKUMMER sich nicht lohnt, folgt dann fast logisch, aber damit ist die Geschichte noch lange nicht zu Ende … nur diese Scheibe.
Wer sich auf diese CD-gewordene Zeitreise in die Ära der ZDF-Hitparade einlässt, wird belohnt mit einer wohlklingenden Mischung aus Retro-Repertoire, Rock-Riffs, Romantik und hörbarem Respekt vor den Titanen der gekonnten Unterhaltungsmusik.

01 Mendocino
02 Siebzehn Jahr, blondes Haar
03 Eine neue Liebe ist wie ein neues Leben
04 Am Tag als Conny Kramer starb
05 Aber bitte mit Sahne
06 Liebeskummer lohnt sich nicht

Geschichten über das Leben mit Alzheimer ("Zweitbestes Leben"), mit Burnout ("In der Stille") und nach einen Herzinfarkt ("Dr. Intensiv"), aber auch über den normalen Wahnsinn ("Mein Glückstag", "Ganz einfach", "Alles aus dem Leben") oder über Sex im Alter ("Super Sexy Oma"), verbunden mit einer musikalischen Bandbreite von Singer/Songwriter, Pop/Rock, über Tango, Rumba, Salsa und Slow Fox, machen die mittlerweile 4. Solo CD von Harald Pons mit dem Titel "Wo kommen wir denn da hin" zu etwas Besonderem. Passt das überhaupt alles zusammen? – passt!
Ein Album, das sich abhebt von der aktuellen deutschen Liedermacher- und Popszene, ohne dabei an Aktualität zu verlieren. "Wo kommen wir denn da hin, wenn die Bienen nicht mehr fliegen" heißt es im Titelsong. "Dr. Intensiv" hat durchaus das Potential, der "Danke-Song des Jahres" für alle medizinischen Fachabteilungen zu werden.
Aber auch Harald Pons schafft es nicht so ganz, ohne Liebeslieder auszukommen. "Ich vermiss Dich" und "Danke nochmal" machen die Liebe und die Beziehung zu seiner Frau zum Thema, wobei es auch hier mehr um tiefe Gefühle als um durchtanzte Nächte geht. "Das mag dann wohl am Alter liegen", so die lakonische Begründung. Mit "Du bist für mich mein Bernsteinzimmer" und "Für Dich hätte ich das Taj Mahal erbaut" ist Harald Pons dann aber doch noch eine ganz ordentliche Liebenserklärung gelungen. Mittlerweile ganz schön grau geworden besingt er im "Kind mit grauen Haaren" noch mal die Zeiten der "eigenen großen Abenteuer", auch wenn diese sich nur in der Phantasie abgespielt haben. "Immer noch da" ist dann auch die Hymne für die Generation 56 +.
Insgesamt 17 Titel, die tief blicken und weit schauen lassen. Harald Pons hat es jedenfalls wieder geschafft Texte zu schreiben, die ohne austauschbare Phrasen und schwülstige Bilder auskommen, die konkret sind, ins Detail gehen und die sich mit den wirklich wichtigen Dingen des Lebens beschäftigen.
So die entscheidende Frage aus dem Titel "Ganz einfach":
"Wen interessiert schon irgendeine Lehre, wenn die Verdauung nicht funktioniert?".
Man kann nur wünschen, dass auch der/die ein oder andere Radiomoderator/in den "Mut" hat, seine Zuhörer/innen zu überraschen. "Das Leben ist eine ernste Sache, also nimmt man sich am besten selbst nicht so ernst und vor allem nicht so wichtig." So die aktuelle Stimmungslage.

01 Zweitbestes Leben
02 Wo kommen wir denn da hin
03 Super Sexy Oma
04 Dr. Intensiv
05 Die Frau die es nicht gibt
06 Querfeldein
07 Mein Glückstag
08 In der Stille
09 Ich vermiss Dich
10 Absolut gut
11 Kind mit grauen Haaren
12 Das hat die Welt noch nie gesehen
13 Im Schatten
14 Alles aus dem Leben
15 Ganz einfach
16 Immer noch da
17 Danke nochmal