records

Kunst entsteht aus magischen Beziehungen. Aus Austausch und Reibung. Die Hamburger Musikerinnen Meike Schrader und Agata Paulina Clasen sind einander Anker und Antrieb. Mit ihrer Band SCHWESTER veröffentlichen sie im Herbst 2022 ihr Debütalbum „Der Himmel fällt‟. Deutschsprachiger Indiefolkpop, aufgenommen gemeinsam mit Produzent Gregor Henning als künstlerischem Komplizen im Studio Nord in Bremen. Einnehmend und mit Ellenbogen, harmonisch und dringlich, detailreich und soundverliebt. Zwei Künstlerinnen auf Augenhöhe. Klar feministisch und bereit, sich so offen wie möglich zu zeigen. Meike Schrader spielt Piano und Keyboards, Agata Paulina Clasen die Gitarre. Beide singen sie mit großer Wahrhaftigkeit.
SCHWESTER erkundet all das Liebevolle und Schroffe, Poetische und Politische, Ungesagte und Omnipräsente, das unser Leben ausmacht. „Paulina bringt wahnsinnig viel Bewegung in den künstlerischen Prozess‟, sagt Meike Schrader. „Und Meike wiederum schafft einen Rahmen, sie sortiert das Konfetti‟, erzählt Agata Paulina Clasen. SCHWESTER ist wie eine inspirierende Identität, die beide wechselseitig erfinden. Gemeinsam getrieben sind sie von einer immensen Neugierde. Und von einem Grundvertrauen ineinander. Auch wenn es mitunter schmerzhaft sein kann, die Dinge derart durchdringen zu wollen, wie SCHWESTER es tut.
Verletzlich und belastbar sein, Grenzen setzen und den Boden unter den Füßen verlieren, sich erden und in den Himmel streben, Balance finden und die Andersartigkeit umarmen – SCHWESTER berührt äußerst zeitgemäße Themen. Aber nicht im Ratgebermodus, sondern in einer Sprache, die unmittelbar in die Seele zieht. Zwei Frauen, zwei Biografien, zwei Temperamente. Eine Dynamik, die weit mehr ist als dieSumme der einzelnen Teile. Als entwickele sich da ein ganz eigener Charakter. Eine Kraft. Eine Begleiterin. Eine Schwester.

Seite A:
1. Fluch und Segen
2. Wenn morgen nie kommt
3. Unser Haus
4. Gebranntes Kind
5. Die Zukunft

Seite B:
6. Wo die Liebe hinfällt
7. Der Fluss
8. Rausch
9. Das Fundament
10. Sommerzeitlose

Wenn eine Band sich selbst als „linksgrünversiffte Systemschäfchen“ bezeichnet, ist eine politische Einstellung schwer zu leugnen, aber wer die Online Performance von JUAKALI checkt, sieht gleichzeitig viel Spaß, Kumpels und sehr sympathische Typen. Alles stimmt. Genauso wie das nächste Klischee, was man musikalisch von den Dreien aufgetischt bekommt. Ein Trio steht gerne für geraderaus, direkt und High Power.... Kraftvoller dreckiger Garage-Punkrock. Für Stoner zu schnell, für Grunge zu wenig Seattle Sound, aber durchaus zeitgemäßer Alternativerock, der Genregrenzen mit Blick in den Rückspiegel gerne in Frage stellt. Die Stimme ist prägend und gibt JUAKALI sicher die eigene Note und einen hohen Wiedererkennungswert.
Vor circa 3 Jahren haben sich die Berliner auf dem RAW Gelände gefunden, eine Keimzelle für Musik, Party und alternative Kultur. Und das spiegelt sich im kurzen Lebenslauf von JUAKALI wider, denn die Band nutzte nach zahlreichen Konzerten im Berliner Underground die konzertfreie Pandemiezeit, um ihr Debutalbum einzuspielen. Etablierten sich die Drei schnell als „Vor-Vor-Vor-Band von Metallica“ (aber das ist eine andere Geschichte), sind sie nun bereit für den nächsten Schritt.
„No Choice“ scheint eines dieser Alben zu sein, die man auf „repeat“ laufen lässt und einfach Spaß hat, laut zu hören. Gute Songs, catchy, dennoch rau und kratzig. Da ist viel 90er Gitarren Sound zu hören. Harte, ungestüme, nach vorne walzende Songs. Gitarre, Bass, Drums sind das Fundament. Mehr braucht man eben nicht.

A
01 3rd Degree
02 Wake Up
03 Overboard
04 Fatal Mistake
05 Arabella
B
01 The Bush
02 Get Up
03 Cowmance
04 Mountain
05 No Choice

Wenn man die etwas trostlos und austauschbar geratene Innenstadt gen Alten Hafen verlässt, kurz bevor man die stählerne Klappbrücke an der Zollkaje überquert und linker Hand das Havariekommando des Schifffahrtsamts passiert, dann steht da ziemlich verlässlich jeden Tag die kleine Fischbude Knobloch. Wahrscheinlich hat ihr Betreiber schon vor Jahren geahnt, dass es keinen besseren Ort in ganz Cuxhaven gibt, um havarierten Nachtschwärmern nach dem letzten Herrengedeck ein ehrliches Krabbenbrötchen mit auf den Fußmarsch zur Alten Liebe zu geben, dem sentimentalen Wahrzeichen jener Stadt an der Elbmündung in die raue Nordsee, wo sie dann melancholisch und ein wenig angedüdelt den riesigen Containerschiffen auf ihrer Reise in die Welt hinterherwinken. Wäre dieser Moment eine Szene aus einem Film, sagen wir mal von Jim Jarmusch, dann wäre es gut möglich, dass genau jetzt die beiden neuen Songs der Dad Horse Experience einsetzten, und die Kamera würde aufziehen und den Blick freigeben auf das offene Wattenmeer in all seiner grauen, bittersüßen Schönheit.
Diese beiden Songs, die uns Dad Horse Ottn, namensgebender Kopf und kreatives Allroundgenie der Band, im Sommer 2022 präsentiert, sind nicht nur bemerkenswert, weil sie im wunderbaren und viel zu selten genutzten 10inch-Format auf Vinyl erscheinen. Sie sind es vor allem deshalb, weil sie uns eine Welt eröffnen, in die man gerne viel länger eintauchen würde als für nur zwei Mal sechs Minuten Spiellänge. Und weil es auch für Ottn selbst ein Aufbruch ist zu neuen Ufern, ein Abschied von der einst erschaffenen, herrlich schrägen Welt des Keller-Gospel.

01 Nacht wie ein Messer
02 Cuxhaven

01 Frozen Dead Star
02 Orbital
03 Wind Up North

Das Stoner-Rock-Trio aus Luzern und Neuseeland?
Die Reise von Carson begann 2011 in Neuseeland, wurde dann durch Sänger und Gitarrist Kieran Jones in die Schweiz importiert und in Luzern zur Schweizer Band formatiert.
Nach fast vier Jahren der Stille haben Carson nebst neuen Musikvideos zu alten Songs (Drown The Witness, 2017) auch ein komplett neues Album zu bieten.
Nach zwei Single Auskopplungen, steht nun das Album «The Wilful Pursuit of Ignorance» vor der Tür. Acht Songs mit Attitüde, die auch die hartgesottenen Stoner Dudes aus der Sky Valley Wüste erschüttern mag.

01 Dirty
02 Dream Maker
03 The Last Laugh
04 Siren
05 Gimmie
06 Too Far
07 No Joy
08 The Wilful Pursuit Of Ignorance
09 Outbound Tide

01 Therion
02 Chronos
03 Hermes
04 Moira
05 Tartaro
06 Metamorfosis I
07 Atlas
08 Metamorfosis II
09 Geras
10 Krinein

Dirk Büdeker wurde am 30.01.1979 in Paderborn geboren. Im Jahr 2003 zog es ihn nach Diepholz (Niedersachsen).
Schon seit frühester Kindheit war es sein Herzenswunsch mit der eigenen Musik seinen Lebensunterhalt zu bestreiten und auf der Bühne zu stehen. Seit vielen Jahren schreibt er eigene Songs. Im Jahr 2020 ist er den Schritt gegangen und hat sein erstes Album produziert.
Das Debütalbum Wegbegleiter entstand über mehrere Jahre und jeder einzelne Titel ist ein kleines Meisterwerk. Also lehnt euch zurück und genießt jede einzelne Sekunde. Lasst euch von den Texten und den Melodien verzaubern.
Bei der Musik von Dirk Büdeker handelt es sich um deutsche Pop Musik, die authentisch und oftmals sehr emotional ist. Aber ebenso gibt es tiefsinnige Songs, die zum Nachdenken anregen. Gerade das zeichnet diesen Künstler aus. Die Musik spricht einem direkt aus der Seele. Ein wahres Feuerwerk der Gefühle, das nur darauf wartet gestartet zu werden.
Dieses Album wird ein treuer Wegbegleiter sein. Viel Spaß auf dieser Reise.

01 Meine Lieder
02 Wegbegleiter
03 Inspiration
04 Du & Ich
05 Ohne euch
06 Liebe
07 Vermissen
08 Warum bist du jetzt nicht hier
09 Achterbahnfahrt
10 Danke
11 Alles wird gut
12 Zeit umzudenken

Wenn sich drei Rockikonen zusammentun, dessen Vergangenheit sich wie das Who is Who der deutschen Musikszene liest, und die sich dann dem Bluesrock widmen, kann man sich auf eine „Unglaubliche Packung“ einstellen. 2017 hat sich mit Gitarrengenius Andreas Schmid-Martelle, dem „German Pope of drumming“ (US Drummer Magazine) Manni von Bohr und dem Bassman mit internationalem Format, Ufo Walter, ein Powertrio gefunden, dessen Musik „straight and tough“ aus den Boxen kommt und dem Bandnamen alle Ehre macht: „Incredible Pack“. „Andreas, Ufo und ich sind schon lange in der deutschen Szene mit verschiedenen Bands unterwegs und wissen, was wir spielen wollen. Wir sind ein echtes, ehrliches Power- Trio, die frischen Rock ’n’ Roll-Wind in die etwas abgeschliffene Pop und Rockszene in Deutschland wehen lassen“, erklärt Manni die Intention der Band. Und Andreas ergänzt, „Unsere Musik ist 90 Prozent Rock ’n’ Roll, 5 Prozent Blues und 5 Prozent Funk“.
Nach ihrem ersten Album „Packed in Blue“ (2020), das man am ehesten mit Bluesrock made in Texas beschreiben könnte, zeigen sie auf dem Nachfolger „Time For Decisions“ (03.12.2021) erneut einen texanisch geprägten Bluesrock, der eine gelungene Liaison mit Classic-/Hardrock eingeht. Während der veranstaltungslosen Zeit haben sich die Jungs entschlossen, lieber kreativ zu sein als Trübsal zu blasen und legen nun ein zweites Album nach.
Stilistisch führt das „Incredible Pack“ ihre powervolle Linie auf „Time For Desicions“ fort und Martelle gelingt es mit dem richtigen Fingerspitzengefühl im Songwriting, Stücke mit hohem Wiedererkennungswert zu schaffen. Dabei vermengt er gelungen in einzelnen Songs mehrere Musikstile, ohne dass es zu scheinbaren Brüchen in den Stücken kommt. Beispielsweise das zunächst hart rockende „Hot Shot“, bei dem sich Martelle mit einem auch zu ZZ Top passenden Gitarrensolo auf den Weg zum eher harten texanischen Bluesrock begibt.
Die stilistische Vielfalt wird möglich durch zwei Meister ihres Faches, den beiden Urgesteinen des Rocks, Manni von Bohr und Ufo Walter, die eine Rhythmussektion bilden, die für eine volle und regelrecht treibende Soundgrundlage sorgen. Dazu das vielseitige Gitarrenspiel von Martelle, der neben der Rhythmusarbeit immer wieder feine Soli einstreut. „Wir spielen Musik für Ohr, Hirn und Bein, mit griffigen, energiereichen Songs, die weder platt noch einfallslos sind“, erläutert Manni.
In den Songs sind zuweilen Analogien zu Bluesgrößen erkennbar, indem geschickt Melodien oder Soli in leicht abgewandelter Art in der Band eigenen Songstruktur eingebaut werden, so dass beim leicht balladesken „Let Me Be Your Friend“ bei Jimi Hendrix Fans Erinnerungen an „Little Wing“ aufkommen können. Es ist gewissermaßen eine Zeitreise durch die Welt des eher härteren Bluesrock, in dem auch groovende Nummern wie „Sleeping With The Lights On“, was auch Dr. Feelgood gut zu Gesicht gestanden hätte, ein gutes Beispiel liefert. Oder das harte „Disbelieve“, in dem der Gesang im Refrain schon in Richtung Lemmy geht; wobei Martelles vielfältige Stimme eine Spur weicher ist. Mit „Don`t Think About Her When You’re Trying To Drive“ und „Hello Josephine“ sind auf der CD noch zwei Bonustracks, welche qualitativ auch nicht als Lückenfüller zu sehen sind, denn auf eine CD passt einfach mehr als auf ein Vinylalbum.
„Time For Decisions“ ist ein in sich geschlossenes Gesamtwerk, das mit einem feinen Händchen beim Songwriting und der Zusammenstellung der Songs auch eingefleischte Bluesfans anspricht. Damit zeigt die alte Garde des deutschen Rocks, dass sie noch lange nicht zum alten Eisen gehören, sondern immer noch vor Energie strotzen. Und diese Energie gibt es schon bald live auf der Bühne mit einer randvollen Setlist aus beiden Alben. „Wir konnten bisher noch nicht touren und haben in dieser Besetzung noch kein Konzert gespielt. Aber wir sind total heiß darauf, das Programm live zu spielen und das Publikum erwartet eine geballte Ladung ‚Rock ’n’ Roll right in yer face’ “, erzählt Martelle enthusiastisch.
Das Incredible Pack hat mit „Time For Decisions“ eine gute Entscheidung für sich und alle Blues- und Rockfans getroffen - eine Einladung zum richtig Austoben.
(Text: Gernot Mangold/Merle Lotz)

Side A
01 Sleeping With The Lights On
02 Hot Shot
03 Disbelieve
04 Practice What You Preach
05 Time For A Decision
Side B
01 Let Me Be Your Friend
02 Worse Before It Gets Better
03 I Can’t Cry
04 Dangerous Age
05 Don’t Think About Her When You’re Trying To Drive

Side A
1 Me Ivez
2 Me gav hir an amzer
3 War an Hent
4 Mamm-Douar
5 Présage
6 Deuit 'ta

Side B
1 Fille du vent
2 Mizioù Du
3 Bleunioù pop up
4 Kimiad
5 Il est une île

Acht Jahre nach ihrem Debütalbum ist Space Elevator mit "Persona Non Grata" ein bemerkenswertes drittes Album gelungen. Das Album enthält elf herausragende Titel, die von Leadsängerin The Duchess und Gitarrist David Young geschrieben wurden. Das Songwriting basiert auf den musikalischen Einflüssen der größten und besten Bands der Geschichte, jedoch mit einem modernen Twist, der einen einzigartigen Sound bei Space Elevator erzeugt. Die Songs sind im klassischen Rock-Genre angesiedelt, weisen aber auch Elemente von Pop, Prog und sogar Funk wie bei "Love You Better", auf.
Nach dem cineastischen Intro „Persona Non Grata, Part 1“ mit seiner Mischung aus akustischen Gitarren und Streichern, wird im direkt folgenden Part 2 der Aufzug in Fahrt gebracht. Schwere Gitarren und ein hartes Schlagzeug zusammen mit dem aggressiven Gesang von The Duchess verschmelzen zu einem hörenswerten komplexen und dynamischen Sound, der die instrumentalen Fähigkeiten der Band zur Geltung bringt. Das progressive Zusammenspiel von Gesang, der in manchen Sequenzen in einer Oper Platz finden würde, um sich kurz danach in eine Rockröhre zu wandeln, und teils in den Hardrock reichenden Gitarrenspiel, sorgen mit Unterstützung der starken Rhythmussektion für einen kompakten fetten Sound, mit Stil- und Tempowechseln. Dabei gelingt es der Band aber, diese Wechsel in den Stücken so ineinander zu verflechten, dass es zu keinen Brüchen kommt.
Die musikalische Nähe zum Frühwerk von Queen ist offensichtlich, aber auch Anklänge an Kate Bush, Genesis und sogar an moderne Ikonen wie Pink sind zu hören. So wird The Duchess starker Gesang in einigen Songs noch von zum Teil selbst gesungenen choralen Backgoundvoices z.B. in „Duchess Of This Town“ unterstützt, was auch Queen als Stilmittel einsetzte. Die Kernband, bestehend aus Schlagzeuger Brian Greene, Bassist Chas Maguire und Gitarrist David Young, wird ergänzt durch Klavier und Keyboards von Michael Bramwell, der zusammen mit Produzent Adam Vanryne zu einem bombastischen und theatralischen Stil beiträgt, der oft in den Grooves von Alice Cooper, Jellyfish oder Led Zeppelin zu finden ist. Space Elevator bleiben jedoch ihrem eigenen, einzigartigen Sound treu, der sich durch ihr Songwriting und ihren gemeinsamen Sound vom Mainstream abhebt.
Das abschließende "Reverie and Souvenirs" wandelt sich nach der Hälfte des Stücks von einer Power-Ballade zu einem sechzehntaktigen Music-Hall-Jazz, bei dem The Duchess einen exquisiten Harmoniegesang beisteuert. Der Hörer wird von der Vielfalt der Rhythmus- und Stilwechsel überrascht, die nahtlos ineinander übergehen und einige clevere Kompositionen und Arrangements zeigen.
Interessant ist, dass beim Zuhören manche Dinge erst beim zweiten oder dritten Abspielen richtig wahrgenommen werden, das Album nicht an Reiz verliert und so zum wiederholten Anhören einlädt.
In der Form kann Space Elevator bei Fans der klassischen und progressiven Rockmusik eine Lücke schließen, welche die altgedienten Bands hinterlassen haben und frischen Wind in diese Szene bringen.

Side A
01 Persona Non Grata, Part 1
02 Persona Non Grata, Part 2
03 Duchess Of This Town
04 Passive Aggression
05 Stevie Nicks Smile
06 First Girl On The Moon
Side B
01 Ritchie (See You Later Baby)
02 Cheeful Frank
03 Love You Better
04 I Will Hold On To You
05 Reverie And Souvenirs

SAFARI STATION is the name of the record Andrea Van Cleef and Diego „Deadman“ Potron have recorded under the direction of Don Antonio Gramentieri (previously working as guitar player/producer for Green on Red’s Dan Stuart, Alejandro Escovedo, Hugo Race and Giant Sand).
Paolo Pagetti, CEO of Rivertale Productions, came up with the original idea: “you two guys should make an album together, and record it just the way records used to be done in the 70s: you go away for a week with a producer and a bunch of musicians, you get into the studio, you eat and sleep there, and you come out at the end of the week with a new album. Then we’ll take care of the mixing and mastering.”
And this is what happened: Diego and Andrea went up a hill between Toscana and Romagna (two of Italy’s most beautiful regions) to join Antonio Gramentieri and his crew: drummer extraordinaire Piero Perelli (Dana Fuchs, Emma Morton, Robin Hannibal, Pet Levin) and keyboard wizard Nicola Peruch (a well-known italian session player, most famous for his work with international blues-pop star Zucchero Sugar Fornaciari). The whole bunch of musicians went to work and recorded 10 songs, 9 originals plus an unrecognisable cover of 70s infamous disco-pop-rock song “In Zaire”, that in the hands of the whole band of musicians becomes a dark trip into Africa’s real heart of darkness.
The sounds of the album are constantly shifting between a more traditional approach to songwriting (mostly represented by Potron’s songs) and a different, free-form approach reminiscent of the psychedelic folk of the late 60s/early 70s merged with afrobeat rhythms (mostly represented by Van Cleef’s songs).
The closing song, the title track is the only song written by both musicians: Potron wrote the music and played the guitar, while Van Cleef sang and wrote the lyrics, dedicated to his late mother, who passed away at the end of March.
This is a collaboration between different musicians and an independent record company with a real producer, just like in the days of old, when music was not just digital ephemera, but something meant to last.

SIDE A
01 Rise Above All Gods
02 You Can’t Hide Your Love Away
03 Gang Of Boyz
04 Mozuela
05 In Zaire

SIDE B
01 Spiderweb Blues
02 Kay Zansét
03 You And I Were Born For Better Things
04 500 Miles Away
05 Safari Station (A Nice Place To Be)

For four years now, Queen of the Meadow has been enchanting us with their delicate folk songs which have often been compared with the works of Nick Drake, Vashti Bunyan, Elliott Smith or Judee Sill. But it is high time we move away from those tutelary figures to recognize the fair value of the acoustic cathedrals erected by the discreet yet passionate duettists, as well as acknnowledge the almost child-like joy experienced while hearing them sing in harmony.
Helen Ferguson is a late bloomer who started writing a few years ago, driven by a profound impulse to depict her inner demons through radiant melodies.
On the other hand, Julien Pras has been known for almost 25 years as one of the deftest craftsmen when it comes to sensitive song writing. Together, they adorn of the finest fabric the songs that she prefers to compose in her native language. They overstitch the instruments, the sound of which he meticulously works on until a refined and elegant gown is obtained, meant to stand the test of time. The challenge was successfully met from the beginning with their debut album Aligned With Juniper (Tiny Room Rds, 2016) and more particularly with A Room to Store Happiness released in 2018 on Only Lovers Records which allowed them to tour and win the hearts of a wider audience beyond the scope of their original hometown Bordeaux, France.
All the subtleties of the 10 songs of their third album Survival of the Unfittest resulting from an asserted maturity and the obvious complicity of the duo, cannot be translated here. But right from the very first song "Smother", we are charmed by the agile intertwining of the guitars, the flight of vocals gliding above the clouds dripping crystalline notes of piano, the aptness of the rythmic beats paving the space until a tidal wave of panting voices bring the song to its climax to finally end in a peaceful acoustic arpeggio.
From a few dark-red drops in the snow, Helen observes, imagines, builds connexions with the blood shed by wild animals driven out of their territories ("La Louve"), the fear aroused by the heavy step of a familiar man one does not dare rebuff ("One More Chance"), the tormenting hunger on the path of exodus ("Rose of Sharon") or the irreversible power of an electroshock ("Dishonorable Discharge").
Thereby, the title Survival of the Unfittest was inspired by biologist Hebert Spencer’s expression referring to the natural selection which condemns the ones who were not born with the same chances to remain at the bottom of the ladder. But if we dig a little deeper into Helen’s lyrics, we see that she expands the definition to all marginals and other whipping boys. Or if we dare say « whipping girls » since women are another claimed source of inspiration : women who fight in their own ways to be heard and respected. Womanhood is explored through the themes of reverie ("Moonchild"), violence ("Princess Pride"), manipulation ("The King and the Hoe"), sensuality ("Modesta") or dancing (illustrated by the superimposition of the collodion photograph on the cover). Adopting an intimate point of view, Helen does not hesitate to call her
own family at the witness stand to reconcile substance and form in an ode to the strength of intergenerational bonds ("Honey"). And when the lyrics reveal too little, the sound effects chosen by Julien take over, drawing the missing words, building enchanting or menacing worlds but never imposing any unilateral interpretation.
Survival of the Unfittest is a new stone in Queen of the Meadow’s Garden of Delights which will hopefully serve as a talisman to repel depression and light the path for those who will have the curiosity to visit it.

01 Smother
02 Moonchild
03 Dishonorable Discharge
04 Honey
05 La Louve
06 Rose of Sharon
07 Princess Pride
08 One More Chance
09 The King and the Hoe
10 Modesta

Ein letztes Album vor dem Ende der Welt? Nesles neues Album könnte genau das sein. Nach dem organischen und extravaganten Permafrost enthüllt Arsenic mit dem Festival eine weitere Facette seines Autors, die eine Vielzahl von ihnen enthält - Schauspieler, hyperaktiver Dandy-Punk, der sich sowohl von Independent-Rock als auch von Literatur ernährt, Aktivist einer bestimmten französischsprachigen Szene , Evenings und Café Walden ... Durch das Eintauchen in diese multiplen Persönlichkeiten lüftet das Album den Schleier einer fremden Welt, die wir beim Tanzen verzehren. Ein Erlebnis, das Sie in seinen Bann zieht. Und aus dem niemand ungeschoren herauskommt.

Unter dem Einfluss dieses unwahrscheinlichen Tranks verlieren wir unseren Halt, wir stolpern. In einem ständig schwankenden Ablenkungsmanöver zwischen Schatten und Dämmerung dringt Arsen dann mit toxischer Schärfe in Ihre Adern ein. Von diesem Luxusgift saugen wir gierig jeden Tropfen aus.

Erneut von Alain Cluzeau produziert, gräbt Arsenic noch tiefer in die Furche, die Permafrost zu ziehen begonnen hat. Indem Arsenic die Ecken und Winkel von Rock- oder Folk-Klängen erforscht, die an elektronische Küsten gespült wurden, trifft Arsenic die Entscheidung, sich nicht zu entscheiden. Zwischen Bio und Digital. Zwischen Tag und Nacht. Zwischen Erde und Himmel. Die Beiträge von Matt Swanson (Lambchop), Armelle Pioline (Superbravo) oder einem Kinderchor vervollständigen das subtile Gerüst eines Hell-Dunkel-Klanggebäudes.
In einem letzten Paradox offenbart das Album außerdem unter seinen dunklen Atmosphären eine Energie, eine Lebenslust, eine Dynamik, die aus dem Herzen der Asche entspringt. Besser als ein Gift. Das ultimative Gegenmittel.

SIDE A
01 Pégase
02 Goudron
03 Spleen
04 Cassandre
05 Cyclamens

SIDE B
01 Fourrure Apache
02 Incendie
03 Sonatine
04 Arsenic
05 Sulfür

Der Komponist, Gitarrist, Sänger und Texter Eckhardt Günther ist einer der ersten Protagonisten des deutschsprachigen Popjazz. 1979  hat er die LP „Da Sein“ mit deutlich jazzigem Anstrich aufgenommen. Für Vinyl-Liebhaber wird eine limitierte Auflage dieser LP vom Label Bynja Produktion (Vertrieb Timezone-Records) angeboten.
Eckhardt Günther präsentiert eine spannende, virtuose und überraschende Jonglage aus Jazz, Blues, Rock, Balladen und Bossa Nova. Es sind Stücke mit stilistischen und kompositorischen Finessen, in denen den hervorragenden Musikern viel Raum für Improvisationen gelassen wird.
Die deutschen Texte sind hübsch bissig, bildhaft, selbstironisch, verspielt; manchmal schmerzlich direkt. Oder die Lieder erzählen nur von Beziehungen unter unterschiedlichen Wetterbedingungen oder vom Genießen. Diese fein gesponnenen lyrischen Texte liegen der LP bei.
Einige Titel wurden digitalisiert bzw. teilweise nachbearbeitet und sind auf der weltweit verfügbaren Doppel-CD „Eckhardt Günther – 24 Lieder und ein Song“ zu hören.
Die Plattenhülle der Vinyl-LP „Da Sein“ wurde von dem Künstler und Folkwang-Dozenten Klaus-Uwe Schlueter gestaltet.

Seite A
01 Frühlingsmorgenrendezvous
02 Dösiger Nachmittag
03 Blütezeit im Herbst
04 Bis obenhin voll Behaglichkeit
05 Prelude für Wuseline
06 Daseinsrhythmus

Seite B
01 Zärtlicher Ausbeuter
02 Zum Reinbeißen schön
03 Heut führt sie ihre Einsamkeit mal wieder durch die Stadt spazieren
04 Ein Stückchen süßer Zeit
05 Früher war es beruhigend monoton
06 Mir geht’s so angenehm

180g vinyl with poster booklet and MP3 download link.

Michael van Merwyk has already made a name for himself in the European music scene and has played countless concerts and sessions across Europe. On the way he has already won several prizes, including being the first European act to take part in the International Blues Challenge in Memphis in 2013, where he came second. But his appearances in cafes, pubs, blues festivals or private parties are essentially all about the music and the people. The new album "Blue River Rising" will be released on October 15th.

“His new release 'Blue River Rising' has everything done right, exquisitely tasteful, well-crafted songs, with hot, superb instrumentation. All that in a generous set of songs, mostly written by van Merwyk. His harmonica partner Gerd Gorke plays along sensitively and elegantly, adding just the right touch to van Merwyk’s powerful and gritty merrymaking.“
– Frank Matheis Contributing writer to Living Blues magazine; Co-Author of ‘Sweet Bitter Blues – Washington DC’s Homemade Blues’ with Phil Wiggins; Publisher of thecountryblues.com

SIDE A

01 Blue River Rising
02 Won’t Get Any Better Than This
03 Keep Sinking
04 Circumstances
05 The Blues Will Do Your Heart Good

SIDE B
01 Heal My Wounds
02 I Ain’t Got No Home In This World Anymore
03 Bye Bye Blues
04 Dark & Dreary
05 The Road Of Life
06 Travel On

Nachdem er mit seinem 2015/16er Album „Eating Meatballs on a Blood-Stained Mattress in a Huggy Bear Motel“ in einen Abgrund von Wahnsinn und Verzweifung herabgestiegen war, kehrt der Bremer Kellergospel-Musiker Dad Horse Ottn mit seinem leicht- füßigeren & gutgelaunten Nachfolgealbum „I am a Stranger Here Below“ zurück ins Sonnenlicht. Dennoch ist das Leben und seine Sicht darauf kein leichtfüßiges Tänzchen für Dad Horse, der in jeder Helligkeit immer auch das Dunkle erkennt. Das Licht, das hier leuchtet, ist gebrochen und verdreht, schwarz wie die Wände eines Gruppentherapieraums in der Hölle.
Die Arbeit an diesem Album begann zeitgleich mit den Aufnahmen zu „Huggy Bear Motel“ und wurde im Sommer 2016 zusammen mit Gregg Weiss (Tildon Krautz) und anderen verwandten Seelen fortgeführt.

1. That's the Day
2. I Know Your Name
3. My Last Ride
4. You'll Lose a Good Thing
5. World-Self-Pity-Day-Blues
6. My Rough & Rowdy Ways
7. Down the Mississippi
8. Ich steig in die Bahn
9. Wicked Path of Sin
10. I am a Stranger Here Below

David Lübke trägt sein Herz auf der Zunge. Ein junger, charismatischer Sänger ist unterwegs mit deutschsprachigen Liedern, einer alten Gitarre und einem 5-saitigen Banjo.
Begleitet wird er von dem Münchener Geiger Max Eisinger und dem Berliner Cellisten Moritz Brümmer. Auf kleiner und großer Bühne gelingt diesem Trio etwas Besonderes: eine Musik, die die feine Kunst deutscher Liedermachertradition, die Lebensfreude des Irish Folk und die Virtuosität des amerikanischen Bluegrass vereint. Ihr aktuelles Album „Von Der Liebe“ ist eine Ode an die Freiheit und gleichzeitig ein Zeugnis fantasievoller Poesie und musikalischen Handwerks.
„David Lübke ist ein herzerfrischender Troubadour, der uns inmitten einer konsumgeilen, als auch krisengeschüttelten Welt an das Elementarste in uns selbst erinnert: Unsere Träume, unsere Visionen, unsere Freiheit und Unabhängigkeit.“ - Biber Herrmann
„Davids Musik weckt Neugier und Sehnsucht nach guten Tagen, nach einer neuen Blütezeit, die in unser Land einziehen möchte. Wie durch Kinderaugen zeichnet der junge Liedermacher die Welt... Meine Entdeckung 2020.“ - Sarah Brendel

01 Vielleicht ist da ein Mann
02 Zum Glück nur Osnabrück
03 Wenn ich wüsste was der Morgen bringt
04 Apfelbaum
05 Um die ganze Welt
06 Wie weit zum Horizont
07 Weißt Du noch
08 Von der Liebe
09 Was Du in mir siehst
10 Geht!
11 Leb wohl du kleine Stadt

In einem längst vergessenen Zeitalter lebte tief in den skandinavischen Wäldern am Rande des Brunnsviken ein junges Mädchen. Ihr Herz war durch einen Fluch von tiefer Trauer erfüllt. Auf der Suche nach Erlösung durchstreifte sie Tag um Tag die Wälder, konnte aber keine Linderung finden. So setzte sie sich eines Tages an einen Waldsee, entschlossen ihrem freudlosen Dasein ein Ende zu bereiten. „Ach, gäbe es doch etwas in meinem Leben, dass diese tiefe Trauer aus meinem Herzen vertriebe!“ seufzte sie und tat den ersten Schritt ins Wasser. Der Waldsee wurde unruhig und brauste und an seinem Ufer wogten drei Tannen im Wind stark umher. Sie drohten schon zu entwurzeln, da entstanden aus ihren mächtigen Stämmen drei stattliche Körper, aus ihren Nadeln das feinste Haar auf das je die Sonne geschienen hat und drei prächtige Zapfen baumelten, dass es eine Freude war. Das Mädchen erschrak beim Anblick der drei Gestalten, doch diese riefen ihr zu: „Gräme dich nicht, liebes Fräulein. Wir sind gekommen, um mit unseren Liedern das Glück in Dein Herz zu tragen." Und sie hoben an zu singen, und die Brust des Mädchens füllte sich mit nie gekannter Freude, unermesslich wie der Morgentau auf den Wiesen und in den Wäldern. Von dem Tag an lebte sie ein Leben voller Zuversicht und Zufriedenheit, voller Glück und Genuss.
Und in den Wäldern hörte man von Zeit zu Zeit noch den Nachklang dieser Musik, die die Herzen der Menschen erhellt.
Das ist die Legende vom Fräulein Ingrid aus Stockholm, wie sie seit vielen Zeitaltern von Generation zu Generation weitergegeben wird. Einige behaupten, dass die drei Freudenspender auch heute noch durch die Wälder ziehen und den Gegrämten Trost und Zuversicht spenden. Wieder andere behaupten, sie auf Facebook und Instagram gesehen zu haben.

Lange ist es, was Neuveröffentlichungen der Climax Bluesband angeht, ruhig geblieben. Die aktuelle Besetzung, die nach zahlreichen Umbesetzungen zwar kein Gründungsmitglied mehr hat, gibt mit „Hands Of Time“ endlich wieder ein musikalisches Lebenszeichen mit neuen Songs und setzt die über 50-jährige Bandgeschichte fort.
Dabei besinnt die Band sich auf die schon in der Vergangenheit bewährte instrumentale Struktur und dem ihr eigenen Groove. Der charismatische Fronter Graham Dee nimmt den Zuhörer, mit seiner eindringlichen leicht kratzigen, aber sehr klaren Stimme bei den Songs, in seinen Bann. Die Stücke haben meist klare Rhythmusstrukturen, welche sich im Bereich Blues bis Rock, teils mit souligen Einflüssen, meist im Midtempo befinden. Eingestreut sind auch einige Balladen, die den Zuhörer ins Träumen bringen können und nochmals die Ausdrucksstärke Dees Stimme beweisen.
Die Grundlage für den kompakten Sound legen die schon seit über 30 Jahren in der Band spielenden Neil Simpson am Bass und Roy Adams am Schlagzeug.
Eine besondere Note bringen die Urgesteine der Band, Lester Hunt an der Gitarre und George Glover an den Keyboards in den unverkennbaren Sound ein. Hunt mit Rhytmusarbeit und klar gespielten eingestreuten Soli verzichtet auf überflüssigen Schnickschnack, sondern bevorzugt klare Töne, während Glover nicht nur die Songs mit Klangteppichen untermalt, sondern auch mit furiosen und einfühlsamer Leadarbeit an den Keyboards und am Piano überzeugt.
Frischen Wind haben aber mit Sicherheit der schon genannte Graham Dee am Gesang und Chris Aldridge am Saxofon und der Mundharmonika der Band eingehaucht, welche erst 2012 zur Band gestoßen sind. Aldridge mit starken Saxophonsoli ist dabei zuweilen ein kongenialer Partner von Hunt an der Gitarre.
Ein erfrischendes Songwriting, was sich an der Bandgeschichte orientiert, hat der Climax Blues Band wieder neues Leben eingehaucht, was an die Erfolgszeiten der Band anknüpft und nicht nur bei den eingefleischten Fans der Briten Gefallen finden wird.
Mit „Hands Of Time“ hat die Band auf jedem Fall ein eindrucksvolles abwechslungsreiches Album ohne musikalische Lückenfüller hingelegt, welches die musikalische Stärke der Band zeigt und belegt, dass sie noch einmal richtig durchstarten wollen. Der Kauf des neuen Werks wird den Fans mit Sicherheit die Wartezeit auf eine kommende Tour verkürzen und vermutlich sogar das sehnsüchtige Warten darauf verstärken.
(Text: Gernot Mangold)

01 Ain’t That A Kick In The Head
02 Straight Down The Middle
03 What’s Your Name
04 Flood Of Emotions
05 17th Street Canal
06 Hands Of Time
07 The Cat
08 Wrong Time

Universe, der Titel des neuen Albums von Don Kurdelius And The Mindless Orchestra umschreibt, was vielen von uns in der letzten Zeitspanne begegnet ist... Man findet sich selbst in seinem eigenen kleinen Kosmos wieder, abgeschirmt vom restlichen Universum. Selbstfindung...ist es nicht so...? Um es erträglich zu gestalten und die Situation möglichst bald zu verbessern, gilt der Aufruf: „Come On Everybody“ !.. um durch diese merkwürdigen Zeiten funky-groovend zu wandeln und schlimmeres zu verhindern.
„Slow Down“ ist der Aufruf zur Entschleunigung, bewusst frische Luft zu atmen, denn „Es“, das wir hier nicht beim Namen nennen wollen, greift um sich.
Ja, wir haben den Blues....ja und..?
...Entdeckt die „Wonderful“ anmutenden Dinge um euch herum und stellt euer Selbst nicht zu sehr in den Mittelpunkt. Bewegt euch und tanzt in großen Kreisen zur Polka...!
Und begegnet uns nicht auch dieses Phänomen regelmäßig: HÄ..??... was für ein unkontrollierter Wahnsinn passiert hier eigentlich gerade, hier, in unserer kleinen Welt, ...irgendwie fühle ich mich „Far From Home“, ...weit weg vom ...vielleicht... guten oder gar besseren Universum...Fragen und Gedanken...
„Ahead“ sagt es rockig rigoros: weg da, ich komme und alles hat zu weichen. ja und?...ist es nicht auch wichtig, seinen eigenen Weg zu finden und mutig voranzuschreiten...ja..ja ..los geht’s..
..auf zur „Revolution“!! Bringt mehr Liebe, Verständnis, Empathie, Rücksichtnahme, Unterstützung undundund.....all das Gute ins hier und jetzt, ...in unser „Universe“!!
Love, Peace And Völkerverständigung!!!

01 Come On Everybody
02 Ahead
03 Wonderful
04 Slow Down
05 Far From Home
06 Revolution

180g black vinyl

Keep your feet still? Stay cool? Only ice-cold guys can do that with the songs of the Berlin band KENSINGTON ROAD. Everyone else is immediately hooked on the band's modern, international sound, which skilfully bridges the gap between indie rock and alternative pop. Authentic songs that get by without bells and whistles - because after thousands of kilometers in the tour bus through all of Europe and countless live shows, the “hard-working band” knows exactly what they are singing about.

With their third album "LUMIDOR" (release: August 10th, 2018) KENSINGTON ROAD made it straight to number 28 in the German album charts.

"Kensington create the big indie rock throw with LUMIDOR" (umagazine)

"Your new album sounds seductive from start to finish - a road trip for the ears" (Münchener Merkur)

Side A
01 white noise

02 All you want

03 taxi

04 Silent But Loud

05 Blacktop

06 Here We Go Now


Side B
01 gold

02 The Hunter

03 World Will Know Your Name

04 Stay or Run Away

05 When You Come Around
06 Taxi (Acoustic)

The new album from Kensington Road - available for pre-order now! Delivery for the release on August 13th, 2021.

180g LIMITED EDITION YELLOW VINYL

Keep your feet still? Stay cool? Only ice-cold guys can do that with the songs of the Berlin band KENSINGTON ROAD. Everyone else is immediately hooked on the band's modern, international sound, which skilfully bridges the gap between indie rock and alternative pop. Authentic songs that get by without bells and whistles - because after thousands of kilometers in the tour bus through all of Europe and countless live shows, the “hard-working band” knows exactly what they are singing about.

With stories of friendship, solidarity and confidence, but also stumbling, falling and getting up again, SEX DEVILS OCEAN goes straight to the heart. Especially in times like these, KENSINGTON ROAD show all social and personal insecurities the finger and always remain positive. Far from the usual rock clichés, the band lures the audience from their reserves with forward-pushing energy and a passionate live show. Real, authentic, no bullshit.

“Electrifying songs with battle-tested riffs, tingling melodies and a high density of instruments. Original and exciting - rock that is fun without being fun. "(KN)

Side A:

01 Ghost Mountain

02 Living In A Lumidor

03 Duke of Persico

04 Class Of 9205 Pablito Pablito

Side B:

01 Sex Devils Ocean

02 Change is good

03 Into The Universe

04 Red Light

05 Steve Shoeman

German album orders will be dispatched and fulfilled in cooperation with Rimpo Records DE

Wie eine Hommage an die natürliche Schönheit und Freiheit, aber auch an die dunkle und fantastische Mystik Skandinaviens, thematisiert das Nordsnø Ensemble in „Om svalor och smälvatten“ (von Schwalben und Schmelzwasser) musikalisch die Poesie des Lebens. Am 27.11.2020 erscheint bei Fattoria Musica Records das bereits zweite Album des Ensembles. Ihre Musik vereint skandinavische Folklore mit Modernem Jazz, wobei auf dem neuen Album auch Elemente aus Progressive Rock und elektronischer Musik die Stücke geschmackvoll einfärben. In der Suite „Snöporten“ wird das Ensemble von einem Streichquartett ergänzt. Das Stück wurde in einer Kooperationsarbeit des Komponisten und Arrangeurs Vincent Dombrowski und der schwedischen Sängerin Anna Arco komponiert und stellt den Höhepunkt des Albums dar. Der außergewöhnlicher Spannungsbogen von „Om svalor och smälvatten“, lässt die Musik in ihrer Dramaturgie zu einem Gesamtkunstwerk werden, das die fantastischsten Bilder skandinavischer Schönheit in den Köpfen aller Hörerinnen und Hörer entstehen lässt.

SIDE A
01 Den blomstertid nu kommer
02 Solveigs sang
03 Vuggevise (Noen kommer, noen går)
04 Till havs
SIDE B
01 Snöporten I
02 Snöporten II
03 Snöporten III
04 Då väntar ja vid vägarna

Songwriter, Gitarrist und Sänger Tilo George Copperfield ist ständig auf der Suche nach dem nächsten Song. Mit acht Soloplatten im Gepäck hat sich der sympathische Workaholic einen festen Platz in der deutschen Blues- und Rocklandschaft erspielt
Mit seinem neuen Album „The Electric Band“ kehrt er zu seinen Wurzeln zurück und legt eine bluesrockende Scheibe vor, die ein lautes Loblied auf seine Live-Band singt. Mit Michael Air Hofmann am Schlagzeug, Michael Karl am Bass und Claus Bächer an der Hammond hat Copperfield das perfekte Vehikel gefunden, um seine Musik auf fantastische Weise zu transportieren.
Live im Studio aufgenommen während der Pandemie 2020 kam alles auf vier Jungs in einem Raum an, die mit Energie und Herz am Werk sind. Das Werk wurde speziell für Vinyl gemixt und gemastert und dürfte vor allem für audiophile Fans ein ganz besonderes Schmankerl sein.

01 You Knock Me Dead
02 Eastbound Train
03 When The Night Is Over
04 That Fuss
05 Who’s To Blame?
06 Ten Men On The Dead Man’s Chest
07 Bound To Pay The Price
08 Long Distance Call
09 Enough Of You
10 Welcome To The Farm

The album was written, arranged and recorded during the global Covid 19 pandemic. Craig Hinds started gathering initial ideas in early 2020. The songs developed slowly and when he was allowed to travel again, he met with his bandmates in Johannesburg to develop the tracks further in joint sessions. "There was a lot to write about because the emotions were high, families and couples were separated and 'times they are / were a-changing' as legend Bob Dylan would have put it" (CRAIG HINDS).
"Elephant In The Room" is a solid and warm album with twelve tracks that was recorded in a trio formation (Craig Hinds (voc, g, p), Howie Combrink (dr, voc) and Gideon Botes (g). The latter is also responsible for the production and the mixing, which he was supported by Hinds and Combrink. It contains, in addition to the usual excellent Craig Hinds compositions, also a stunning Watershed interpretation of the Bruce Springsteen classic "I'm On Fire" LP contains a good mix of up-tempo songs, classic watershed ballads and mid-tempo pieces, and the group's music has evolved over the years, incorporating a variety of influences without deviating too far from what Watershed is has always mattered.
Lyrically, Craig Hinds undertakes a journey into the unknown and questions everything that happens around him, while at the same time trying to address the “elephant in the room”. "There are just too many opinions and nobody really addresses the real situation" (CRAIG HINDS). In true Watershed songwriting tradition, the songs take up topics from everyday life, everyday worries, everyday ups and downs and everyday love in order to create songs that you won't get out of your head for a long time. His greatest fear is not being able to write a hit. “It doesn't matter how much you tour, how many fans you have or how many network followers click on your site. If you don't have good songs, you're not going anywhere ”(CRAIG HINDS).
But if you are expecting a new "Indigo Girl", you may be disappointed because Watershed anno 2021 has become more contemporary and rockier. Watershed have developed stylistically, but do not deny their own special sound. Haunting, energetic and sophisticated indie folk pop rock. Songs like the single “Undone”, “Map Of My Behavior”, the bonus track “Countdown” or the title track itself have a terrific driving drum kit without losing the melody affinity of the Hinds compositions. Memories of early R.E.M., Coldplay and the Crash Test Dummies are awakened. The focus of the instrumentation is an excellent mix of guitars, electric piano and the distinctive and naturally expressive voice of Craig Hinds.

01 Map of my behavior
02 Undone
03 Empty spaces
04 Elephant in the room
05 I'm on fire
06 Wish
07 Stone by stone
08 Try again
09 Love song
10 African stars
11 Keep your eyes on me
12 Countdown (Tribute to the frontline workers)

Captn Catfish, das ist die Kapelle aus dem Neckarbayou, welche für handgemachte Musik auf handgemachten Instrumenten steht. Mit ihren einzigartigen selbstgebauten Instrumenten heben sie sich deutlich von der allgemeinen Musiklandschaft ab, und so eindrucksvoll, wie sie ihre Instrumente gebaut haben, klingen sie auch. Alles ist möglich, alles ist erlaubt und alles wird genutzt.
Bei der dreisaitigen Licenseplateguitar liegen die Ursprünge zweifelsohne in der Tonart G. Diese ergründet Fabian Fahr mit feinem Gespür und findet meisterliche Riffs, vergleichbar den großen Riffmeistern wie etwa Keith Richards. Seine  musikalischen Wurzeln liegen im Southern Rock. Zusammen mit Jordan Wiest aus Minnesota finden sie die richtigen Worte, Riffs plus Lyrics ergeben eingängige, geradlinige Melodien und Songs.
Die Themen der fünfköpfigen Band sind u.a. Angeln, Reisen, Barbecue und es finden sich Hommagen an fiktive Parallelwelten wie dem Wilden Westen und den glorreichen Zeiten der Wikinger. Jordans Bass, gebaut aus einer Lachskiste, hat als tiefe Entsprechung zur Nummernschildgitarre einfach nur 2 Saiten, die er einfach, funktional und äußerst groovy spielt.
Da kommt Tobias Langguth ins Spiel mit seiner 6-saitigen Wineboxguitar, deren Sound er geschickt hineinverzahnt und in den Gesamtsound verwebt, sodass man sich bisweilen wirklich im Southern Rock, im stonesken oder auch archaisch-folkloristischen Bereich wähnt. Es ist also, trotz gleichbleibender Tonart, viel Abwechslung vorhanden!
Dazu trägt maßgeblich auch Perkussionist Marcos Jesús Gonzáles Jiménez aus Cuba bei, er unterlegt - sehr ungewöhnlich und neuartig für die Cigarboxszene, bei einem Großteil der Stücke einen authentischen, wunderbar geschmeidigen Afro-Cuban-Son-Groove und ist bei anderen Stücken an den Drums zu hören.
Gesanglich wird Fabians markante und tiefe Stimme von der Sängerin Nicole Guida abgerundet und ergänzt. Mit Ihrem ausgesprochenem Gefühl für Blues und Soul verpasst sie dem Ganzen den richtigen Feinschliff.

01 Poor Man’s Guitar
02 Happy Wife: Happy Life
03 The Mullet Song
04 Bounty Hunter
05 Smiley’s World
06 Copper Cauldron Gypsies
07 That’s Life
08 Dinner Bell
09 BBQ
10 Yggdrasil

Vorbestellung - Auslieferung rechtzeitig zum Release am 11.06.2021

Mit raubeiniger Zärtlichkeit arbeitet sich der Osnabrücker Musiker Herr Svenson auf seinem ersten Soloalbum durch fantastische Lieder voller Liebe, Sehnsucht und singt über die Stationen seines Lebens, über Hafenbars, sein Kind, über Schlummerland.
Musikalisch variieren die Songs von Herrn Svenson zwischen minimalistischer Singer-Songwriter Ästhetik, melodischen Alternative Vibes und Percussion dominierten, komplexen Arrangements.
Herr Svenson liebt Gitarren, egal ob mit Strom oder ohne. Banjo, Mandoline, Bass, Wurlitzer, Darbuka und Bendir. Er spielt mit allem, was er in die Finger kriegt. Schlagzeug gibt es hier nicht, stattdessen Body Percussion und arabisches Schlagwerk. Das Piano überlässt er dankbar seinem musikalischen Weggefährten Herrn Andreas Müller und am Akkordeon sorgt Matthes Wilhelm für melancholisches Flair.
Die Texte bewegen sich zwischen aufrichtigen, unverkitschten Liebeserklärungen (‚Sieben Lieben‘, ‚Lied für mein Kind‘) und der Lust nach Ungebundenheit (‚Einmal noch losziehn‘). Sie wechseln zwischen sympathischer Selbstironie (‚Scheiße am Schuh‘, ‚Große Liebe‘) und herzzerreißendem Liebeskummer (‚Sie wartet nicht mehr’, ‚Zu den Sternen’).
Diese spezielle Mischung macht 'Herr Svenson singt Liebeslieder' zu einem eindrucksvollen und echten Hörerlebnis. Und zu einer Achterbahn der Gefühle. Denn die Erkenntnis 'In meinem Herzen bin ich Streuner' ist bei Herrn Svenson keinesfalls nur Koketterie mit irgendwelchen Klischees, sondern pure Selbsterkenntnis und der Beginn einer weiten Reise, der Suche nach einem Zuhause.
Herr Svenson hat genau die richtige Stimme, um diese Geschichten zu erzählen: wie alter Samt mit Widerhaken, rau und zuweilen kratzig, aber dabei immer einfühlsam und authentisch.
Wenn er sich mit den wunderbaren Sängerinnen Anja Ricciuti (‚Zu den Sternen‘) und Rebecca Colen (‚Sie wartet nicht mehr‘) zu Duetten zusammentut, berührt das den Hörer im Innersten.
Songwriting, Arrangements und Produktion: In jedem Detail hört man das Herzblut mit dem Herr Svenson gearbeitet hat. Großes Kino für die Ohren. Ein Lieblingsfilm in 14 Liedern von dem man sich wünscht, dass er nicht zu Ende geht.
Das Album klingt absolut zeitlos, ist aber auch eine Rückschau. Mit seinen eigenen Worten: „Ich bin ein alter Sack mit einem neuen Projekt. Teilweise sind die Songs vor vielen Jahren entstanden, haben aber nie zu meinen Bands gepasst. Schon lange Zeit hatte ich den Wunsch, die Sachen aufzunehmen, und den habe ich mir jetzt erfüllt.“

Ein Downloadcode mit allen Songs liegt der Vinyl bei.

01 Sieben Lieben
02 Hafen
03 Einmal noch losziehn
04 Zu den Sternen
05 Große Liebe
06 Sie wartet nicht mehr
07 Oh Darling (Lied für mein Kind)
08 Kalter Entzug
09 Streuner
10 Josephine
11 Scheiße am Schuh
12 Immer noch da
Bonustracks (CD/Download):
13 Sheila (2019)
14 Besoffen (2016)

180g vinyl incl. MP3 download CD

“Cream Of The Crop” turned out to be a funky, groovy record with a number of slow blues pearls. There is a fat R&B sound, with horns and Rhodes piano and all baffles. This new album is a stunner in every way: consistently great vocals, dim saxophone passages and Freischlader's guitar, which comes along in the best B. B. King manner.

Henrik Freischlader has put his stamp on all of the songs: The ten tracks on "Cream Of The Crop" all come from his pen. Tommy Schneller acted together with Henrik Freischlader and keyboardist Gregory Barrett as a copywriter.

“Cream Of The Crop” has turned out to be a great and entertaining record.

Side A
01 Hands in the Air
02 She's So Good to Me
03 Cream of the Crop
04 Isn't It New
05 What Did I Do

Side B
01 super hero
02 Your Somebody Else
03 Ain't No Maybe
04 Higher and Higher
05 You Don’t Seem to Care

180 g vinyl

"... is announced on his homepage with the words: 'A soulful, funky, bluesy refreshment awaits you!'
(bluesnews, December 2011 - March 2012)

Deutsche Schallplattenkritik Award 02/12: “The Osnabrück saxophonist Tommy Schneller impresses with brass-based arrangements and danceable grooves as well as with his unmistakable singing. You can experience enormous joy in playing, also an occasional wink when Schneller interprets the blues, soul and funk songs, mostly written by Henrik Freischlader, although ballads are not neglected either. "
(For the jury: Dirk Föhrs)

Side A
01 Cleaning lady blues
02 Smiling for a reason
03 You're my place to be
04 Shaky reads
05 Sweetest touch

Side B
01 Blues for the ladies
02 Can't go on this way
03 Never found me a girl
04 Dog's life
05 Get closer

Pre-order - delivery in April. We will keep you up to date.

Peter Autschbach:
“Joscho Stephan is without a doubt a world-class guitarist who is best known for his incredibly virtuoso solo technique in the Django Reinhardt genre, which he interprets in his own unique and recognizable way. 
With all new and fresh ideas, he effortlessly lives up to Reinhardt's legacy. In the duo with me, Joscho shows himself from a slightly different side: also virtuoso, but more jazzy, sometimes with archtop guitar and sometimes with flat top acoustic guitar. It was great fun to record the pieces for our joint album 'Sundowner' with him in my studio (and to sing along with two of the pieces) and everything went very quickly. The reason is that we always (even if we tried a second version) decided to go for the "first take".
Half of the music consists of new, own compositions and our spontaneous interpretations of well-known standards. We are both happy and proud of the new album and I am very happy that it will also be released on vinyl. "

Quote from guitar master Siegfried Schwab:
“Dear Peter, dear Joscho, you have achieved something really great, you can't get enough of this sundowner, because it turned out to be an all-round successful recording!
My number one, of course: 'Holobiont'. With this piece you opened the door to the guitarist Champions League wide, wide. One can only be happy that such masters work here in our center (Europe).
Congratulations, your Sigi Schwab "

SIDE A
01 Stompin 'At The Savoy
02 Autumn Leaves
03 holobiont
04 centerpiece

SIDE B
01 Still A Long Way To Go
02 Good Times
03 Fill the gap
04 Sundowners
05 Begin At The End

Es wird wieder Zeit, Klangteppiche auszurollen, gemeinsam musikalisches Kopfkino zu genießen und die Ohren zu verwöhnen. Und genau das gelingt einem Musiker seit Jahren international in Perfektion: Zed Mitchell. Nun nimmt Zed Mitchell als einer der besten Gitarristen Europas sein Publikum mit auf eine seiner persönlichsten Reisen.
Das Ende 2020 als CD und im Januar 2021 als Schallplatte erscheinende, neuste Album des Tausendsassas trägt den Namen „Route 69“. Angelehnt an die legendäre Route 66, fährt Zed Mitchell mit diesem Album die musikalischen Stationen seines Lebens ab. Denn „Route 69“ erzählt Zed Mitchells Lebensgeschichte mit einem Bluesrock-Album, das Maßstäbe setzt. Und diesmal entfaltet Mitchell die gesamte Bandbreite seines musikalischen Könnens.
Gepaart mit der Einzigartigkeit seines Lebens und seiner außergewöhnlichen 5- Oktaven-Stimme ist „Route 69“ ein musikalischer Roadtrip, dessen Sound niemand mehr vergisst.
Kreativ nutzte Zed Mitchell die Zeit des Lockdowns in diesem Jahre. Die Ruhe half ihm, in sich zu gehen und sich und sein Leben zu reflektieren. Und welch persönlicher Sound dabei entstanden ist, hört man allen zwölf Titeln des neuen Albums „Route 69“ auch an. Produziert in Studios in Berlin und Essen und veröffentlicht auf Mitchells eigenem Label Z-Records, zeichnet sich der Gitarrenmeister auch für das Songwriting und die Produktion aus. Musikalisch wird er von David Haynes am Schlagzeug und Sascha Kuhn am Keyboard begleitet. Spezieller Dank zollt dem Saxophonisten Max Schurakowski. Todor Manojlović spielt Gitarre und unterstützt Zed Mitchell auch als Sänger. Diese Mischung aus hervorragenden Musikern ließ ein handwerklich lupenreines Album entstehen, das dem Genre Bluesrock neuen Charakter verleiht.
Denn so wie das Leben schwingen die neuen Tracks. Mal ruhig, dann ruppig, wieder sanft und immer herzerwärmend ist ein Album entstanden, das genau eines ist: Zed Mitchell selbst. Songs, die das Leben spielt. „Route 69“ geht ans Herz, in die Beine, verleiht Gänsehaut, es rüttelt den Zuhörer, rührt das Herz.
Zed Mitchell gönnt seinen Zuhörer seine emotionalste Seite. All jene, die Musik vermissen, ihn live vermissen, werden ihn für dieses Album lieben. Denn als Gitarrenmeister hat er eines mit seiner „Route 69“ geschafft: Eine Bühne für Träume zu schaffen. Für Gedanken an die Vergangenheit, bewusstes Erleben der Gegenwart und Hoffnungen in der Zukunft. „Route 69“ ist ein Roadtrip für Blues und Rock- Liebhaber, den sie immer wieder hören und erleben werden wollen.

01 By Sundown You’ll Be Gone
02 I Like To Drive
03 I’m Still Waiting
04 The Girl That Broke Your Heart
05 Freedom Trail
06 From My Dreams
07 Midnight Melody
08 Is This Life?
09 Blue In Your Eyes
10 Life Will Always Find You
11 I Don’t Know

2020. Ein Jahr, das mit Sicherheit in die Geschichtsbücher eingehen wird! Schön wäre es gewesen aufgrund des ersten PLEIL-Albums „Die Spur des Kalenders“, welches im April erschien. Leider Nein, Corona sollte es sein!
Die (Virus-) Katastrophe, die die Welt lahmgelegt, sämtliche Musikveröffentlichungen und Live-Konzerte fast nicht möglich oder gar redundant gemacht hat. Was tun als Kreativer? (Marco) PLEIL ging es da nicht anders als allen anderen auch. Der Rettungsring flog ihm in Form eines Stipendiums der Hessischen Kulturstiftung zu: „Hessen kulturell neu eröffnen“. Aber gerne doch!
Die Idee und der Plan waren schnell gemacht: dem „Die Spur des Kalenders“-Albums einen draufsetzen und das Ganze nochmal neu anschubsen! Gedacht, getan! Im September 2020 ging es erneut mit Produzent Christian Bethge (Messer, Laura Carbone, Gewalt, Heim) ins RAMA Tonstudio nach Mannheim.
Zwei brandneue Songs haben sie aufgenommen. Die ersten, die PLEIL nach
„Die Spur des Kalenders“ geschrieben hat: „Liebe Grüße!“ und „Jazz ist keine Option“. Die gleiche DNA und doch schon viel erwachsener! Da rumpelt auf einmal ein Drumloop durch den Song, es orgelt und die auf dem Album noch so verschmähte Akustikgitarre lunzt vorsichtig durch die Arrangements. Man entwickelt sich ja weiter! Bitte hören und teilen Sie!

Seite A
01 Liebe Grüße!

Seite B
01 Jazz ist keine Option

Elizabeth the last ist ein instrumentales Rocktrio aus Deutschland. Nachdem lange mit Gesang und verschiedenen Stilen der Musik experimentiert wurde, konzentriert sich die Band seit einigen Jahren auf die musikalischen Freiheiten von instrumentaler Musik. Ohne sich in unnötiger Komplexität oder ausufernder Atmosphäre zu verlieren, verfolgen die drei Musiker freie Wege und komponieren ihre Stücke fernab gängiger Songstrukturen. Es geht darum, verschiedene Teile auszuarbeiten und zu einem homogenen Ganzen zu formen. Ihr gleichnamiges zweites Album „Elizabeth the last“ veröffentlichte die Band in 2018 und bekam vielversprechende Kritiken:
„Im Ergebnis steht also eine Handvoll sagenhaft gut durchdachter Instrumentalstücke, auf die jeder große Name in diesem Genre stolz wäre. „Elizabeth the Last“ legen keinen Wert auf sofort zugängliche „Hits“, haben aber auch ohne Vocals eine eigene Stimme gefunden, die hoffentlich gehört wird, selbst wenn viele Bands mit weniger Substanz lauteren Krach schlagen.“ (Rockblogbluesspot Sept./18)

01 Blacksmith
02 Harvester
03 Inselwart
04 Watchmen
05 Claimant

Dissonante Melodica-Wölkchen schweben über stoischen Gitarrenakkorden, unterlegt mit einer dräuenden Basslinie. Much Better, Thank You eröffnen ihr zweites Album druckvoll und wild.
Erstmals machte die Band 2015 mit „Concrete Memories“, ihrer Single „gegen das Vergessen – zum 70. Jahrestag der Auschwitz-Befreiung“, auf sich aufmerksam.
Nun legen die fünf Musiker neun neue Songs vor, darunter zwei Coverversionen, die im Gegensatz zu den Eigenkompositionen mit deutschem Text daherkommen. Fast hat man das Gefühl, die Band nutzt diese Songs zur Selbstverortung zwischen „Das Model“ von Kraftwerk und „Zu Asche, zu Staub“ aus der Serie Babylon Berlin; im Original nicht gerade Songs, die man sich gut von einer Gitarrenband vorstellen konnte, doch MBTY haben ihr musikalisches Vokabular so stark erweitert, dass sie das scheinbar mühelos meistern.
„The House is Moving“, der Titeltrack des Albums, spiegelt das künstlerische Potential der Band beeindruckend wider. Er beginnt im Wohnzimmer, jedenfalls hört sich das Intro, gespielt auf einer einsamen Akustikgitarre, so an. Zaghaft, erst suchend, dann klar und kräftig, gesellt sich eine Geige dazu, dann eine E-Gitarre. Es vergeht viel Zeit, ehe Schlagzeug und Bass einsetzen und sich die Tür zum Sound des Songs vollends öffnet.
Heidis Stimme, eindringlich und tieftraurig, trägt durch die kargen Lyrics. Ab der dritten Strophe verstärkt eine blutrot sägende Gitarre die Intensität. Schnell schwindet das gute Gefühl; die Geige spendet keine Kraft, sondern saugt sie auf. Irgendwann weiß man nicht mehr: Ist das eine Geige, sind es zwei? Ist das pure Schönheit oder Dissonanz?
„Two Yellow Lanes“ träumt im 5/4-Takt. Der Offbeat von „Summerland Suite“ lädt zum Tanz zwischen Wollust und Wehmut. „Kite Runner“ schleicht sich an, mit einem angedeuteten Tango, und schwingt sich - zwischen Gedanken zum Mensch und seiner Bezugsgruppe - auf zu einer pompösen Wall of Sound, in der eine Bassklarinette die Gitarrenwände aufbricht und irische Melodien und französischen Chanson hereinlässt. An manchen Stellen horcht man überrascht auf, zum Beispiel, wenn in “Hot Deal” eine archaische Begleitautomatik aus den 70ern erklingt. „Fishtank“, ein wenig versöhnlicher Walzer, schließt den Reigen - Happiness comes only at the bottom of a bottle, when you forget that you had bigger dreams. You always wanted more than this.
Angst vor Stilbrüchen? Nein, niemals!
Die Band hat durchgängig einen kompakten Bandsound entwickelt, der es versteht, seine Hörer herauszufordern, sie aber nie überfordert. Gekonnt arrangierte Gitarren, dynamische Drums, treibende Basslinien und darüber die sphärische Stimme von Heidi Engel.
Much Better, Thank You sind gelandet, Meilen entfernt von ihrem Ursprung, aber glücklich im täglichen Unglücklichsein.
The House is burning, my head is spinning. Ein Album voller Kraft und verstörender Schönheit.

01 Secret Service
02 The House Is Moving
03 Zu Asche, zu Staub
04 Summerland Suite
05 Kite Runner
06 Hot Deal
07 Two Yellow Lanes
08 Model
09 Fishtank